Pero si eres rico de sabiduría también cuenta.
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Yo en calcio y vitaminas. :)
Eso de los usuarios que promocionan páginas webs es puro spam, con que solamente una persona lo notifique a los moderadores mediante el triangulito de abajo del avatar es suficiente para que no insistan con mensajes automatizados. Espero que mejoren los filtros del foro al respecto, se han colado en muchos hilos...
Como hace mucho que no comento lo último que veo voy a resumir algo de lo que más me ha gustado:
Les enfants du paradis de Marcel Carné me encantó, es una tierna y épica farsa sobre los devaneos teatrales y los amoríos de los trabajadores del mundillo del espectáculo en la Francia de los años cuarenta. Sorprendentemente emotiva y bella, se ha convertido de una de mis favoritas.
Plácido de Berlanga. Me da casi vergüenza admitir que hasta poco no había visto esta sátira tan graciosa donde se organiza una celebración: el día del pobre. Donde las familias pueden acoger un pobre para pasar las fiestas con ellos. Supuestamente es para fomentar algo solidario, aunque todo el evento resulta en un enorme lastre para el hombre que lidera el evento con un carromato. Es rematadamente elocuente para señalar todas las miserables contradicciones castellanas de favorismos, apaños y aprovechamientos varios. Es hilarante de principio a fin y casi me gusta más que El verdugo, La vaquilla o Bienvenido Mr Marshall. Quizás por ser más intensa que las otras. Eso me recuerda que tengo que volver a ver La escopeta nacional.
My darling Clementine de Ford. Brillante western donde un hombre, Henry Fonda, se convierte en Sheriff cuando matan a su hermano. Es la historia de Wyatt Earp, una historia que se ha contado millones de veces, aunque se desarrolla casi en sus orígenes. De forma meditada y casi espacial avanza de forma muy razonada contemplando la cotidianidad de cómo se va forjando una tensión que resultaría en la famosa matanza de OK Corral. Impresionante fotografía con una edición flipantemente dinámica. La única de Ford que me decepcionó fue Centauros del desierto y fue hace mil años, así que le daré otra oportunidad. También tengo ganas de hacerme con la edición de Ford en Columbia por Indicator.
Le silence de la mer de Melville. Apabullante “chamber drama” por su minimalista puesta en escena, casi diría que es puro ensayo. Pero es pura virtud actoral, donde un militar nazi es asignado en casa de unos franceses en época de ocupación. El residente es un poeta, un hombre mayor que vive con su hija y narra cómo su vivienda es invadida y lo violento que resulta convivir con un alemán que dice que está allí por su bien, y que se arranca a hablar sin buscar dialogo todos los días. Y siempre a la misma hora. Acojonante, pero acojonante en cuanto a terrorífica. Otro de mis nuevos favoritos, aunque entiendo que no guste a todo el mundo, por ser poco convencional e inquietante.
Lost book found de Jem Cohen. Genial retrato documentalista con ficcionada fantasía donde listas, posters, fachadas y las calles de Nueva York cobran vida para hablar de memoria, búsqueda, curiosidad, y el ritmo de las vidas de los demás. El director narra en off como encuentra una misteriosa libreta un día. Y describe como está compuesta por listas extravagantes y poeticas de cosas, desde entonces todo su mundo gira a referencias, recuerdos, rótulos, calles y gente transitando durante cinco años las calles de la ciudad. Todo le recuerda a la libreta. Es la típica cinta que exhiben en el MoMa y que muchos intelectuales empiezan a rascarse la barbilla mientras la admiran, aunque puede flaquear en densidad tiene la virtud de mistificar a modo de ensayo como se observan las cosas.
The tarnished angels de Sirk. Me ha sorprendido mucho lo cerebral, novelesca y meticulosa que es la historia, personalmente me ha parecido mucho mejor que Imitation of life. Igual siento más simpatía porque la tragedia es previsible, pero se retuerce de alguna forma en detalles ya pasados de forma ingeniosa. Un periodista busca lo fantástico de un evento de avionetas, pero no en el espectáculo en sí, sino en sus participantes. Estos son una familia que oficia en el mundillo de hacer piruetas a gran altura con avionetas. Con las preguntas del periodista sus particulares miserias y heridas saldrán a superficie. Espléndido retorcido melodrama y admirable historia.
Muy buenas películas, muchogris. De algunas de ellas, hay estupendas ediciones de A Contracorriente. Y sí. Plácido es de lo mejor no solo de Berlanga, sino de la cinematografía española de todos los tiempos.
Y desde ya digo que pocos han trabajado el dramón como Douglas Sirk. Están sacando a cuentagotas sus pelis en BD. Hablo de prensadas legales, no de fusiladas.
Si, si las menciono es porque me han calado hondo porque ultimamente he visto la tira de películas y la lista de todo lo visto sería muy larga. :P No me afecta el tema de prensados o no porque tengo casi todo importaciones. Tengo dos de Sirk de la distribuidora Eureka, bajo Masters of cinema, la ya comentada y A time to love and a time to die. También All that heaven allows de Criterion collection.
https://images-na.ssl-images-amazon....vL._SX342_.jpghttps://s3.amazonaws.com/criterion-p...yUTU_small.jpg
No las he visto aun pero estas editoras me dan confianza, una verdadera pena que no incluyan subtítulos en español... Son editoras que dan bastante confianza. Tengo ganas de ver ese documental que incluye All that heaven allows de como Fassbinder maduró su sensibilidad desde conoció las de Sirk.
Sirk es otro de esos directores al que algún día tendríamos que dedicarle una revisión, como mínimo de las películas que rodó en Hollywood, las alemanas son más difíciles de visionar. Hay textos publicados en castellano de Fassbinder en los que habla de Sirk
Plácido es, junto a El verdugo, mi película preferida de Berlanga. Por cierto, rodada en Manresa.
Qué gran pelicula
https://www.youtube.com/watch?v=_9QZ4A2edLA
The tarnished angels: ese pésimo actor, el que se parece al president de la Moncloa, otro super innombrable que detesto, él sólo se carga el filme. De Gigante ya ni hablamos. Era mal actor pero malo malo malo. Niveles Victor Mature.
Yo me he visto: Clamor de indignación (Hue and cry) que alguien ha visto hace poco, ¿quien fue?
Tiempos modernos, Que me pasa doctor, y Chained (1934 con Joan Crawford y Clark Gable). Las 4 seguidas.
Mi perrina se asustó de verme y oirme reir tanto con Que me pasa doctor.
No está acostumbrada
no estoy ya acostumbrado a reir,
pero reir hasta reventar
tanto que te hace llorar
y toser
como me hacía reir cuando vivia mi bisabuela y la veiamos porque al grabé de la tv
que triste es la (mi) vida.
No entiendo por qué Madelaine Kahn no ganó el oscar,
ni el guion, es incomprensible. No tuvo ni una nominacion
a los globos de oro solo Miss Kahn pero de actriz revelación
es vergonzoso
https://fiftieswesterns.files.wordpr...93396517_n.jpg
es super Mujeres al borde de un ataque de nervios
Yo la veo con bastante frecuencia, tiene un reparto increíble, los secundarios son de lujo, me encantan todos. Qué me dices del juez, el millonario que organiza los premios (el reo de Primera plana), el geólogo con pluma, etc. etc. Y el homenaje final al cine mudo, increíble. Una joya.
Saludos
Sí, lo único malo y que ha envejecido es el hotel con esa moqueta
colchas, pasillos, cortinas horrendas.
El geologo con pluma es genial, creo que es croata
él menciona un dicho tradicional croata
¿homenaje de Bogdanocih a sus ancestros?
al final se va hablando en no sé que idioma, puede que serbocroata.
aunque su personaje tiene nombre yanqui
San Francisco es tan pero taaaaaaan
cinematográfica
https://i.ytimg.com/vi/iHkrgm9bwDc/maxresdefault.jpg
https://1.bp.blogspot.com/-nYUNeEua8...c++Thieves.JPG
https://estaticos2.ileon.com/resourc...10x456_cdn.jpg
'Arrebato' (Iván Zulueta, 1979). Por fin he visto el Clásico de culto del cine español, merecido título. Una rareza única,desasosegante,incómoda, turbia, verla es como asomarse a un oscuro abismo. Autoexorcismo del cineasta que plasma sus paranoias y obsesiones. Llena de metáforas, lecturas e interpretaciones. Despues de verla necesitas un paseo y que te de el sol en la cara y echarte unas risas
pero hay que verla xD
Una lastima que Zulueta estuviese perjudicado por su adiccion porque aqui hay talento para mas buen cine. O quizas no tuviese nada mas que contar y fuese un one hit wonder.
6,5/10
Para mí, sin duda, Arrebato es una de las mejores películas de la historia del cine español. La he visto en multitud de ocasiones y siempre me fascina.
Filmoteca Española usó la expresión "One hit wonder" para bautizar un reciente ciclo sobre "cineastas de una sola película", pero creo que fue un error, pues se trata de un término tomado de la música pop y que se refiere a artistas o grupos a quienes, a pesar de tener una carrera más o menos prolongada, se recuerda por una única canción. Así pues, Zulueta (o el Laughton de "La noche del cazador", o el Trumbo de "Johnny cogió su fusil" o tantos otros) no podrían ser en sentido estricto "one hit wonders" pues carecen del resto de intentonas que no llegaron a ser "hits".
Pero lo cierto es que intento encontrar ejemplos de directores con una carrera mediana o prolongada de quienes se recuerda principalmente una sola película y no se me ocurren muchos. ¿Robert Mulligan con "Matar a un ruiseñor"? ¿Tobe Hooper con "La matanza de Texas"? ¿Joseph H. Lewis con "El demonio de las armas"? ¿Ermanno Olmi con "El árbol de los zuecos"? ¿Valerio Zurlini con "La chica de la maleta"? ¿Donald Cammell con "Performance"?
Olmi y Zurlini tienen muuuchooo más que las que citas. Te lo aseguro, y esta vez pongo mano en fuego.
Esta peli es lo más pretendidamente over the top ever :D Fan de la Bette Davis finlandesa y seguiré con el pack que me han dejado de T Tulio
https://www.imdb.com/name/nm0876343/?ref_=tt_ov_dr
LEVOTON VERI (1946)
https://www.imdb.com/title/tt0038688/
https://i.ibb.co/Jjf7Yjp/tumblr-pnr4...10-r2-1280.jpg
https://i.ibb.co/sVdYwPM/tumblr-pnr4...o6-r1-1280.jpg
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https://66.media.tumblr.com/15c98084...0o3_r2_500.gif
Veamos.
Robert Mulligan tiene en su haber un excelentes películas como LA NOCHE DE LOS GIGANTES (1968), VERANO DEL 42 (1971) o EL OTRO (1972).
Tobe Hooper tiene POLTERGEIST (1982) aunque la sombra de Spielberg es alargada...
Y Joseph H. Lewis tiene un puñado de excelentes títulos, especialmente los que podemos englobar dentro del cine negro (MY NAME IS JULIA ROSS (1945), SO DARK THE NIGHT (1946), RELATO CRIMINAL (1949), AGENTE ESPECIAL (1955)), aunque tampoco son despreciables sus westerns (A LAWLESS STREET (1955) y 7th CAVALRY (1956), con Randolph Scott y THE HALLIDAY BRAND (1957) y, especialmente, TERROR IN A TEXAS TOWN (1958)).
La soledad del boxeador de fondo...
Imposible conseguir ¨The boxer¨ de Sheridan. Alguien sabe de alguna plataforma donde esté, o una distribuidora de DVD
Film hermano menor de ¨En el nombre del padre¨. Biopic no oficial (más bien film muy inspirado en la vida) del boxeador Norirlandés Barry McGuigan, uno de los mejores deportistas del siglo XX. Aún así, McGuigan participó como asesor y entrenador de Daniel Day Lewis, que se sumergió en el mundo boxístico de manera comprometida, haciendo una buena performance también en el plano técnico en las escenas de combate y entrenamiento.
Un film que expresa la idea de la voluntad del individuo frente a su sociedad como pocas. En ese sentido, la veo en su individualismo una película de fuerte contenido político, otra postura, una tercera vía desde precisamente fuera de la categoria del término ¨Política¨.
La política nunca puede atacar a UNA SOLO PERSONA. Una sola persona es mayor que el ESTADO. Las ideas nunca pueden ir contra la carne.
Eso, lo aprendía el bueno de McGuigan a base de golpes dentro del ring y desde su catolicismo militante tan personal, con sus valores de compasión, perdón y entendimiento.
Se casó con una protestante. Creo el primer centro de boxeo para católicos y protestantes...Sí, es un biopic de Barry McGuigan.
Unió a un país...Sólo necesitó su sonrisa debajo de aquel bigotillo, sus puños en el ring y Las notas del ¨Danny boy¨.
https://www.youtube.com/watch?v=WPmSCRqxWl8
Hace mucho que no comento aquí, como tengo un montón de reseñas hechas intentaré no aburrir demasiado ahorrándoos las basuras y yendo directamente a las películas que merezcan algo la pena, por un motivo u otro:
https://m.media-amazon.com/images/M/...0Ng@@._V1_.jpg
Siempre estoy sola (1964) de Jack Clayton
Algo ensombrecida por la mayor fama de ese otro drama íntimo y social del director llamado "Un lugar en la cumbre" pero, para mi gusto, nada inferior. Una mujer (realmente impresionante Anne Bancroft; y como la Simone Signoret de ULELC: nominaciones e incluso premios BAFTA y OSCAR) con un eterno fondo de triste vacío quiere llenarlo con hijos y diversos (fracasados) matrimonios, el último con una infidelidad por parte de él que está a punto de llevarla al precipicio, aunque el agridulce regusto favorito del director según propia confesión se impone. Como suele suceder, los expresivos rostros de los actores encuadrados en perfecta fotografía (aquí b&n de Oswald -Lolita, Moby Dick, La huella, Cristal Oscuro- Morris) le hacen media película al director, apoyado en sólidos secundarios y solidisimo guión, y que filma con esa mezcla de clasicismo formal meets New Wave. Estupenda película, aunque el Clayton éste, de pensamiento y perfeccionismo "Kubrickiano" decía que no le gustaba (o convencía al completo) ninguna de sus peliculas, sólo escenas sueltas de ellas.
https://i.ytimg.com/vi/b6q6_gn2AsU/hqdefault.jpg
Matango (1963) de Ishiro Honda
Deliciosa película fantástica japonesa obra del inaugurador de la muy longeva saga cinematográfica de Godzilla. Para empezar la sorpresa es ver que se trata de una adaptación de un par de los relatos de terror marítimos de William Hope Hodgson: El Navío Abandonado (aquí tenemos también un barco encallado cubierto de una verdosa y amarillenta costra vegetal siniestra) y Una voz en la noche (náufragos que llegan a una isla poblada de extraños hongos, que comerán enloqueciendo por ello y acabar transformándose en hombres y mujeres-seta; aunque aquí son siete personas y no la pareja del relato). Y si en el último relato , la narracion empieza con uno de los dos personajes que se lo cuenta todo desde una canoa a otro que lo viene a rescatar, la pelicula empieza con un hombre comenzando su narración en un hospital tras su rescate. Final "sorpresa" y evidente aliño nipon a las historias de Hodgson (por ej. sobrevuela, claro, el tema Hiroshima y Nagasaki) para una peli bien llevada, colorista, atmosférica cuando debe, de significados oscuros pese a su aparente ligereza y, con unos maquillajes y monstruos decididamente simpáticos y eficaces.
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The Hill (1965) de Sidney Lumet
Sorprendente (ni la conocía hasta ahora) y sobrecogedora historia de un campo Británico de prisioneros en el desierto Libio (en realidad rodada en Almería y Málaga) y que lleva hasta el extremo físico y psicológico de crueldad y disciplina de lo permisivo en aquella época. Áspera y contundentemente filmada por Lumet y con un impresionante elenco: Roy Kinnear, Ian Bannen, un Sean Connery encantado de que los Bond le permitiesen hacer este film (que es de sus favoritos) o un sádico Harry Andrews. Foto impactante en b&n de Oswald Morris, al que casualmente citaba antes, planos nerviosos y sol hiriente para una peli que si no magistral poco le falta.
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LA MAIN DU DIABLE (1943) de Maurice Tourneur
Curioso film fantástico francés obra del padre de Jacques Tourneur, de cuando su hijo precisamente se hacía un nombre en USA con películas del mismo género. La historia es típica de venta de alma al Diablo, aquí con un talismán (una mano) que concede deseos, explicado en flashback por el protagonista a los residentes en un hotel alpino al que llega. A una primera mitad que le falta un herbor EMHO la cosa entonces satánicamente mejora, aunque tiene sus apuntes simpáticos toda ella -como los créditos iniciales-, giros, una buena ambientación y tonos expresionistas, adecuado final y un puñado de imagenes inquietantes y escenas potentes (la reunión de los tipos sentados con máscaras por ej.). Aunque no creo que se pueda comparar a CAT PEOPLE o I WALKED WITH A ZOMBIE, resulta una rareza digna de los buscadores de tales productos escurridizos
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Ventajas de viajar en tren (2019) de Aritz Moreno
Acercamiento humorístico al eterno tema de la locura, con muchos giros y apuntes malévolos incluso incómodos ( lo de los niños..) y relatos dentro de relatos (verdaderos o falsos) en su magníficagmente absurdo primer acto ayudado por un buen elenco actoral, especialmente Ernesto Alterio; después del (también genial e incómodo) episodio de los perros, la película baja un tanto el tono y se acerca a lo convencional y previsible hasta el final, pero siempre con sus momentos ingeniosos. En conjunto, buena peli.
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La guerra de las corrientes (2019) de Alfonso Gomez-Rejón
Notable ilustración de la "guerra lumínica" que a finales del S.XIX se desató entre Thomas Edison y George Westinghouse por marcar la patente de la energía eléctrica, saldado con la aparente victoria del segundo pero llevándose realmente la fama el primero. Por ahí aparecen también Tesla y un ayudante de Edison interpretado por el nuevo Spidey que se defiende entre estupendos actores (Benedict Cumberbatch, Michael Shannon). Se podría señalar que el film no pretende posicionarse a favor o contra de nadie aunque es Rejón (y eso que no me gustaron sus delirios en The Town that Dreaded Sundown) quien aplicando una puesta en escena dinámica la que también ahuyenta el temido biopic frío y estático que uno podría esperarse. Bastante bien.
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GOSPODIN OFORMITEL / MISTER DESIGNER (1987) de Oleg Teptsov
En mi búsqueda de joyas ocultas en almacenes olvidados del fantastique de Europe del Este, he encontrado en los últimos meses cosas curiosas, pero sin duda la que más me gustado es esta singular película rusa que a partir de la mitad de metraje y hasta el final se convierte en extraordinaria perla de atmósfera lúgubre. No es una de esas cosas de trama ininteligible llena de raras alegorías, por fortuna y ahorraros el susto jeje; lo que cuenta, pese a su ritmo lánguido, escenas surreales “sin sentido” y complejidad emocional, es bastante sencillo (en realidad nada original pero subyugante de ver para mi pobre gusto) como un VÉRTIGO de autómatas con aroma a los relatos “no ferroviarios” de Stefan Grabinski, básicamente: un artista cree que puede tener el poder de dotar de vida a los maniquíes que confecciona, cuando le demandan uno para el escaparate de una tienda su modelo es una joven moribunda con la que se obsesiona … pasados años encuentra a otra mujer calcada a aquella muerta y se debate entre creer que es ella misma que realmente no murió, su “fantasma” reencarnado o el maniquí que cobró vida. Deliciosa ambientación de década (1908 – 1914) con buenas fotografía y música, numerosos insertos en imagen de las obras y dibujos del artista, actores convincentes (tanto el alienado artista como la misteriosa mujer), una escena de “persecución” casi slasher con una monja, y un climax final trágico demente, al que añaden unas inquietantes imágenes epílogo.
Por otra parte he visto las cuatro adaptaciones más famosas al cine de la célebre (en su momento) novela La Atlantida (1919) de Pierre Benoit, historia fantasy-adventure sobre un par de exploradores legionarios franceses que se internan a través de unas cuevas en Marruecos para descubrir un desconocido mundo gobernado por Antinea, reina descendiente de los antiguos Atlantes y que gusta de coleccionar amantes para su masculino harén y a los que acaba matando. Como se ve el planteamiento tiene un indisimulado parecido con la extraordinaria novela Ella (1887) de Henry Rider Haggard y, de hecho, Benoit fue acusado de plagio, aunque aseguró hasta el final que no había leído la otra. Si la de Haggard conoció una versión fílmica en los años 30 (muy agradable), las de La Hammer y hasta una de 1984 de Avi Nesher (una especie de loco -ver para creer- Mad Max con apenas un par de apuntes de Haggard); la de Benoit tuvo estas cuatro, un par más posteriores y algunos sucedáneos (como La legión del desierto (1953)). Pero AL GRANO
L'ATLANTIDE (1921) de Jacques Feyder / L'ATLANTIDE (1932) de G.W.Pabst / SIREN OF ATLANTIS (1949) de Gregg Tallas / JOURNEY BENEATH THE DESERT (1961) de Edgar G.Ulmer
https://lh3.googleusercontent.com/pr...GcIIfyADSJIiEA
(1921)
Sin duda se puede decir que las dos primeras son las "artísticas" mientras las otras van cayendo previsiblemente en un tipo de espectáculo aventurero más convencional, comercial y rebajado de elementos incómodos. No hace falta decir que las dos primeras son europeas (franco-belga y franco-germana respectivamente) la tercera es Hollywood y la cuarta vuelve a ser europea, italo-francesa, pero ya en la clave exploit de la época, con mucho colorido e interés por mostrar suntuosos decorados (pero B...) y vestuarios, con docenas de soldados, bailes y demás parafernalia, pero con la historia ya convertida en blando run-of-the-mill, equivalente a La Diosa del Fuego Hammeriana.
https://mxcity.mx/wp-content/uploads...helm-Pabst.jpg
(1932)
La versión (muda, claro) de Feyder es muy sensorial y dura nada menos que 160 minutos y hasta la mitad exacta del metraje -con mucho de buscar claves aqui y alli por el sofocantemente cálido desierto bien capturado por la fotografia- no vemos a Antinea, interpretada por Stacia Napierkowska como si fuera una gata en celo, con un casco con cuernos, y produciéndose un cuarteto amoroso entre ella, una de sus sirvientas y los dos visitantes que incluso no excluye el carácter homosexual. La película de Pabst tiene un tono "autoral" más marcado (no he visto ninguna más suya, pero sé de su fama: he leído que "Carbón(1931)" es una cosa impresionante y moderna cinematográfica mente que asusta) y ascético, no sólo por la duración, también por una frialdad expositiva que alcanza a la Antinea de Brigitte Helm (si, la Maria de Metrópolis) pese y gracias a ello, la más fascinante de todas: una Antinea perfecta (y también lo hubiera sido una Ayesha de Haggard) e hipnótica, aún así creo que desaprovechada (más tiempo necesitaba). A destacar la partida de ajedrez el visitante tocándose la garganta. Se podría resumir que en realidad son dos visiones de La Reina teoricamente muy atractivas (la carnal y la enigmática) quizá la de Feyder como película es más interesante cuando no sale ella (pero su excesiva duración hace pasajes algo cansinos) mientras que con Pabst creo que baja mucho cuando no está Helm en pantalla aunque el director muestre curiosas ideas de puesta en escena intermitentemente y, en este caso, la duración (sólo 90 minutos) también ayuda. Vamos, algo de cal y de arena para ambas. Un adecuado remix de lo mejor de las dos sería explosivo.
https://m.media-amazon.com/images/M/...2OTA@._V1_.jpg
(1949)
No sé puede decir lo mismo de la versión de Tallas, no muy mala pero su condición mucho menos arriesgada y, sobre todo, una Maria Montez como Antinea muy plana y ni exuberante ni misteriosa. Con todo la película se deja ver si te la tomas más como melodrama (lo más curioso es en los otros films la Reina se deja acompañar por un guepardo, aquí a la Montez la sigue una pantera negra). La italiana de extrañamente un tipo como Ulmer (autor de clásicos americanos como "Satanás", terror Universal; o los noir "Barbazul" y "Detour") es un exceso pulp casi pop 60s, divertido de ver a ratos, pero superficial y ya cada vez más lejos de la historia de las anteriores para meter incluso armas nucleares con importancia clave al final.
https://cdn2.bigcommerce.com/n-d57o0...0.1280.jpg?c=2
(1961)
Quizá estoy más acostumbrado a la heterodoxia genérica de Ella (aventura, fantasia incluso terror) y para mi gusto más compleja y llena de detalles y atractivas subtramas (sobrenaturales, reencarnaciones, canibalismo, antiguos restos de civilización con ecos de pavor cósmico) ; aunque reconozco que por la Atlantida solo hablo de las películas (no he leído a Benoit y, es verdad, las películas de Ella adelgazan mucho la trama: conceptual y psicologicamente) que eso sí, tienen sus cosas fascinantes: los amantes asesinados son convertidos en estatuas de oro. Pero recomiendo ver la muda (con paciencia), la de Pabst (sonora aunque casi muda también), la de Montez tiene un ligero pase. La italiana para completistas, aunque puede ser más entretenida de ver que la americana
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LA LEGIÓN DEL DESIERTO (1953) de Joseph Pevney, tiene a Alan Ladd persiguiendo a unos forajidos para descubrir entre las montañas de Argelia una ciudad de la que se habla en el "exterior" como algo mítico, entre un vergel de vegetación y arbolado (nada como las anteriores) donde se enamora de la Princesa, que en esta ocasión no es mala ni siquiera ambivalente, es la Buena, con la que Ladd intentará evitar algo así como un golpe de Estado contra su padre, que es el que aquí gobierna la región. Poca cosa, para pasar una tarde.
Algunas más que me dejaba olvidadas:
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LA HISTORIA DE TEMPLE DRAKE (1933) de Stephen Roberts
Excelente drama psicológico en marco noir, que supone otro sorprendente ejemplo de producto Pre-Code, pues esta adaptación de un novela de William Faulkner nos acerca a, claro, la historia de Temple Drake (soberbia Miriam Hopkins) que tras un episodio de peli de terror y ser secuestrada en una granja por unos tipos raros (vagos ecos pre Texas Chainsaw), testigo de asesinato y violada en un granero (el acto no se ve, funden a negro cuando él -intimidante y estupendo Jack La Rue, de pintas clásico gangster noir malvado- se le acerca, aunque una previa imagen de un gallo con gallinas ... en fin, eso), tras el tortuoso desarrollo, ella acaba testificando todo lo que pasó, aún pese al escarnio social y vergüenza que pueda provocarle. Magnífico juego de luces y sombras y angulaciones de cámara en su primera parte, cámara que adora a la Hopkins y los múltiples gestos y detalles de su interpretación. La historia se mueve de forma un tanto ambigua (la novela al parecer es más extrema aún, calificada de muy misogina) y sorprendente para la época, y supongo que sería polémica incluso ahora (de hecho el incluso puede que sobre en estos tiempos). La novela conoció una nueva adaptación esta vez conservando su titulo (Sanctuary) del año 1961 dirigida por Tony Richardson y con Lee Remick de protagonista (¿alguien la ha visto?)
https://cdn11.bigcommerce.com/s-h5jy...571882.png?c=2
EL VENGADOR SIN PIEDAD (1958) de Henry King
Notable historia de venganza western, quizá con todos los tópicos pero con apuntes crueles para la época y resuelta con buen gusto por uno de esos directores clásicos que parecen tener un buen nombre cuando está sobre la mesa hablar de alguna de sus pelis, pero raramente figuran cuando se trata de resaltar nombres concretos de realizadores a recordar. Aquí resuelve con fina puesta en escena, colorido delicioso, y ayudado por uno de esos actores que caen bien a todos (Gregory Peck) resolviendo bien su agresivo papel que lleva a un curiosísimo climax final de angustia moral: eso sí, el consejo de un pastor de almas y el aplauso público siempre lo alivian...
https://cineblog.net/wp-content/uplo...of-another.jpg
EL ROSTRO AJENO (1966) de Hiroshi Teshigahara
Excelente film fantástico japonés del director de la estupenda La mujer de la arena (1964), tan extraño y reflexivo como aquella, aunque más lineal y menos abstracto. Historia de un tipo desfigurado por un accidente que al ponerse una extraña máscara ideada por un cientifico, empieza a cambiar de personalidad, ello contrapuesto a una subtrama de una chica que al contrario del anterior sin embargo sí acepta su malformación (con ella se habla de una consecuencia atómica); esto sirve al director para intentar una reflexión sobre la personalidad y como nos vemos a nosotros y nos ven los demás, muy bien rodada y con extraños planos: los rayo X, esas imágenes de los "brazos" cortados al principio etc, escenas inquietantes (ESA entre la multirud casi al final) y una obra ciertamente deudora de la francesa Ojos sin Rostro, aunque en cierto modo también me parece que comparte mucho con ese extraño Frankenheimer de Plan Diabólico.
No, no he visto ninguna versión de Santuario. ¿Sale la violación con la mazorca de maíz en alguna versión?
Creí que habías confundido a los dos Torneur en uno como hacen todos. Pero no... bien.
Lo mejor de la novela es cuando dos paletos se hospedan en un burdel pensando que es jun hotel... extraño. De lo más cómico que he leído. Faulker no es mi taza de té.
La mano del diablo para mi es una obra maestra, hecha por la productora de los nazis.
Me apunto la de Clayton.
https://c8.alamy.com/compes/pj4pd8/t...ado-pj4pd8.jpg
Comenté hace un tiempo en este hilo Carbón (Kameradschaft), junto a otro título de Pabst, en este post. En general, todo lo que he visto de Pabst me ha parecido excelente, un director a reivindicar sin duda. Hay bastantes títulos publicados en DVD. Si quieres comparar comentarios, aquí hablé de L'Atlantide de Feyder.
EL WESTERN MUDO / PARTE II:
THE IRON HORSE (1924, EL CABALLO DE HIERRO)
https://i.pinimg.com/564x/2a/c4/0e/2...d2410bfad3.jpg
Director: John Ford.
Producción y distribución: Fox Film Corp.
Productor: John Ford.
Guión: Charles Kenyon, basado en una historia de Charles Kenyon y John Russell.
Fotografía: George Schneiderman (1.33:1).
Música: Erno Rapee (original) / Christopher Caliendo (2007).
Montaje: Hettie Grey Baker.
Reparto: George O’Brien (Dave Brandon), Madge Bellamy (Miriam Marsh), Charles Edward Bull (Lincoln), Cyril Chadwick (Jesson), Will Walling (Thomas Marsh), Francis Powers (El sargento Slattery), J. Farrell MacDonald (El cabo Casey), Jim Welch (El soldado Schultz), George Waggner (Buffalo Bill), Fred Kohler (Deroux), James Marcus (El juez Haller), Gladys Hulette (Ruby).
Duración: 2 h 29 m 41 s. (Copia en DVD editada por la británica Eureka! dentro de su colección The Masters of Cinema Series n.º 112 en 2011).
Rodaje: del 1 de enero al 24 de marzo de 1924.
Estreno: 4 de octubre de 1925, con preestreno el 28 de agosto de 1924 en Nueva York.
El extraordinario éxito económico que supuso LA CARAVANA DE OREGÓN (1923) de la Famous Players-Lasky Corp. (luego Paramount Pictures Corp.) sirvió de pistoletazo de salida para que otras compañías se volcaran en un género que hasta entonces había sido considerado como carente de cualquier interés salvo el mero escapismo.
Y la primera productora que recogió el testigo fue la Fox Film Corp. a través de un director que ya llevaba varios años trabajando para la misma (en concreto desde 1920) y que atendía al nombre de…
… John Ford.
John Ford (1894-1973), el maestro de maestros, había iniciado su carrera dirigiendo westerns (31 entre 1917 y 1919, la mayor parte (22) protagonizados por Harry Carey (1878-1947) y casi todos ellos desaparecidos o incompletos).
- Afortunadamente su primer largometraje, STRAIGHT SHOOTING (1917), no sólo se conserva en su integridad sino que podemos disfrutar de él en la magnífica edición en BD de EL JOVEN LINCOLN (1939) editada en nuestro país por La Aventura en 2016. -
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Curiosamente y aunque hoy en día Ford está considerado – con toda justicia – como el más grande director de westerns de la Historia del Cine únicamente volvería a rodar otro en 1926 (TRES HOMBRES MALOS) hasta su apoteósico regreso al mismo en 1939 con LA DILIGENCIA…
Y si LA CARAVANA DE OREGÓN recaudó 3.500.000 de dólares, lo que la convirtió en uno de los mayores éxitos de taquilla del cine mudo, EL CABALLO DE HIERRO lograría alcanzar los 2.000.000.
- Claro que si hablamos en términos de rentabilidad la segunda superó a la primera dado que “únicamente” costó 280.000 dólares frente a los 780.000 (¡!) de su rival. -
Hablemos ahora un poco de la película…
EL CABALLO DE HIERRO, al igual que LA CARAVANA DE OREGÓN, fueron dos epopeyas destinadas a ensalzar el espíritu de los pioneros y de todos aquellos que contribuyeron a la expansión del país hacia el Oeste y a forjar la gran nación que son hoy en día los EUA, eso sí, a expensas de exterminar las culturas aborígenes que vivían allí desde hacía miles de años...
Al contrario que en el caso de LA CARAVANA DE OREGÓN aquí se partió de una historia original – lo que permitió la inclusión un tanto arbitraria de varias personalidades capitales en la historia del país, empezando por el mismísimo Abraham Lincoln – y en la cual se narra la construcción del primer tren transcontinental que permitiría unir el “civilizado” este con el “salvaje” Oeste.
La película está dedicada a la memoria del decimosexto presidente de los EUA, Abraham Lincoln (1809-1865), el principal motor de la empresa y cuya efigie aparecerá al principio y al final de la película.
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- Recordemos que Lincoln fue una figura esencial en la obra de Ford, al que le dedicó una de sus grandes obras maestras, la mencionada EL JOVEN LINCOLN (1939), con una prodigiosa composición de Henry Fonda que ciertamente debería haber sido al menos nominado a los premios de la Academia de 1940. -
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La historia comienza en Springfield, Illinois, donde los sueños de David Brandon (James Gordon) de participar en la construcción de un ferrocarril que cruce el país de este a oeste sirven de lisonja a su vecino, Thomas Marsh (Will Walling), un pequeño contratista.
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Mientras, sus respectivos hijos, Dave (Winston Miller (luego George O’Brien), curiosamente futuro guionista para Ford en la magistral PASIÓN DE LOS FUERTES (1946)) y Miriam (Peggy Cartwright (luego Madge Bellamy, la cual se convertiría en un quebradero de cabeza para el director cuando a instancias del jefe de producción de la Fox, Sol M. Wurtzel, se rodaron escenas adicionales a cargo de otro director para dar mayor realce a la actriz de la cual se había enamorado)), mantienen una relación de amistad que en la que empieza a asomar tímidamente el amor.
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De testigo de excepción tenemos a alguien que pronto se hará muy famoso…
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… un tal Abe (Charles Edward Bull).
Brandon y su hijo de dirigirán hacia el Oeste en pos de su sueño.
Pero no todos ven con buenos ojos la iniciativa. Los indios parecen intuir el fin de su dominio sobre las grandes praderas…
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- Y tal vez por primera vez vemos a la caballería hacer acto de presencia en una película de John Ford.
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Recordemos su magistral trilogía compuesta por FORT APACHE (1948), LA LEGIÓN INVENCIBLE (1949) y RÍO GRANDE (1950), a la que podríamos añadir perfectamente la espléndida MISIÓN DE AUDACES (1959). -
Después de varios meses de marcha, los Brandon acampan en las Cheyenne Hills en donde el padre encontrará un paso a través de la montañas que serviría para acortar grandemente el trayecto del futuro ferrocarril con el que sueña día y noche.
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Sin embargo, esa noche son atacados por una partida de indios a cuyo mando se encuentra un blanco…
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El aciago encuentro se saldará con la muerte de Brandon a manos del renegado quien no dudará incluso en cortarle la cabellera (una escena similar la veíamos en LA CARAVANA DE OREGÓN, lo cual no deja de ser curioso, dado que en ambas son blancos y no pieles rojas quienes la llevan a cabo).
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El joven Davy salva la vida al caer desmayado al ver la suerte de su querido padre.
Más tarde y en una escena ya claramente fordiana en la que el muchacho se acuesta y se abraza a la tumba de su padre será recogido por un grupo de cazadores de pieles.
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Pero Davy nunca olvidará el rostro del hombre que asesinó (y mutiló) a su padre.
Un hombre al que le faltaban dos dedos en su mano derecha…
Con el paso de los años los sueños parecen por fin convertirse en realidad.
Estamos en 1862 (y, por tanto, en medio de la Guerra de Secesión (1861-1865)) y el Congreso ha autorizado la construcción simultánea de dos líneas ferroviarias: la Union Pacific que cubriría el trayecto hacia el oeste desde Omaha, Nebraska y la Central Pacific que haría lo propio hacia el este desde Sacramento, California.
Y de nuevo la figura alta y desgarbada de Lincoln como garante de tan ambiciosa empresa.
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Y en la Casablanca Lincoln volverá a encontrarse con la bella Miriam que no sólo parece haberse olvidado de su primer amor, el joven Davy, sino que está prometida con el ambicioso Jesson (Cyril Chadwick), que trabaja como ingeniero para su padre. Una relación que no parece agradar al presidente quien parece recriminar a la joven sus olvidados sueños de infancia.
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La película tiene tres líneas de acción básicas centradas en los trabajos de la Union Pacific y de la Central Pacific así como el traslado de ganado desde Texas (algo que Howard Hawks trataría de forma ejemplar en la obra maestra RÍO ROJO (1948)) para alimentar a los miles de trabajadores empleados en la construcción del ferrocarril.
Sin embargo, la narración se circunscribirá básicamente a la primera donde trabaja el ahora crecido Dave y tan sólo en el último tramo tendrá más importancia la Central Pacific donde acabará finalmente nuestro protagonista en su vano intento de poner distancia de por medio con su enamorada.
Una C. P. que se nutrió básicamente de miles de trabajadores chinos a los que explotaba en régimen de semiesclavitud algo que sólo intuímos en la película.
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Al igual que se nos mostraba en LA CARAVANA DE OREGÓN, Ford reflejará a la perfección el descomunal trabajo que supone no sólo superar los obstáculos naturales del camino y las inclemencias del tiempo sino también el ataque de los indios de las praderas que veían peligrar sus ancestrales territorios de caza.
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- Aunque al parecer los indios fueron la menor de las preocupaciones a los que tuvieron que enfrentarse las dos compañías la película por mor de aumentar la emoción y la espectacularidad de la narración recurrirá a ellos frecuentemente. -
El rodaje en exteriores fue tan duro casi como la empresa original que se narra en la película, algo que debió de complacer enormemente al director puesto que siempre se sintió más a gusto trabajando lejos de los estudios de Hollywood.
Después de la finalización de la guerra, ex-combatientes del norte y del sur trabajarán codo con codo en el ramal que le ha sido confiado a la Union Pacific.
Y allí conoceremos al sargento Slattery (Francis Powers), al cabo Casey (J. Farrell MacDonald) y a los soldados Schultz (Jim Welch) y Dinny (John O’Brien) que son un claro embrión de ese grupo de simpáticos borrachines y pendencieros que pueblan alguno de los mejores títulos del maestro (léase FORT APACHE en adelante).
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Mientras esperan la llegada de la gran manada de Texas los hombres son suplidos de carne por cazadores como…
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… Buffalo Bill (el luego productor y director George Waggner (EL HOMBRE LOBO (1941)), quien ayudaría sobremanera a menguar notablemente las ya cada vez más escasas manadas de bisontes que antes cubrían las praderas de sol a sombra.
Una escena, la de la caza de los bisontes, todavía más espectacular que la que podíamos disfrutar en LA CARAVANA DE OREGÓN.
- Lo que si vamos viendo poco a poco es como a diferencia de la obra de Cruze, Ford desarrolla mucho más los personajes, los llena de vida y hace de ellos seres más reales, sin olvidar en ningún momento la grandiosidad del paisaje y la enormidad de la tarea que nuestros protagonistas tienen encomendada. -
Los indios, dirigidos por el asesino del padre de Dave, siguen empeñados en intentar detener los trabajos.
Ford ya empieza a usar aquí su extraordinario sentido plástico como en la escena del ataque donde vemos la sombra de los indios en el vagón asaltado.
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Otra bella escena – mil veces imitada – es la de la muerte del hermano de uno de los trabajadores cuando está subido a un poste de telégrafo intentando avisar al ejército del ataque de los indios.
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Otra escena típicamente fordiana: el entierro de los soldados muertos en la escaramuza.
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La aparición del misterioso Deroux (Fred Kohler, el villano de la función) nos servirá para empezar a atar cabos en la intrincada madeja de intereses en la que se ha convertido la cada vez más difícil empresa de la Union Pacific que necesita encontrar un paso que le permita acortar notablemente los trabajos.
Deroux es el terrateniente más rico en el territorio cheyenne y lógicamente no ve con buenos ojos la llegada del ferrocarril a sus tierras.
Y un Deroux que siempre lleva su mano derecha en el bolsillo de su pantalón…
Un Deroux que encontrará en Jesson, el prometido de Miriam, la persona idónea para dar al traste con los planes del padre de la joven y de la Union Pacific.
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Y mientras, los hombres se niegan a trabajar no sólo por las duras condiciones a las que se enfrentan sino porque la comida comienza a escasear y ni siquiera reciben la paga que se les adeuda.
Curiosamente será Miriam quien convenza a los duros trabajadores para que sigan en la empresa siquiera una semana más.
A continuación conoceremos a otro personaje típicamente fordiano, el ¿juez? Haller (James Marcus) quien aplica la ley (a su modo, recordemos que estamos hablando de John Ford…) en el típico saloon del Oeste y que al igual que los demás moradores de estas ciudades rodantes se desplaza a medida que avanzan los trabajos de construcción.
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En una de esas escenas desopilantes que asociamos al mejor Ford el juez falla a favor de una de las chicas del saloon, la favorita de Deroux, Ruby (Gladys Hulette), cuando ésta descerraja un tiro a un jugador que se ha negado a aceptar sus favores. Lo más divertido es que son la propia acusada y el juez los que dirimen la condena leyendo al alimón el sobado libro de leyes que siempre lleva encima (incluso sirviendo la barra) el peculiar ¿juez?. Y la víctima se convertirá en acusado al ser condenado por… intento de suicidio. En verdad, un Ford al 100%.
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Ruby recibirá la misión de engatusar a Jesson para evitar que la U. P. encuentre al famoso paso cuyo secreto se llevó el padre de Dave a la tumba.
Lógicamente el ambicioso (y lúbrico) Jesson caerá fácilmente en las redes de Ruby.
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Pero todavía nos falta nuestro héroe, el protagonista de la historia. Dave Brandon, Jr., encarnado por el galán George O’Brien (también protagonista del siguiente western de Ford, la citada TRES HOMBRES MALOS, además de otros títulos de su director (sería por ejemplo el capitán Collingwood en FORT APACHE) y que tres años después encabezaría el reparto junto a la maravillosa Janet Gaynor de la gran obra maestra del cine mudo AMANECER (1927) de F. W. Murnau).
Un Brandon que trabaja para el Pony Express llevando la correspondencia. Su reentrada en el relato será espectacular, huyendo de los indios y subiendo en marcha al tren en el que se encuentra el cabo Casey – por supuesto, irlandés – que pronto se convertirá (al igual que sus compañeros ex-militares) en el mejor amigo del apuesto joven.
Lo que supondrá además el reencuentro con su antiguo amor, Miriam, aunque pronto sabrá que se encuentra prometida al pérfido Jesson.
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Y también conocerá a Deroux cuyo rostro le suena familiar…
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Dave contará al señor Marsh que efectivamente existe un paso que permitiría acortar en cientos de millas el trayecto y se compromete a buscarlo en compañía de Jesson. Un Jesson que ya ha sido comprado por Deroux y que tiene la misión de que nuestro protagonista no vuelva con vida de su empresa.
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Tendré que acelerar si no quiero que mi relato alcance las proporciones de la empresa que estoy comentando.
Ford seguirá introduciendo elementos de comedia en medio del drama (algo que potenciaría notablemente en sus títulos postreros) como la divertida boda entre un par de carcamales que es un visto y no visto o la estupenda escena donde el dentista (y barbero) pretende sacarle una muela al bueno del cabo Casey y que podría incluirse en cualquier antología del cine cómico mudo.
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Pese al intento de Jesson Dave ha sobrevivido a la caída y además cree ingenuamente que todo ha sido un accidente.
Sin embargo a su regreso se encontrará con que Jesson ha afirmado que no existe el tan ansiado paso.
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En otra escena típicamente fordiana – y van… - los amigos de Dave se encuentran con el general Dodge (Walters Rodgers) con el que sirvieron durante la guerra y a los que éste saluda alborozado. Y homérico el gag del tabaco de mascar.
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Los matones de Deroux intentarán acabar con la vida de Dave pero éste se verá ayudado por sus cuatro mosqueteros que siempre le cubren las espaldas.
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Dave ha prometido a Miriam, una vez que ésta le ha confesado que él es su verdadero amor, que no peleará con Jesson e incluso que acudirá a su cita con él desarmado.
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Por supuesto, la pelea con Jesson será inevitable y Miriam malinterpretará la misma al crear que ha sido Dave el que la ha provocado.
Ford usará de nuevo la idea de las sombras en la escena de la pelea.
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Deroux intentará convencer a los cheyennes de que combatan contra los blancos y así evitar el avance del ferrocarril.
- No deja de ser curioso que los cheyennes se convertirán en los protagonistas del último western de su director, EL GRAN COMBATE (1964), y su penúltima película. -
Otra bella imagen, el reflejo de los jinetes indios en el río. Y lo que casi parece el Monument Valley…
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O la del cruce del río de las miles de cabezas de ganado, esa comida tan ansiada por los trabajadores.
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Afortunadamente el ataque al pequeño tren en el que viajan nuestros protagonistas se verá acompasado con la llegada del ganado prometido lo que hará que todos, trabajadores, empleados, soldados e incluso los habitantes del pueblo se alíen para combatir contra los indios. Y donde morirá la valiente Ruby, otro de esos personajes fordianos reciclados después por ejemplo en la Dallas de LA DILIGENCIA. Y también el sargento Slattery...
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Finalmente seremos testigos del enfrentamiento final entre Deroux y Dave una vez que éste último ha averiguado que es el hombre sin dos dedos que mató a su padre.
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Muerto Deroux y despreciado por Miriam, Dave y su mejor amigo Casey, deciden unirse a la otra compañía que trabaja en el proyecto del tren transcontinental, la Central Pacific.
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Finalmente, el 10 de mayo de 1869, en Promontory Point, Utah, convergerán las dos líneas (1.086 millas al oeste de Omaha y 690 al este de Sacramento).
El recuentro de los viejos amigos (Dave y Casey y Schultz y Dinny) y la reconciliación entre el protagonista y Miriam, los cuales buscarán su particular lugar bajo el sol aun a costa de no aparecer una fotografía histórica cerrarán con un broche de oro esta bella película.
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- Fotografía real del acontecimiento -
Pero no antes de que Casey le recrimine a Dinny el haber usado una botella de buen whisky irlandés al golpearla contra la máquina para celebrar el acontecimiento.
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Si es que a este John Ford ya se le veía venir desde lejos.
Una hermosa película que nos muestra ya el talento del más grande director norteamericano y del que pronto espero comentar su siguiente western, el ya mencionado TRES HOMBRES MALOS, de nuevo con George O'Brien como protagonista.
Pero ésa es otra historia y debe ser contada en otra ocasión.
Feliz tarde y mejor noche.
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