Tema: Las últimas pelis que has visto en casa

Cuatro películas adscribibles al género de terror en sus diferentes variantes:

“Espíritus y posesiones malignas”: Sobrenatural, de Victor Halperin, con Carole Lombard, Alan Dinehart, Vivienne Osborne y un sosísimo Randolph Scott. Justo después de su obra maestra, White Zombie, Halperin dirigió este film fantástico sobre la transmigración de las almas, el espiritismo y la posesión más o menos diabólica. En este caso la víctima es Carole Lombard, alejada de sus habituales papeles de comedia sofisticada. Aquí se transforma con brillantez en una asesina con impulsos irrefrenables de venganza debido a la posesión de su cuerpo por parte de una estranguladora recién ajusticiada. El argumento no tiene ni pies ni cabeza y el pulso narrativo de Halperin es entrecortado y poco ajustado, pero consigue algunos momentos atractivos por su extrañeza, especialmente en el capítulo visual, sin llegar, no obstante, a la excelencia de su película sobre zombis (mérito atribuible quizá en buena medida al director de fotografía, Arthur Martinelli, que también estuvo tras la cámara en su film anterior).

“Asesinos más o menos en serie”: Seis mujeres para el asesino, de Mario Bava, con Cameron Mitchell, Eva Bartok, Thomas Reiner y Mary Arden. Del reparto ya se deduce que estamos ante la típica producción internacional de la época, mezclando actores de diferentes nacionalidades y lenguas (lo cual me lleva a preguntar: ¿cuál sería la versión “original”, la inglesa o la italiana, si es que esa pregunta tiene sentido en este caso?). Se apunta a este film como el que inaugura el género del giallo en Italia. No conozco demasiado el género ni me entusiasma lo poco que he visto, pero tengo que decir que esta película me ha parecido espléndida, en especial por su fotografía, iluminación (esos verdes, azules y rojos que dotan de una atmósfera malsana al film) y dirección artística. Incluso en este caso la narración me parece sólida y sin las típicas lagunas o sinsentidos de este género de films. Muy recomendable.

“Monstruos”: Rasputín (Rasputin: The Mad Monk), de Don Sharp, con Christopher Lee, Barbara Shelley y Richard Pasco. El enfoque que se da al personaje de Rasputín es completamente ahistórico. No hay el más mínimo interés por retratar la convulsa época del final del imperio zarista en Rusia, sino más bien añadir a la galería de monstruos uno más, en este caso no un mad doctor sino, como dice el título original, un mad monk. Y en ese sentido, a mi modo de ver, el film cumple, en especial gracias a la histriónica interpretación de Lee y a la ambientación típica de la Hammer. Lástima que el director fuera el mediocre Don Sharp y no Terence Fisher, aunque se aprovecharon varios decorados de la fisheriana Drácula, príncipe de las tinieblas (con la que comparte también director de fotografía, Michael Reed). Impresiona la gigantesca figura de Lee, con la larga barba y el atuendo oscuro. En algunos momentos recuerda a Svengali, tanto al de la novela de Du Maurier como al de la película de Mayo, interpretado por John Barrymore.





“Psicópatas”: Secuestrada (The Vanishing), de George Sluizer, con Kiefer Sutherland, Jeff Bridges, Nancy Travis y Sandra Bullock. Se trata del remake de la película holandesa de 1988 dirigida por el mismo Sluizer, y que no he visto. Al parecer la versión norteamericana cambió el final para adecuarlo al clásico happy ending hollywoodiano. Una lástima, porque precisamente la resolución del film es lo peor de la función, aunque a mi modo de ver tampoco lo anterior merece demasiado la pena. He leído que el film entusiasmó a Kubrick, pero sinceramente si es cierto no lo acabo de entender. Me parece una propuesta bastante adocenada sobre el clásico psicópata (Bridges) que rapta a una mujer (la insoportable Bullock) con fines inconfesables ante la desesperación y desorientación de su novio, un Sutherland muy gris. Pasan los años (tres, concretamente) y aparece un nuevo personaje, una camarera interpretada por Nancy Travis, con la que Sutherland rehace su vida, como se suele decir, pero menos, porque el recuerdo de su novia desaparecida le persigue. El film se cierra en un enfrentamiento a tres bandas que oscila entre lo risible y lo previsible.

"Seis mujeres para el asesino" es El GIALLO. La trama no importa, la formulación visual casi de "cine fantástico" más que thriller mundano, lo es TODO. Ese colorido ... Bava at his best: diría que es imposible de superar, inútil y gratuito siquiera intentar ir más allá, en ese plano de lo cromático.




SWISS ARMY MAN (2016) de Dan Kwan & Daniel Scheinert

Especie de delirante feel good comedy soez. Un hombre hastiado de la soledad en una isla desierta y en el momento de suicidarse, ve un cuerpo en la playa y corre hacia él. Pero está muerto. O algo así, porque se echa pedos que hacen que pueda navegar cual lancha motora (habéis leído bien ), tiene erecciones y, en su proceso de “resurrección”, acaba dialogando con su amigo (el Vivo) sobre grandes temas (soledad, autoaceptación y la de los demás) … y sobre como la aburrida Sociedad no acepta que lanzar ventosidades en la cara del vecino sea saludado como sabia señal de amistad y libertad. Veo que tiene muy buenas críticas (y 7.5 IMDB), pero aparte del arranque y algún momento aislado, me hizo más bien poca gracia; añadido el discurso buenista freak y escenas dramáticas, la peli se me acabó haciendo un tanto irritante. Quizá no tenía mi día. Si, como veis en la imagen, el “cadáver” es Harry Potter: imagino que solo el verle en este tipo de papel, hará gracia muchos.

Iniciado por jack napier

Vista Kartum (Basil Dearden; 1966)

Estupenda adaptación, y además bastante fiel, del episodio histórico de la toma de Kartum en la plena guerra entre británicos y musulmanes protagonizada por nada más y nada menos que por dos grandes de la interpretación: Charlton Heston encarnando al General Gordon, y Lawrence Olivier como el Mahdi. La película me recuerda mucho en estilo a Lawrence de Arabia, y no sólo por el ambiente desértico, sino por la estructura de la misma y algunas escenas muy similares, como la entrevista entre Gordon y el Mahdi, similar a las entrevistas entre Lawrence y Feissal; o la toma de Kartum que me recuerda a Aqba.

Para mí, lo mejor es el duelo interpretativo entre Heston y Olivier (las escenas que comparten ambos es sin duda lo mejor de la película). Muy destacables son también las batallas entre el ejército de Gordon y el Madi (en especial la toma de Kartum), rodadas por cierto por el director de las carreras de cuadrigas de Ben- Hur. A destacar también el uso de la violencia, que sin llegar a hacerse demasiado patente pero que el director tiene la habilidad de insinuar hábilmente con toda su crudeza, como el plano cortado de la punta de la lanza con la cabeza de Gordon, que resulta aterrador, ayudado claro está por la interpretación de Olivier; como también la mirada impertérrita de Gordon antes de ser lanceado, bordado por Heston. Una gozada es también la excelente ambientación, la fotografía, la música bellísima y además lo entretenida que resulta, sin llegar a hacerse pesada en ningún momento a pesar de sus dos horas y cuarto.

Por desgracia, la película no es perfecta. Para mí, el principal defecto es el poco metraje de Olivier como El Mahdi y el exceso de desarrollo de la trama en Londres. Además, excepto Heston y Olivier, no hay ningún actor que destaque por encima de lo normal, y no hay una escena que sea lo suficientemente épica que te deje huella como sí lo han hecho las grandes del género.

Es cierto que Kartum no es una obra maestra, no es tan redonda como Ben- Hur o Lawrence de Arabia, pero sí creo que es una película histórica de calidad; es buen cine, con un sabor sin duda épico y que es de obligado visionado si te gusta este tipo de películas.

Como dato curioso decir que se rodó en Cinerama, al igual que La Conquista del Oeste. Vista en DVD con un calidad aceptable.

Nota: 8

Comparto bastante, amigo Jack, tu valoración de Kartum (me sorprende que no la hubieras visto antes, siendo fan del histórico y de Heston como eres). Es una buena película, bien hecha, pero en última instancia le falta algo (yo creo que el ritmo falla algo, y por otra parte el retrato que hacen de Gordon Pachá es muy aseptizado e higiénico). El otro problema gordo es Lawrence Olivier. Aún siendo muy buen actor, se me hace rarísimo verle disfrazado de rey mago Baltasar .

Iniciado por mad dog earle

“Monstruos”: Rasputín (Rasputin: The Mad Monk), de Don Sharp, con Christopher Lee, Barbara Shelley y Richard Pasco. El enfoque que se da al personaje de Rasputín es completamente ahistórico. No hay el más mínimo interés por retratar la convulsa época del final del imperio zarista en Rusia, sino más bien añadir a la galería de monstruos uno más, en este caso no un mad doctor sino, como dice el título original, un mad monk. Y en ese sentido, a mi modo de ver, el film cumple, en especial gracias a la histriónica interpretación de Lee y a la ambientación típica de la Hammer. Lástima que el director fuera el mediocre Don Sharp y no Terence Fisher, aunque se aprovecharon varios decorados de la fisheriana Drácula, príncipe de las tinieblas (con la que comparte también director de fotografía, Michael Reed). Impresiona la gigantesca figura de Lee, con la larga barba y el atuendo oscuro. En algunos momentos recuerda a Svengali, tanto al de la novela de Du Maurier como al de la película de Mayo, interpretado por John Barrymore.

A mí, Rasputín me parece una joyita de la Hammer con un Christopher Lee superlativo (tengo pendientes de ver las versiones con Lionel Barrymore y Conrad Veidt), aunque es verdad que la película se va desinflando conforme avenza. La pena es el previsible y mediocre guión, que desaprovecha totalmente las posibilidades que un personaje como Rasputín ofrecía para transformarlo, igual que hicieran a la postre con Drácula, en un vulgar chuloputas .

"DON'T LOOK NOW" ["NO MIRES AHORA"] (1973, AMENAZA EN LA SOMBRA) de Nicolas Roeg.



Casey Productions Ltd. (Londres) y Eldorado Films s.r.l. (Roma) / Paramount Pictures Corp.

Historia basada en un cuento corto de la famosa escritora Daphne du Maurier publicado en la revista "Ladies Home Journal" (sic), "DON'T LOOK NOW" (mantengo el entrecomillado, gracias) es una críptica, a ratos fascinante, a ratos tediosa, siempre inquietante y desde luego abierta a múltiples interpretaciones, película del director de culto Nicolas Roeg, que cuenta con un excelente reparto, Julie Christie (la maravillosa Lara de DOCTOR ZHIVAGO (1965, ídem) y Donald Sutherland (el Matthew Bennell de la excelente INVASION OF THE BODY SNATCHERS (1978, LA INVASIÓN DE LOS ULTRACUERPOS)), rodada en su mayor parte en una decadente Venecia que la cámara de Anthony Richmond (usando cámaras y lentes de Panavision, pero no en Scope) y la música (ya lo dije en otro sitio, algo cargante) de Pino Donnagio diseccionan con aparente frialdad.

Lo mejor de esta película es contar cuanto menos mejor.

La historia se inicia en Inglaterra, donde John Baxter (Sutherland), experto en la restauración de iglesias, y su esposa, Laura (Christie), sufren la pérdida de su hija pequeña, ahogada en un pequeño arroyo que rodea la propiedad en la que viven. Una niña con un impermeable rojo (color brillante e fundamental en el desarrollo posterior de la película).



Previamente, al chequear las diapositivas de la iglesia en la que está trabajando, John observa en una de ellas una pequeña figura vestida de rojo, con capucha, sentada en uno de los bancos de la iglesia. Cuando su hija muere, una mancha roja se extiende desde la figura y cubre toda la imagen...



La historia continúa en Venecia, varios meses después. Todavía sin haberse recuperado de tan trágica pérdida, John y Laura conocen a dos extrañas ancianas, hermanas, una de ellas ciega y con poderes paranormales...

Y hasta aquí puedo contar.

Sólo decir que no estoy muy seguro de que todo el aparataje con que Roeg articula la historia no ayude más a desviarnos del verdadero sentido de la cinta que a su total comprensión de la misma o que, al final, todo no sea más que... mucho ruido y pocas nueces. Cada cual se quedará con la interpretación que más le convenga. O muy probablemente, esté equivocado. O mi interpretación no cuadra con lo visto en pantalla. Who knows?

Spoiler:

Yo, sinceramente, sigo sin entender el final de la película. Y mira que me gustan Bergman y Tarkovski.

Para el visionado de la cinta he contado con la recientísima edición por parte de StudioCanal y Divisa de cuyas características hablo más ampliamente en este otro hilo (https://www.mundodvd.com/blu-ray-div...ics-135041/15/) y no quiero repetirme.





P.D. Hay que hacer notar las (para la época) avanzadas escenas de sexo entre los protagonistas. Hoy, of course, desfasadas, pero entonces y viendo la película, perturbadoras...

Iniciado por Alcaudón

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P.D. Hay que hacer notar las (para la época) avanzadas escenas de sexo entre los protagonistas. Hoy, of course, desfasadas, pero entonces y viendo la película, perturbadoras...

Excelente comentario (y prudente a la hora de desvelar sus secretos) para una magnífica película. Sobre lo de la famosa escena de sexo entre Julie Christie y Donald Sutherland, es curioso constatar que durante los años 70, cuando empiezan a generalizarse las escenas de sexo "subidas de tono" para la época (al mismo tiempo, por cierto, en que el porno adquiría cierto estatus de "respetabilidad" antes de la aparición del mercado de vídeo), casi siempre ese tipo de secuencias conllevaban comentarios sobre hasta qué punto el sexo que se veía era o no "real". Hay varios ejemplos, como El último tango en París, El cartero siempre llama dos veces, etc., en que se especuló en que lo que se representaba en pantalla había pasado ante la cámara. Salvando las distancias temporales, era como lo del guante de Gilda: el espectador quería más de lo que veía y eso le llevaba a imaginar todo tipo de situaciones "reales" que no aparecían en el film.

Comparto bastante, amigo Jack, tu valoración de Kartum (me sorprende que no la hubieras visto antes, siendo fan del histórico y de Heston como eres). Es una buena película, bien hecha, pero en última instancia le falta algo (yo creo que el ritmo falla algo, y por otra parte el retrato que hacen de Gordon Pachá es muy aseptizado e higiénico). El otro problema gordo es Lawrence Olivier. Aún siendo muy buen actor, se me hace rarísimo verle disfrazado de rey mago Baltasar

Sí, en efecto, me encanta y la he visto varias veces. Lo que pasa que quería tener la película, llevaba tiempo detrás de comprármela y no te creas que me ha sido fácil; al final la encontré de segundamano y he aprovechado para refrescarla.

¿No te convence Olivier como El Mahdi? A mí me parece una interpretación soberbia, creo que está fantástico. Es cierto que cuenta el maquillaje y la caracterización del personaje, pero más alla de que el vestuario te parezca más o menos ridículo, la clave está en el actor, que te lo creas metido en el papel, y en el caso de Olivier me lo creo perfectamente. Pasa con otros grandes actores, algo habitual en la época. Actores como Alec Guinness, Anthony Quinn o el propio Hugh Grifith en Ben-Hur no tenían precisamente pintas de árabes, y sin embargo lo bordan por lo que te lo puedes creer perfectamente.






Jane, creo que estarás de acuerdo conmigo que a pocos actores le sientan tan bien los uniformes como a Charlton Heston.





Y que, por cierto, es muy fiel al que llevaba el Gordon auténtico:



Y sí, coincido que la parte de Londres ralentiza un poco la película, que creo que debía haberse reducido en beneficio de un mayor protagonismo de El Mahdi, que no sé por qué sale tan poco; el caso es que se llevó un pastizal, y según he leído, por muy pocos días de rodaje. Aún así, yo creo lo poco que sale, sobre todo con Heston, eleva el nivel de la película. Podría ser que se eliminaran escenas del montaje final, pero lo veo poco probable por el poco tiempo de rodaje de Olivier.

Muy buena la comparativa, amigo napier.

Iniciado por Alcaudón

"DON'T LOOK NOW" ["NO MIRES AHORA"] (1973, AMENAZA EN LA SOMBRA) de Nicolas Roeg.

Lo mejor de esta película es contar cuanto menos mejor

Cómo me alegra que digas esto. Has hecho muy bien Te confieso que cuando la gente (crítica profesional o gente como nosotros) se pone a contar demasiado de la historia, dejo de leer. Con los trailers, paro el vídeo, etc. No me gusta que me cuenten demasiado, pienso que hace que perdamos la magia. Y en este caso, como bien dices, lo mejor es no contar casi nada.

Sólo decir que no estoy muy seguro de que todo el aparataje con que Roeg articula la historia no ayude más a desviarnos del verdadero sentido de la cinta que a su total comprensión de la misma o que, al final, todo no sea más que... mucho ruido y pocas nueces. Cada cual se quedará con la interpretación que más le convenga. O muy probablemente, esté equivocado. O mi interpretación no cuadra con lo visto en pantalla. Who knows?

Spoiler:

Yo, sinceramente, sigo sin entender el final de la película. Y mira que me gustan Bergman y Tarkovski.

En mi opinión, la película juega mucho con la...

Spoiler:

sugestión que viven los protagonistos por los hechos pasados. Por ejemplo, recuerdo que la madre "se deja" engatusar porque se aferra a cualquier esperanza por imposible que sea.

Pero para responderte a lo del final debería revisarla, porque la primera vez me quedé un poco flipada Es una película que descubrí hace relativamente poco y que me gustaría revisar.

P.D. Hay que hacer notar las (para la época) avanzadas escenas de sexo entre los protagonistas. Hoy, of course, desfasadas, pero entonces y viendo la película, perturbadoras...

Me parece una pasada de escena De lo mejorcito que haya visto, y no sólo por el modo de enseñar y "coreografiar" , también porque tiene mucho significado dentro del contexto en el que se desarrolla, cosa que influye en el cómo. Me fascinó

Iniciado por jack napier

Sí, en efecto, me encanta y la he visto varias veces. Lo que pasa que quería tener la película, llevaba tiempo detrás de comprármela y no te creas que me ha sido fácil; al final la encontré de segundamano y he aprovechado para refrescarla.

¿No te convence Olivier como El Mahdi? A mí me parece una interpretación soberbia, creo que está fantástico. Es cierto que cuenta el maquillaje y la caracterización del personaje, pero más alla de que el vestuario te parezca más o menos ridículo, la clave está en el actor, que te lo creas metido en el papel, y en el caso de Olivier me lo creo perfectamente. Pasa con otros grandes actores, algo habitual en la época. Actores como Alec Guinness, Anthony Quinn o el propio Hugh Grifith en Ben-Hur no tenían precisamente pintas de árabes, y sin embargo lo bordan por lo que te lo puedes creer perfectamente.






Jane, creo que estarás de acuerdo conmigo que a pocos actores le sientan tan bien los uniformes como a Charlton Heston.





Y que, por cierto, es muy fiel al que llevaba el Gordon auténtico:



Y sí, coincido que la parte de Londres ralentiza un poco la película, que creo que debía haberse reducido en beneficio de un mayor protagonismo de El Mahdi, que no sé por qué sale tan poco; el caso es que se llevó un pastizal, y según he leído, por muy pocos días de rodaje. Aún así, yo creo lo poco que sale, sobre todo con Heston, eleva el nivel de la película. Podría ser que se eliminaran escenas del montaje final, pero lo veo poco probable por el poco tiempo de rodaje de Olivier.

Es que Olivier es muy británico. Verle con esas pintas me descoloca . En este sentido, Anthony Quinn me parece más versátil. Le veías haciendo de griego, de mexicano, de esquimal, de rumano, de portugués o de ruso y no te chocaba. Decían a veces que estaba encasillado en ese tipo de papeles. Pero no sé ahora mismo quién era el que decía que un actor encasillado es un actor con suerte. Y Hugh Griffith tiraba un poco más por la vera característica-cómica (ahora mismo repaso mentalmente las películas suyas que he visto, y la mayoría de sus personajes tienen cierta vis cómica o satírica). Y Alec Guiness...pues ya a los veinte años tenía cara de anciano (¿Que no? Ponte Cadenas Rotas)...

Los Siete Magnificos

Mitificadisima cinta que a su vez, es un remake de la superior los Siete Samurais de Akira Kurosawa, eso si, cuenta con Yul Brenner y Steve McQueen, junto con James Coburn.

Es una cinta correcta, creo que mejores peliculas tiene Sturges (El Ultimo Tren de Gun Hill, sin ir mas lejos), es entretenida, sin lugar a dudas, pero le falta algo, le falta memorabilidad, esta bien rodada y como he dicho, Brenner y McQueen estan ahi para darle empaque al asunto, pero le falta algo, algo para hacerla notable, bien rodada esta, innegable, mejores westerns hay, pero creo que este esta muy sobrevalorado.

Iniciado por Jane Olsen

Es que Olivier es muy británico. Verle con esas pintas me descoloca . En este sentido, Anthony Quinn me parece más versátil. Le veías haciendo de griego, de mexicano, de esquimal, de rumano, de portugués o de ruso y no te chocaba. Decían a veces que estaba encasillado en ese tipo de papeles. Pero no sé ahora mismo quién era el que decía que un actor encasillado es un actor con suerte. Y Hugh Griffith tiraba un poco más por la vera característica-cómica (ahora mismo repaso mentalmente las películas suyas que he visto, y la mayoría de sus personajes tienen cierta vis cómica o satírica). Y Alec Guiness...pues ya a los veinte años tenía cara de anciano (¿Que no? Ponte Cadenas Rotas)...

Si Olivier hizo de Zeus, es que podía hacer de cualquier cosa...



Ahora bien, uno de sus papeles más inverosímiles, aunque la película es resultona, es la del cazador de nazis de Los niños del Brasil, esforzándoze en hablar en inglés con un marcado pseudoacento alemán cuando se supone que el personaje debería estar hablando en alemán. Al menos en la misma película, Mengele (Gregory Peck) no caía en una afectación tan ridícula.

Iniciado por mad dog earle

Si Olivier hizo de Zeus, es que podía hacer de cualquier cosa...



Ahora bien, uno de sus papeles más inverosímiles, aunque la película es resultona, es la del cazador de nazis de Los niños del Brasil, esforzándoze en hablar en inglés con un marcado pseudoacento alemán cuando se supone que el personaje debería estar hablando en alemán. Al menos en la misma película, Mengele (Gregory Peck) no caía en una afectación tan ridícula.

Para interpretaciones esperpénticas de Olivier, yo me quedo con el Van Helsing de Drácula y su grotesco acento pseudoholandés. El propio actor decía que la película era una filfa y que había aceptado el papel sólo porque le habían pagado una millonada, pero su Van Helsing en modo club del jubilado (junto con el no menos ridículo Dr. Seward de Donald Pleasance) me parecen las dos manchas más perceptibles en una película por demás brillante. Casi se la cargan entre ellos dos sólos .





En descargo suyo hay que decir que cuando aceptó hacer la película estaba ya muy mal de salud.

El Mar (1999) Agustí Villaronga.

Manuel y Ramallo se reencuentran en el sanatorio para tuberculosos, después de pasar la infancia juntos y pasar por alguna que otra tragedia. Ahora Manuel se refugia en la religión y Ramallo en las ganas de vivir, pura vitalidad.
Villaronga sigue con su estilo visto en "Tras el Cristal" a la hora de plasmar una historia, no se anda con chiquitas, exponiéndonos una crueldad perturbadora, tanto de concepto como visualmente, la cámara no se arruga y lo muestra (casi)todo, como por ejemplo la perturbadora intro y pelea entre los niños. Ya en el reformatorio seguimos con el mismo estilo pero con muchos mas matices, sobretodo en dos personajes muy interesantes, Manuel, entregado al fanatismo religioso y Sor Francisca, una joven monja servicial pero con dudas existenciales a causa de sus amigos de infancia: Ramallo y Manuel. La escena entre Manuel y Francisca es muy potente, él explicándole su pasión por la religión y por sus hechos pertinentes, ella le responde no entender mucho lo que le está diciendo. El papel de Ramallo es el mas lineal, sus actos se rigen por el deseo sexual, no lo encuentro tan interesante. El final es made in Villaronga, muy explícito, sin medias tintas, rozando lo desagradable (o sin rozar). En resumen es un potente film sin llegar a ser tan redondo como "Tras el Cristal" (algún problemade ritmo en el primer tercio y algunos personajes desaprovechados -Angela Molina-), caracterizado por esa tan (des)agradable paradoja al ver un film, por la incomodidad permanente que produce al verlo deseando que pare tal pesadilla pero disfrutando al máximo de su visionado. 7/10

El film está basado en una famosa novela de Blai Bonet (el Mar), que por cierto he empezado a leer. El dvd que tengo es una edición inglesa, con una imagen correcta pero mejorable y un formato también mejorable. Como anécdota decir que tuve que poner subtítulos en ingles ya que el balear (y a pesar de ser catalan) es dificil de seguir, y no hay pista de audio en castellano.

De Villaronga me falta ver el documental de "Aro tob...." y "el niño y la luna" con muchas ganas de verla, y menos "99'9 la frecuencia del terror". Siendo sin duda alguna su peor film que he visto hasta ahora "El rey de la Habana", a pesar de que tiene rasgos característicos, para mi gusto se basa mucho en la temática sexual con caires melodrámaticos de idas y venidas que no me convencen nada, lástima!!!

A mí El mar me parece la mejor película de Villaronga, aunque otras (Tras el cristal, Pa negre) también las considero notables. Creo que es uno de los mejores directores peninsulares en activo, aunque coincido en que 99,9 fue un fiasco, y tampoco llega a su mejor nivel ni en El niño de la luna, en El passatger clandestí o en la miniserie televisiva Carta a Eva. Su documental mezclado de ficción sobre Aro Talbukin es inquietante. Aún no he visto la de El rey de La Habana. Por cierto, la novela del mallorquín Blai Bonet, que contiene algunos detalles autobiográficos, es por lo que recuerdo muy buena también.

99'9 parece que sea una de terror teen a lo "Scream".

"Tras el cristal" y "el mar" tienen mucho en común no crees? fanatismo, sexo, enfermedad estan presentes en ambas, y ambas siendo potentemente explícitas. En "Pa negre" creo recordar, que éstos conceptos desparecen, o si estan, siempre de una manera más light, más llevadera, el cual supongo facilito el camino hacia los Goyas; no me imagino "Tras el cristal" y "el mar" con esos carromatos de premios, simplemente, creo yo, por ser tan explícitas.

Vista Academia Rushmore, de Wes Anderson. Un adolescente de 15 años, sumamente antipático y metomentodo, mal estudiante pero hiperactivo a la hora de organizar actividades extraescolares (interpretado por Jason Schwartzman, uno de los numerosos miembros de la dinastía Coppola), se enamora de una joven profesora, que ha enviudado recientemente (la encantadora Olivia Williams). Es un amor imposible, pero no se detiene ante los obstáculos, hasta el punto de provocar su expulsión de la Academia Rushmore del título, escuela elitista y pija. Se hace amigo de un industrial algo excéntrico (Bill Murray, cómo no, que no entiendes cómo puede haberse convertido en un próspero empresario) con el que al final tendrá que competir por el amor de la joven, entrando ambos en una competición de venganzas y triquiñuelas varias. Nueva muestra del peculiar sentido del humor de Anderson, con esos personajes inmaduros e ingenuos, a menudo decididamente marcianos, que parecen estar completamente fuera de lugar en el mundo que los rodea, lo cual suele teñir sus películas de cierto aire melancólico y triste, aunque supongo que pretende hacernos reír. Reconozco que el sentido del humor de Anderson no me va, sus películas se me hacen eternas y no me suelen hacer ni tan solo sonreír, pero no niego que es un director original, brillante en algunos detalles, y que sabe sacar partido de manera muy sui generis de sus actores (en especial, obviamente, de Murray). Aquí se rodea de algunos buenos veteranos: Brian Cox o Seymour Cassel. La banda sonora se compone de canciones de los sesenta, de los Who a los Stones, de los Faces a los Kinks, de John Lennon (su “Oh Yoko”!!!) a Cat Stevens.

Iniciado por mad dog earle

de John Lennon (su “Oh Yoko”!!!)

Esta me descolocó mucho . Musicalmente encaja muy bien, como todas las que usa, pero claro, esa letra...

Iniciado por Alex Fletcher

99'9 parece que sea una de terror teen a lo "Scream".

"Tras el cristal" y "el mar" tienen mucho en común no crees? fanatismo, sexo, enfermedad estan presentes en ambas, y ambas siendo potentemente explícitas. En "Pa negre" creo recordar, que éstos conceptos desparecen, o si estan, siempre de una manera más light, más llevadera, el cual supongo facilito el camino hacia los Goyas; no me imagino "Tras el cristal" y "el mar" con esos carromatos de premios, simplemente, creo yo, por ser tan explícitas.

Yo creo que en Pa negre se mantienen bastante las constantes de Villaronga, aunque evidentemente se ha de ceñir a la famosa novela de Emili Teixidor que adapta, aunque creo que lo hace de manera bastante personal (no lo puedo corroborar porque no la he leído, pero se comenta que utilizó diversas narraciones de Teixidor). Toda esa violencia contenida (o no tanto) en el marco de una posguerra brutal, como lo fue la de la Guerra Civil, ese trasfondo de humillaciones y fracasos (el maestro, la madre, el padre), de represión sexual (la castración de un homosexual), de enfermedad (el tísico del que se hace amigo Andreu, el niño protagonista), la niña tullida, etc., no me parecen aspectos tan alejados de El mar, ni siquiera de Tras el cristal. Pa negre me parece una película magnífica, con un gran nivel en la producción.

Iniciado por Marty_McFly

Esta me descolocó mucho . Musicalmente encaja muy bien, como todas las que usa, pero claro, esa letra...

Es una letra de obsesión amorosa. Yo creo que sí que encaja con la fijación adolescente por Rosemary (Olivia Williams) del personaje de Schwartzman (y de hecho del de Murray).

Claro, pero me refiero a que es una canción tan personalizada en alguien real que se hace extraño. No es lo mismo que si el personaje de la canción fuera inventado.

Iniciado por mad dog earle

Yo creo que en Pa negre se mantienen bastante las constantes de Villaronga, aunque evidentemente se ha de ceñir a la famosa novela de Emili Teixidor que adapta, aunque creo que lo hace de manera bastante personal (no lo puedo corroborar porque no la he leído, pero se comenta que utilizó diversas narraciones de Teixidor). Toda esa violencia contenida (o no tanto) en el marco de una posguerra brutal, como lo fue la de la Guerra Civil, ese trasfondo de humillaciones y fracasos (el maestro, la madre, el padre), de represión sexual (la castración de un homosexual), de enfermedad (el tísico del que se hace amigo Andreu, el niño protagonista), la niña tullida, etc., no me parecen aspectos tan alejados de El mar, ni siquiera de Tras el cristal. Pa negre me parece una película magnífica, con un gran nivel en la producción.

Osti tu, apenas la recuerdo!!! (Pa Negre), aunque esten las mismas constantes, son tan explícitas como en "el mar" y "Tras el cristal"?

Iniciado por Alex Fletcher

En resumen es un potente film sin llegar a ser tan redondo como "Tras el Cristal"... caracterizado por esa tan (des)agradable paradoja al ver un film, por la incomodidad permanente que produce al verlo deseando que pare tal pesadilla pero disfrutando al máximo de su visionado. 7/10

A mí este hombre, contra más perturbador se pone, más me gusta

De Villaronga me falta ver el documental de "Aro tob...." y "el niño y la luna" con muchas ganas de verla, y menos "99'9 la frecuencia del terror". Siendo sin duda alguna su peor film que he visto hasta ahora "El rey de la Habana", a pesar de que tiene rasgos característicos, para mi gusto se basa mucho en la temática sexual con caires melodrámaticos de idas y venidas que no me convencen nada, lástima!!!

"Aro.." me gustó más de lo esperado. A mí me faltan también la del niño y la del rey.

Iniciado por mad dog earle

A mí El mar me parece la mejor película de Villaronga, aunque otras (Tras el cristal, Pa negre) también las considero notables

Son sus tres mejores películas, sin duda. Yo dudo entre "El mar" y "Tras el cristal", pero siempre pongo a la segunda en primer lugar porque las interpretaciones de "El mar" no me acabaron de convencer Roger Casamajor es claramente el mejor.

Creo que es uno de los mejores directores peninsulares en activo

+1 Debería hacer más cine

Iniciado por Alex Fletcher

"Tras el cristal" y "el mar" tienen mucho en común no crees? fanatismo, sexo, enfermedad estan presentes en ambas, y ambas siendo potentemente explícitas

Sin duda.

En "Pa negre" creo recordar, que éstos conceptos desparecen, o si estan, siempre de una manera más light, más llevadera, el cual supongo facilito el camino hacia los Goyas; no me imagino "Tras el cristal" y "el mar" con esos carromatos de premios, simplemente, creo yo, por ser tan explícitas.

Como dice mad dog earle, todo está ahí, pero de un modo más "covencional" que seguramente ya parte de la novela (que no he leído) de Teixidor, por cierto, persona entrañable y amabilísima. Tuve el placer de conocerle de adolescente en un charla que hizo en mi colegio Nos firmó nuestros libros a todos

Iniciado por mad dog earle

Vista Academia Rushmore, de Wes Anderson.

Nueva muestra del peculiar sentido del humor de Anderson, con esos personajes inmaduros e ingenuos, a menudo decididamente marcianos, que parecen estar completamente fuera de lugar en el mundo que los rodea, lo cual suele teñir sus películas de cierto aire melancólico y triste, aunque supongo que pretende hacernos reír

Me alegra ver que vais descubriendo esta peli

Yo creo que más que reír, busca la pequeña sonrisa cómplice del espectador al darse cuenta de que no estamos tan alejados como creemos de estos personajes marcianos, e incluso en ocasiones, patéticos Igual estoy confundida, pero siempre he tenido la sensación de que trata a sus personajes con mucho cariño y que, pese a su "extremismo" en algunas ocasiones, todo el mundo puede verse un poco reflejado en ese lado friki que todos tenemos

Iniciado por Alex Fletcher

Osti tu, apenas la recuerdo!!! (Pa Negre), aunque esten las mismas constantes, son tan explícitas como en "el mar" y "Tras el cristal"?

Lo que no son es tan truculentas. Son difíciles de igualar los personajes y situaciones de Tras el cristal, o incluso la morbosidad y la obsesión religiosa de El mar, pero aunque el argumento sea algo más convencional, yo creo que las constantes de Villaronga son claramente detectables en Pa negre. De todas maneras, está claro que este es un film en cierta manera "apto para todos los públicos", mientras que para los otros dos, en especial Tras el cristal, se necesita un estómago de acero.

Iniciado por Marty_McFly

Claro, pero me refiero a que es una canción tan personalizada en alguien real que se hace extraño. No es lo mismo que si el personaje de la canción fuera inventado.

Aunque sea un off topic como una casa, tu comentario me recuerda que descubrí hace poco que la protagonista de "Lady d'Arbanville", de Cat Stevens (cantante que también sale en la banda sonora de Academia Rushmore), era Patti d'Arbanville, actriz y modelo, que aparece por ejemplo en la mítica Flesh, de Paul Morrissey. O sea que eso de convertir a personas reales en sujetos de canciones era algo que estaba en el espíritu de la época (otro caso sería la relación entre Janis Joplin y Leonard Cohen que describe el canadiense en su "Chelsea Hotel").

Iniciado por mad dog earle

Aunque sea un off topic como una casa, tu comentario me recuerda que descubrí hace poco que la protagonista de "Lady d'Arbanville", de Cat Stevens (cantante que también sale en la banda sonora de Academia Rushmore), era Patti d'Arbanville, actriz y modelo, que aparece por ejemplo en la mítica Flesh, de Paul Morrissey. O sea que eso de convertir a personas reales en sujetos de canciones era algo que estaba en el espíritu de la época (otro caso sería la relación entre Janis Joplin y Leonard Cohen que describe el canadiense en su "Chelsea Hotel").

Así es. La propia Janis hablaba sobre Kris Kristoferson en "Me and Bobby McGee". Y la "Leyla" de Eric Clapton era en realidad Pattie Boyd, esposa de su amigo George Harrison, de la que Clapton estaba enamorado en secreto (Boyd acabó con él, pero su amistad con Harrison sobrevivió).

Pero la relación de Lennon y Yoko es tan conocida y la canción tan directa hacia ella que me cuesta asociarla a otra persona.