Tema: Las últimas pelis que has visto en casa

"HALF BROTHERS / MEDIOS HERMANOS"

En vísperas de su boda, Renato emprende un viaje en carretera por la frontera siguiendo las pistas que dejó su padre. Sin embargo, lo acompaña Asher, un medio hermano que hasta ahora no sabía que tenía y que parece lo único que hace es meterse en apuros.



Comedia que acaba inclinándose más por el (melo)drama. Esta disfrutable, pero sufre mucho de cargar con demasiados cliches que la vuelven muy predecible.
La película tiene corazón, se nota, pero el guion se siente muy artificial y se limita a calcar formulas sin esforzarse. La cabra es el ejemplo perfecto, no tiene razón de estar ahí más que para verse chistosa en los trailers y posters.
Los actores hacen un buen trabajo y uno puede encariñarse con los personajes, el problema es que sus tramas avanzan por pura inercia, me quedé con ganas de verlos desarrollar su relación orgánicamente en vez de que fuera puro capricho del guion.
Claramente había una intención de hacer un paralelismo entre lo difícil que es para Renato aceptar lo raro que es Asher con lo difícil que también le es aceptar lo raro que es su hijastro, pero la película se queda sin tiempo de explorarlo.
Rareza que, por cierto, queda muy superficial y sin mucho trasfondo. Pensé que iba a resultar en algo relacionado a la orientación sexual, lo cual le daría mas coherencia y profundidad al rechazo de su padre, pero no, simplemente es muy extrovertido.
Se que el drama migrante es una problemática seria, pero la historia del padre que van descubriendo no se siente merecedora al viaje. Hasta uno empieza a cuestionarse ¿como es que tuvo tiempo para preparar todo eso y no para contárselas directamente?
El maquillaje es risible, y no en el buen sentido. Para personajes que se supone son ancianos (el padre, en su lecho de muerte) solamente espolvorearon algunas canas en los actores.

Pese a todo, es una película bien intencionada, que se puede disfrutar para matar una tarde, si uno está dispuesto a ignorar tanto cliché.

Agencia Bien de amores (2024)............................... 7.5



Una bonita comedia romántica alemana.










Mi comentario:



Estamos ante una comedia romántica alemana, no siempre tienen que ser norteamericanas, que reconozco que es bastante predecible y/o previsible en el tema a tratar, pero no por ello te impide disfrutarla muy bien. Me parece que es una hermosa y simpática película romántica. Desconozco al reparto, pero la pareja protagonista tiene muy buena química. La trama, sin duda, es inventada, pero me resulta bastante original. Un periodista profesional observa como su novia, tras concertar una visita con una terapeuta para el mal de amores, le abandona de golpe y porrazo. Entonces, este va a ver a dicha terapeuta para que le de explicaciones. La cosa no se queda aquí. Escribe un artículo, pero acaba mal para él. Es por eso que el periodista termina por participar, sin quererlo, en una terapia para el mal de amores con el fin de escribir un artículo… y así recuperar su empleo. Lo que no se espera es que acabe abriéndole su corazón a la misma terapeuta. Lo dicho, podrá ser una historia inventada, pero me parece muy bonita si se lleva bien a la pantalla. Yo creo que con la dirección de Shirel Peleg se ha conseguido dicho propósito. A los fans, como a un servidor (añadiría que también soy un romántico empedernido, no me escondo en decirlo), de las comedias románticas les va a encantar. A los demás, les podría decir que se abstuvieron de ello. Mi nota final es de 7.5/10.

Sí, Dios mío, sí (2020)......................... 6



Un film correcto y pasable.








Mi comentario:

Había oído/leído acerca de este film que ahora nos ocupa y hoy he tenido la oportunidad de verlo. Bueno, la verdad es que me ha resultado correcto, sin ser nada del otro mundo, y pasable. Protagonizado por Natalia Dyer (la Nancy Wheeler de la famosa serie Stranger Things), junto a Alisha Boe (Por 13 Razones), de las caras que más he reconocido de todo el reparto. Un guion, escrito por la propia directora Karen Maine, en el que se va tocando temas como la religión, el sexo, la tentación hacía el último, sus decentes pinceladas de drama y lo irónico. Ya digo, correcta y pasable, poco más tengo que decir, aparte de que su duración es perfecta. Mi nota final es de 6/10. Es la nota que creo conveniente, porque tampoco es que me esperara un peliculón de todo ello.

Ya debe ser mala, sí, para que tú le des un 6 que creo que es la nota más baja que te he visto nunca

No es la más baja que le he dado a una peli, pero gracias por mencionarlo.

ZACK SNYDER'S JUSTICE LEAGUE.

Tres veces que la he visto, 12 horas en total que se me pasan volando. La escena en la que Flash salva el mundo y esa música son oro puro.

Maldita Warner por tirar el universo a la basura y que la secuela no vaya nunca a ver la luz.

THE FLASH.

Pa pasar el rato.

VENGADORES LA ERA DE ULTRON.

Una de mis favoritas del UCM y que gana con los visionados y un guión más, por decirlo de alguna manera, maduro que la anterior. Ultron mola bastante.

LAS PRIMERAS OBRAS DE STEPHEN KING (1947) ADAPTADAS A LA GRAN (Y A LA PEQUEÑA) PANTALLA SEGÚN LA CRONOLOGÍA DE LAS MISMAS… CON ALGÚN QUE OTRO DESVÍO, COMO ES EL CASO… / PARTE VIII:

Un homenaje a los cómics que (involuntariamente) provocaron la creación de la Comics Code Authority en 1954…

CREEPSHOW (1982, ídem)



Copyright 1982 Laurel Show, Inc.

Laurel Show, Inc. / Warner Bros. Pictures.

Estrenada el 10 de noviembre de 1982 en los EUA y el 29 de noviembre de 1983 en España.

Dirigida por George A. Romero.

Producida por Richard P. Rubinstein.

Escrita por Stephen King.

Fotografiada por Michael Gornick, en Technicolor y formato panorámico (1.85:1).

Musicalizada por John Harrison.

Efectos especiales de maquillaje por Tom Savini.

Segmentos protagonizados por…

- Prologue (Tom Atkins [El padre de Billy], Joe Hill [Billy] e Iva Jean Saraceni [La madre de Billy])



- Father’s Day (Ed Harris [Hank Blaine], Viveca Linfords [Tía Bedelia], Jon Lormer [Nathan Gratham], Carrie Nye [Sylvia Grantham], Elizabeth Regan [Cass Blaine] y Warner Shook [Richard Grantham])



- The Lonesome Death of Jordy Verrill (Stephen King [Jordy Verrill]) *



- Something to Tide You Over (Ted Danson [Harry Wentworth], Leslie Nielsen [Richard Vickers] y Gaylen Ross [Becky Vickers])



- The Crate (Adrienne Barbeau [Wilma Northrup], Don Keefer [Mike el conserje], Robert Harper [Charlie Gereson], Hal Holbrook [Henry Northrup] y Fritz Weaver [Dexter Stanley]) *



- They’re Creeping Up on You! (E. G. Marshall [Upson Pratt])



- Epilogue ((Tom Atkins [El padre de Billy], Joe Hill [Billy] e Iva Jean Saraceni [La madre de Billy])





Un nuevo desvío en este “The Long and Winding Road” que es la sucinta revisión que servidor está llevando a cabo de las primeras novelas, novelas cortas, cuentos o cuentos cortos del escritor de terror más popular de todos los tiempos.

Si en la entrega anterior (https://www.mundodvd.com/las-ultimas...3/#post4862543) comentaba la espléndida adaptación que acaba de hacer el más que interesante cineasta inglés Rob Savage (1992) del cuento corto “El coco” (1973 e incluido en la primera colección del autor, “El umbral de la noche” [1978]), THE BOOGEYMAN (2023) – el ejemplo perfecto que demuestra que las puntuaciones de la mayor parte de las páginas web (supuestamente) especializadas no valen una -, en este caso se da la circunstancia de que estamos ante el primer guion que el propio Stephen King escribió para la gran pantalla. O si queremos ser más precisos, la primera película en la que aparece acreditado como tal.

Y si ya queremos rizar el rizo no es cierto lo que indican los títulos de crédito…



… puesto que de los 5 segmentos de que consta la película – si exceptuamos el prólogo y el epílogo, protagonizados, por cierto, por el su propio hijo (y futuro) escritor, Joe Hill - dos de ellos, “The Lonesome Death of Jordy Verrill” y “The Crate”, están basados en cuentos ya publicados por el autor, aunque solo uno de ellos ha sido traducido al castellano. En concreto, el segundo y como “El baúl” incluido en la antología “Horror 6” (Martínez Roca, Barcelona, 1989)...



...un detalle que se les ha olvidado subsanar a los editores patrios del por otra parte excelente libro “Stephen King: Guía ilustrada del maestro del terror”, de Matthieu Rostac y François Cau (Planeta, Barcelona, 2020 [2023]).



Dirigida por otro maestro del terror como es George A. Romero (1940-2017) después del fracaso comercial que supuso LOS CABALLEROS DE LA MOTO (1981) – con protagonismo del alopécico Ed Harris, que aquí coprotagoniza el primero de los segmentos – y emparedada entre las entregas 2 y 3 de su ciclo zombi (las ya comentadas en su correspondiente subhilo ZOMBI (EL REGRESO DE LOS MUERTOS VIVIENTES) (1978) (https://www.mundodvd.com/las-ultimas...9/#post4799253) y EL DÍA DE LOS MUERTOS (1985) (https://www.mundodvd.com/las-ultimas...5/#post4830106), CREEPSHOW...



... es no solo y principalmente un homenaje a los comic books de terror de la E(entertaining)C(omics), “The Crypt of Terror/Tales from the Crypt” (1950-1955), “The Vault of Horror” (1950-1955) y “The Haunt of Fear” (1950-1954)...









... y a los que la Caza de Brujas (en este caso no orquestada por el senador Joseph McCarthy – republicano - sino por su colega Estes Kefauver – demócrata –, tanto monta, monta tanto… ), sustanciada en la creada ex profeso “Comics Code Authority” que menciono al inicio de mi intervención y a los que borró de la faz de la Tierra cual plaga bíblica sino también a las películas de sketches que aunque tienen su antecedente más ilustre en la magnífica (y británica) AL MORIR LA NOCHE (1945), de Alberto Cavalcanti, Charles Crichton, Basil Dearden y Robert Hamer tuvieron su máximo auge en los años ‘60 y ‘70 de la igualmente británica Amicus (la única rival seria que tuvo la Hammer durante su periodo de esplendor).

- La primera de todas ellas y una de las mejores es DOCTOR TERROR (1965), de Freddie Francis...



Y aunque sea mera casualidad en la anterior entrega del coleccionable – la mencionada THE BOOGEYMAN, que no contiene espóilers, por si no la habéis visto todavía – ya mencionaba un falso recuerdo del autor acerca de un cómic de la EC que había leído de niño y que le había provocado unas terribles y recurrentes pesadillas.

King y Romero, aparte de admirarse mutuamente, ya se conocían desde hace tiempo puesto que el segundo estuvo a punto de dirigir la que inicialmente iba a ser una adaptación a la gran pantalla de la segunda (y magnífica) novela del primero, “La hora del vampiro/El misterio de Salem’s Lot” (1975), proyecto del que solo se descabalgó cuando finalmente la Warner decidió convertirla en una miniserie de dos episodios por aquello de abaratar costes (https://www.mundodvd.com/las-ultimas...6/#post4813010).

King no solo escribió el guion de la película sino que protagonizó el 2º de los segmentos, aunque su debut como actor ya se había producido en la mencionada LOS CABALLEROS DE LA MOTO.

Basado, como decía, en un cuento inédito por estos lares (“Weeds” [1976]), “La solitaria muerte de Jordy Verrill” es el más atípico de todos puesto que el histrionismo que despliega King deja en paños menores al del mismísimo Jim Carrey (¡!).



Además el humor que destila la propuesta es más propio de la posterior "Mad" (1952), el único comic book que escapó a las garras de la censura al pasar al formato de revista que el de las tres colecciones de terror mencionadas, mucho más negro y notablemente crítico con la sociedad norteamericana en la que surgieron.



Para que todo quede en familia el hijo del propio escritor, Joe Hill (1972) – otro excelente autor de novela de terror como su padre -, protagonista del prólogo y del epílogo, servirá de demiurgo de los distintos segmentos.



Y aunque ninguno de ellos es realmente destacable y siendo generoso yo diría que el mejor (o el menos malo, depende del gusto de cada uno) es el último, “La invasión de las cucarachas”, con un E. G. Marshall (1914-1998) al que todos recordaremos como el (díscolo) jurado n.º 4 de la excelente “12 HOMBRES SIN PIEDAD” (1957), de Sidney Lumet.



Destacar eso sí la aproximación que Romero hace a los comic books originales tanto en lo referente al cromatismo (recordemos que todos se publicaban en color)...







... como a la puesta en escena que juega con el formato de las imágenes (recreando las viñetas de los mismos)...





... y el uso de dibujos animados.





Y, especialmente, el trabajo en los efectos especiales (analógicos) de maquillaje del gran Tom Savini (1946) quien ya había colaborado con el cineasta en (la reivindicable) MARTIN (1977) – una película de vampiros… sin vampiros… - o la citada ZOMBI (EL REGRESO DE LOS MUERTOS VIVIENTES).



Independientemente de los resultados artísticos la propuesta se saldó con un rotundo éxito de taquilla (8 millones de presupuesto vs. 21 millones de taquilla).

De hecho, el mismo propició que Romero pusiera en marcha la tercera entrega de su personal aproximación al subgénero de los zombis, la más que interesante EL DÍA DE LOS MUERTOS.

Aunque para la presente revisión yo sigo el orden de publicación (básicamente) de sus novelas la adaptación que acabo de comentar sería la 4ª, detrás de CARRIE (1976), PHANTASMA II/EL MISTERIO DE SALEM’S LOT (1979) y EL RESPLANDOR (1980).

Espero no haberos aburrido y si podéis verla, hacedlo, porque aunque no es ni de lejos una gran película (aunque algunos ya la consideran una cinta “de culto”) al menos se pasa un rato agradable y no insulta a la inteligencia, algo de agradecer en estos tiempos en los que nos ha tocado vivir.

Vosotros mismos.

Buenas noches y, buena suerte.



Y aunque no soy futbolero y por respeto a mi querida ama recién fallecida, ¡que gane el Athletic de Bilbao!

Agur.

El astronauta (2024)........................ 6



Una rareza espacial con Adam Sandler









Mi comentario:

Bueno, no es que sea un gran fan de Adam Sandler en el terreno del drama y/o la ciencia ficción, soy más del de la comedia y el cachondeo vario (para qué nos vamos a engañar), pero esta película "El Astronauta" ha estado bien, la verdad sea dicha. No es genial ni perfecta, pero sí lo bastante interesante y llega a ser disfrutable visualmente para aguantar hasta el final. Lo digo porque parece como si Terrence Malick y Christopher Nolan (ahora que lo leo, menudo combo más bizarro) se hubieran unido para dirigir un nuevo film. El resultado sería lo que nos podemos encontrar aquí. Una cinta de unas dos horas con una base de ciencia ficción, fantasía y drama. Mi nota final es de 6/10.

He visto GREEN BOOK por recomendación (aunque llevaba un tiempo en la lista de pendientes) y la he disfrutado más de lo esperado y me he reído muchísimo con la pareja protagonista. Muy buen trabajo de Mortensen y Ali.

"Se sentó en un puñetero trono con una bata como si fuera un rey"
"Querida Dolores. Me recuerdas a una casa"

Indiscreta (Indiscreet, 1958), de Stanley Donen



No soy un entusiasta del cine romántico (que parece estar muy de moda, por lo que leo en este hilo ), pero con motivo del centenario del nacimiento de Stanley Donen me decidí a visionar este clásico del género que nunca había visto. El aliciente, no nos engañemos, era la presencia como protagonistas de dos monstruos de la pantalla, Cary Grant e Ingrid Bergman, a los que hacía solo unos días había visto por enésima vez en Notorious.

A pesar de los años pasados desde la obra maestra de Hitchcock, algo que se nota en los rostros de la pareja, Grant y Bergman conservan una química especial que hace que la película se vea con notable agrado, con una permanente sonrisa en los labios, a pesar de que el guion, de Norman Krasna, a partir de su obra teatral “Kind Sir” (que Joshua Logan había dirigido en el teatro con Charles Boyer y Mary Martin), no me parezca nada especial.



Eso sí, se desliza con suavidad, con elegancia, contándonos el amor, aparentemente adúltero, de una madura pareja: la que forman Philip Adams (¡que trabaja para la OTAN!), casado, y la actriz de teatro Anna Kalman, soltera, brillantemente acompañados en el reparto por la pareja que forman Phyllis Calvet, como la hermana de ella, y Cecil Parker, como su esposo.



La película destila todo el glamur imaginable y, lo que es mejor, nos transmite el gozo de los dos actores por actuar juntos ante la cámara, con alguna perla como la hilarante secuencia de la danza escocesa, en donde Grant demuestra sus innegables dotes de payaso bailarín.



Por supuesto hay engaños, equívocos y farsa, para que el conflicto aflore en el tercer acto. Pero, tranquilos, estamos ante una comedia romántica pura y dura, o sea, el final no nos borrará la sonrisa de la cara. Quizá no sea una gran película, pero solo por el placer de ver disfrutar a dos de mis actores preferidos vale la pena el esfuerzo (aunque para verlos juntos en la cama Donen tenga que recurrir a un artificio ).

Una escena esta última muy similar a una que acontecía en la casi coetánea primera entrega de la trilogía Doris Day/Rock Hudson. Por cierto, bastante mejores de lo que se suelen indicar los críticos más sesudos.

Estas últimas semanas me he interesado por un prestigioso y premiado director iraní del que no había visto ninguna película: Jafar Panahi, nacido en Miyana en 1960, al norte de Teherán, en una zona próxima a Azerbaiyán, donde se mezcla el azerí con el persa, tal como se puede apreciar en alguno de sus films.



Controvertido en su país, y ampliamente galardonado en el extranjero (León de Oro en Venecia, Oso de Oro en Berlín, además de otros premios en Cannes, San Sebastián, Valladolid o Locarno), ha sido detenido en diversas ocasiones, encarcelado durante unas semanas en 2010, castigado con el confinamiento en su domicilio, la prohibición de viajar al extranjero y la inhabilitación para rodar películas, lo que, lógicamente, ha dificultado el desarrollo de su carrera como cineasta durante estos últimos años, algo que no solo se refleja directa o indirectamente en sus películas, sino que sus circunstancias personales se convierten en tema de varias de ellas.

Con el tiempo, aunque con grandes dificultades, ha conseguido seguir filmando, convirtiéndose él mismo en protagonista de sus accidentados films y ganándose un lugar destacado dentro de la cinematografía iraní, una de las más interesantes del momento, con nombres como Asghar Farhadi (Nadir y Simin, una separación, El viajante, Un héroe) o Mohammad Rasoulof (director de la magnífica La vida de los demás), además del ya veterano Abbas Kiarostami y muchos más.

Sorprende viendo la obra de estos directores cómo han podido florecer y realizar trabajos tan lúcidamente críticos en un régimen tan represor e irracional como el de los ayatolás. El caso de Panahi es paradigmático. He visionado seis de sus films que comento brevemente:

El círculo (Dayereh, 2000)



Tal como apunta el título, la película de Panahi se desarrolla en forma circular encerrando en su interior una desgarradora descripción de las dificultades de ser mujer en el Irán actual. Comienza ante el blanco ventanuco cerrado de la puerta de una sala de la maternidad. Cuando se abra sabremos que acaba de nacer una niña, ante la desesperación de su abuela, que teme por la reacción de la familia de su yerno, que estaba esperando un niño (lo que nos indica ya el bajo valor que tiene la condición femenina en Irán). A continuación se enlaza con las peripecias de tres mujeres que han salido hace poco de la cárcel, pero no tienen dinero. Intentan ayudar a la más joven, Nargess, para que pueda coger el autocar que la llevará a su pueblo, pero la presencia de la policía la obliga a huir, ya que carece de la documentación necesaria. Visita a una amiga de la prisión, Pari, que quiere abortar, la cual se ve obligada a abandonar el hogar familiar. Dejamos a Nargess y seguimos a Pari que encuentra una mujer que quiere dejar en la calle a su pequeña hija porque no la puede mantener. Esta mujer es acusada de prostitución por un policía de paisano que la detiene. En un control policial han detenido a otra mujer, una prostituta que viajaba en coche con su cliente. Al final, la cámara nos muestra en un movimiento circular a diversas mujeres en un calabozo, entre las cuales reconocemos a Nargess. La película se cierra con la contraimagen del primer plano: ahora es el ventanuco de la puerta del calabozo el que se cierra y nos deja en la oscuridad. Desoladora. La estructura nos recuerda “La Ronda”, la obra de Arthur Schnitzler ambientada en la Viena fin de siècle, que llevaron al cine directores como Max Ophüls o Roger Vadim.

Offiside. Fuera de juego (Afsaid, 2006)



Con un tono más ligero, pero no menos crítico, Panahi nos cuenta el intento frustrado de un grupo de muchachas de entrar en el estadio de fútbol de Teherán para ver el partido de Irán contra Baréin, clasificatorio para el mundial de Alemania de 2006. Con vestidos de hombre (una incluso con ropa militar), puesto que la presencia de mujeres está prohibida (a no ser que sean extranjeras), las jóvenes son retenidas por los soldados, algunos más atemorizados que ellas mismas, porque no saben qué hacer con sus detenidas (lo que da paso a una escena hilarante cuando una de ellas pide ir al lavabo... pero no hay lavabos para mujeres en el estadio). Terminado el partido, y cuando las llevan a las oficinas de la Brigada Antivicio, el furgón se ve frenado por una masa de gente que ha saltado a la calle para celebrar la victoria de la selección, con enormes muestras de alegría y tirando petardos. La victoria de Irán va a permitir, aprovechando la confusión, que las muchachas consigan escapar y fundirse con la multitud, en un final irónico que se acompaña con el himno patriótico “Ey Iran” durante los créditos finales.

Esto no es una película (In film nist, 2011)



Un Panahi enclaustrado en su domicilio se convierte en protagonista. Nos muestra, con aire documental, sus dificultades para filmar, ya que pesa sobre él la inhabilitación y está a la espera de la sentencia que lo puede llevar a la cárcel. Lo vemos haciendo sus labores cotidianas (tiene una iguana), su conversación con el cámara improvisado, un amigo, o con una vecina o el ayudante del portero que viene a retirar la basura. En todo el film no abandonará el edificio.

Taxi Teherán (Taxi, 2015)



Si en la anterior Panahi no salía de su casa, Taxi Teherán está filmada toda ella desde el interior del vehículo que conduce el director. Va recogiendo a diversas personas (actores no profesionales) a las que ofrece un servicio gratuito de taxi compartido, entre ellas un vendedor pirata de DVD, un hombre herido, su locuaz sobrinita (con le habla de su proyecto escolar: ha de filmar una película según unas rígidas reglas... que parecen talmente las que se le imponen a él) o una defensora de los derechos humanos. Finalmente, Panahi y su sobrina finalizan su recorrido en un manantial sagrado donde intentarán localizar unas anteriores pasajeras para devolverles una cartera. Pero cuando abandonan el coche y se dirigen al manantial (filmado en plano fijo desde el parabrisas), unos individuos entran en el vehículo para robar, llevándose la cámara... y dejándonos a oscuras. ¿Un simple robo o un acto de sabotaje promovido por el régimen? Aunque la película resulta visualmente poco verosímil (hay planos que no parecen poder haber estado filmados por la cámara del coche, lo que delata un montaje que invalida el supuesto “realismo”), Panahi consigue un film de una gran frescura, divertido y a la vez crítico.

Tres caras (Se rokh, 2018)



Esta vez la película empieza con una grabación en vídeo realizada con un móvil en que una muchacha, Marziyeh, pide ayuda a la actriz Behnaz Jafari (que se interpreta a sí misma) para dejar su pueblo y poder ir a la ciudad donde quiere estudiar para actriz. La grabación finaliza con el aparente suicidio de la joven. Jafari y Panahi viajan hasta ese pueblo con la intención de aclarar lo que se muestra en el vídeo. Inician una investigación que choca con las tradiciones de una sociedad muy conservadora, con la dificultad añadida de que se habla también en azerí (que Panahi entiende y habla con dificultad). Al final, la joven no se había suicidado, todo ha sido un montaje para atraerlos, pero la familia le niega la opción de dejar el pueblo. Pero la última secuencia en que vemos unidas a Jafari y Marziyeh siguiendo juntas el sinuoso camino que abandona el pueblo quizá apunta a un futuro algo más esperanzador para la joven.

Los osos no existen (Khers nist, 2022)



Los osos no existen es el último film hasta la fecha de Panahi. Nuevamente, nos cuenta sus dificultades para rodar. Como no puede abandonar Irán, sigue la filmación de la película que está dirigiendo, y que se rueda en Turquía, desde un pueblecito cercano a la frontera. Allí tendrá que lidiar con un conflicto fruto de las tradiciones conservadoras de la población. Le exigen que entregue una foto que supuestamente ha hecho a una pareja y que demostraría que la chica no respeta el compromiso con otro joven, establecido en el momento de nacer porque su familia entregó su cordón umbilical a la familia de ese chico, al que no ama. Una especia de Romeo y Julieta a la iraní, que acaba de forma trágica, como también de forma trágica termina la historia que se supone que está filmando en Turquia, donde una pareja de iranís intentan conseguir pasaportes falsos para viajar a Europa. La superstición y el miedo a romper las tradiciones se simbolizan por la frase de advertencia que se repite por parte de los habitantes del pueblo: que se tenga cuidado de alejarse del pueblo porque hay osos, aunque uno de ellos le contará a Panahi que es mentira, que no hay osos en la zona. Magnífico film en que Panahi sintetiza tanto la visión crítica del país, ahogado por el conservadurismo religioso, el atraso cultural y la represión política, y a su vez las dificultades con las que ha de luchar para filmar sus películas.

Volviendo al primer film, El círculo, he tenido también la impresión de cerrar un círculo con el visionado de Los osos no existen, en la que la brillante crítica del primer film se complementa con las penurias de Panahi, convertido, no sé si ya para siempre, en el protagonista de sus películas. En resumen, brillante director, recomendables films. Panahi ya ha pasado a engrosar mi lista de directores a seguir. Espero que continúe haciendo más films en el futuro... Y, si es posible, que su granito de arena cinematográfico sirva para que Irán cambie en profundidad.

Amor en obras (2019).................. 7









Un romance en obras



Mi comentario:

Si uno ve el tráiler de antemano ya sabrá (o llegará a intuir) por dónde irán los tiros, más o menos, en la trama de este film. Una comedia romántica protagonizada por la cantante y actriz Christina Milian (Los fantasmas de mis exnovias), que es la que reconozco más de todo el reparto, y el actor Adam Demos como su partenaire. Junto a estos nos encontraremos con un grupo de secundarios cada cual más pintoresco. Otra película para pasar el rato, si uno no tiene nada mejor que hacer, y además es bastante predecible. El director Roger Kumble empezó bastante fuerte con el remake juvenil de Las Amistades Peligrosas con Ryan Phillippe, Sarah Michelle Gellar, Reese Witherspoon y Selma Blair, titulado Crueles intenciones y estrenado en 1999 para acabar rodando este telefilm que ahora nos ocupa o, mejor dicho, este film sin grandes complicaciones para el canal en streaming Netflix. Mi nota final es de 7/10.

A mi me gustan las películas de Rock Hudson y Doris Day, no me avergüenza decirlo

"Messiah of Evil" (Gloria Katz, Willard Huyck, 1973)

"Os irán atrapando uno a uno y nadie oirá vuestros gritos... ¡¡nadie oirá vuestros gritos!!"


Arletty (Marianna Hill) viaja al pequeño pueblo costero de Point Dune en busca de su padre, un artista plástico que, tras enviarle una serie de preocupantes cartas, ha dejado de dar señales de vida. Una vez allí, empieza a notar el cada vez más extraño comportamiento de los habitantes del lugar, al tiempo que sigue sin haber rastro de su padre...

El matrimonio formado por Willard Huyck y Gloria Katz co-dirige esta atmosférica cinta de zombies, la cual podría enmarcarse dentro de ese oscuro grupo conformado por numerosas películas de terror de bajo presupuesto de los años 70. Estrenada dos años después de rodarse, su argumento nos lleva irremediablemente a pensar en "La Noche de Los Muertos Vivientes" (George A. Romero, 1968) como inspiración, si bien, toda la película se halla impregnada de una atmósfera onírica, con unos personajes (atención al negro albino come-ratas) y ambientación nocturna de calles desiertas que añaden más empaque a un conjunto, por momentos, de pesadilla lovecraftiana. Por otro lado, como puntos negativos se le pueden achacar un ritmo un tanto irregular, una banda sonora compuesta por una música electrónica de lo más chirriante y algunos personajes verdaderamente planos, como por ejemplo Thom, la principal figura masculina que acompaña a Arletty en su periplo. Además de esto, yo añadiría a título más personal, lo poco que me gustó la horrorosa decoración de la casa del padre (y algún que otro detalle más) por recordarme demasiado a los giallos italianos de los que soy muy poco admiradora en general.

En el reparto no encontramos ningún gran nombre, salvo quizás los de los veteranos actores Elisha Cook Jr. y Royal Dano, los cuales interpretan al borracho del pueblo al que nadie cree y al padre ¿ausente? de Arletty, respectivamente. En cuanto a la protagonista, Marianna Hill, para mí cumple correctamente en su papel de 'scream queen' y, a pesar de haberse prodigado poco en el cine (algunos tal vez la recuerden como la mujer de Fredo Corleone en "El Padrino II"), sí fue un rostro bastante habitual en la pequeña pantalla al aparecer en numerosas producciones televisivas de los 60 y 70.

Marianna Hill fotografiada por Brian Hamill en 1973

Resumiendo, la verdad es que esta película algo olvidada sobre muertos vivientes ha resultado ser un agradable descubrimiento. Sin ser ni de lejos una cinta redonda, considero que tiene los elementos suficientes para suscitar interés... aunque las escenas sangrientas no hay quien te las quite en este tipo de películas, aquí se encuentran en su justa medida y, por otro lado, tiene ese toque de ensoñación malsana que hace que me recuerde a otras obras como "Carnival of Souls" (1962) o "Let's Scare Jessica to Death" (1971).


* Escena favorita: zombies en la sección de carnicería del super

Mejor y más divertida que su predecesora. Me lo he pasado muy bien con ese microverso que es internet. Muy bien representado y me he reído mucho con lo del spam y el adblock.

Vanellope muy cuqui y la mejor junto al personaje al que pone voz Gal Gadot.

Lo mejor, las princesas Disney vestidas en plan casual, la entrevista a Groot y el cameo de Stan "Excelsior" Lee.



De lo mejor que ha parido PIXAR. Lástima que para la secuela todavía haya que esperar unos meses y más para que la añadan a Disney Plus.

Alegría hace honor a su nombre.

Pues oye, ni tan mal.

No supera a Toy Story 3 pero es muuuy divertida, especialmente la tienda de segunda mano y el parque de atracciones. Y el personaje de Boo Peep, lo mejor de la película.

El cuervo (1994)........................... 9.5


A título póstumo de Brandon Lee









Mi comentario:


Hacía como dos décadas que no la veía y me ha encantado. "El cuervo" (The Crow, Alex Proyas, 1994) cumple años este 2024, concretamente treinta desde su estreno. Cómo pasa el tiempo y yo cada día más viejo. El cuervo, además de ser el título uno de los recordados cuentos de Edgar Allan Poe, también es el título de una novela gráfica que Proyas convirtió en película de cine en 1994 y se puede decir que con muy buen hacer. Brandon Lee no pudo ver el resultado final, pero su personaje perdurará en la memoria de muchos fans del film, contando a un servidor. Ya digo que hacía mucho que no revisionaba y tengo que aplaudir el buen trabajo técnico, de guion y de efectos visuales para la época y el presupuesto que tuvieron para poder hacerla. Y todavía conservo la potente y pegadiza banda sonora. Mi nota final es de 9.5/10.

Tirón de orejas por haber tardado tanto en ver esta maravilla. Una de las mejores películas no solo de PIXAR sino de la animación en general.

Guión, personajes (22 siempre en mi equipo), fotografía, el Más Allá, animación, todo funciona como un reloj.

Memorable.

Pues hace poco la han reestrenado en cines (realmente no fue reestreno, puesto que con la pandemia su estreno fue directamente en streaming). Yo fui a verla de nuevo al cine. A pesar de que es bastante reciente, había olvidado lo buena que era, y la disfruté casi como si fuera la primera vez que la veía.

Y estoy en racha viendo películas animadas de jazz, ya que poco después he visto "Blue Giant", que también está muy bien aunque me gustó menos que "Soul". En esta ocasión, el jazz no forma parte de la película, sino que es directamente el protagonista principal.

Un deseo irlandés (2024)..................... 6.5











Cuidado con lo que deseas



Mi comentario:

Lindsay Lohan vuelve a la comedia romántica, y lo hace un año después de estrenar "Navidad de golpe", con el largometraje titulado "Un deseo irlandés" (Irish Wish es su título original). Correcta, interesante cinta que, si no llegara a ser estrenada en Netflix, bien podría formar partir del catálogo del canal Hallmark, por ejemplo, porque luce como si fuera un film de su calibre. Lohan estuvo años en el barro, metafóricamente hablando, pero le llegaron estos proyectos y la cosa ha mejorado para ella. Aunque, sé que no son peliculones ni grandes filmes, pero para pasar algo más de hora y media sin pensar en nada más, la verdad es que cumplen con su cometido. Lo mismo pasa con la que ahora nos ocupa. A los fans del género yo creo que les gustará. Mi nota final es de 6.5/10.

Pues muy bien El Astronauta y Adam Sandler demostrando que se defiende muy bien en el registro dramático.

Mola el bicho (a pesar de mi aracnofobia) y su doblaje así como las disertaciones entre ambos personajes.

Muy recomendable.

Un amor



https://pics.filmaffinity.com/un_amo...8292-large.jpg

Turbadora, asfixiante y llena de matices así es la última película de
I Coixet basada en la novela de S Mesa. L Costa interpreta a
a una joven traductora para inmigrantes
en situaciones de riesgo en un crudo momento vital que decide abandonar la
ciudad y trasladarse a un pueblo pequeño a una casa
destartalada.
Allí empieza a entablar relación con
distintos vecinos como una aparente familia feliz, un casero hostil, un hippie invasivo.. originandose
una serie de conflictos del día a día que en ese apartado lugar adquieren otra dimension.

Andreas un hombre tosco, solitario y sincero
se acerca a la prota con intenciones
claras.. un truque inaudito comenzando una extraña relación que hundirá aún más a
una mujer ya de por sí herida.
Alguien que no está bien y encima llega a un sitio lleno de impresentables.
Con una historia incomoda y aparentemente incomprensible
entre Nat y Andreas que plantea donde está
el parametro de lo deseable o no.

Un animal maltratado se convierte en el único apoyo emocional
de la forastera. Coixet respetando la obra original se ha
permitido concesiones como el catártico final, quizás algo de alivio finalmente…

No la puntuo más porque no soporto a H Silva,le quita merito al conjunto,qué hartazgo.No sé como la Coixet lo ha metido en una peli tan especial.
Me encanta la cancion de la peli.


7.3/10

Hannaben, se te ha echado de menos por aquí

"Amok" (Fyodor Otsep, 1934)

- Amok: Entre los malayos, ataque de locura homicida.

En una colonia holandesa situada en un país del trópico, el doctor Polk vive apartado de la civilización en medio de la selva con la única compañía de los nativos y el alcohol. Tratando de saldar las deudas contraídas por un amorío que salió mal, su trabajo le lleva a visitar aldeas donde de tanto en tanto los nativos se ven afectados por el amok, una extraña enfermedad que los lleva a desarrollar una especie de frenesí asesino. Un día, recibe la visita de Hélène Haviland, una mujer casada que espera un hijo de su amante (Jean Servais) y solicita su ayuda para abortar. El médico, aún quedando totalmente embelesado por Hélène ("Llevo cinco años viviendo en este agujero. No había visto hasta ahora una mujer blanca. Una mujer de verdad" - dice, menospreciando a las mujeres indígenas), se ve herido en su orgullo cuando esta le ofrece dinero a cambio de la operación, por lo que se inicia una disputa entre ellos que termina cuando la mujer se marcha del lugar visiblemente ofendida. Después de este incidente, el médico no puede sacarse a Hélène de la cabeza hasta el punto de convertirla en su particular amok ("Yo no estoy loco, quiero su perdón. Y estoy obsesionado también por la necesidad de ayudarla. Ese es mi amok."- afirma). Así pues, tratará de contactar con ella por todos los medios a pesar de recibir una negativa tras otra. Sin embargo, todo se precipitará cuando, de manera inesperada, el marido de Hélène anuncia su inminente vuelta, lo cuál desembocará en una serie de hechos con trágicas consecuencias...

Película francesa que adapta la novela homónima del escritor Stefan Zweig. Dirige Fyodor Otsep, un realizador ruso en el exilio cuya existencia, la verdad sea dicha, ignoraba hasta este momento. Consultando sus trabajos, veo como único punto de referencia conocido que también fue guionista de la delirante "Aelita: Reina de Marte" (1924), la primera superproducción soviética de ciencia ficción. Pero volviendo a "Amok", la primera parte de la cinta, notablemente filmada, transcurre en plena selva y, aunque resulta evidente que fue rodada dentro de un estudio, la recreación no deja de ser buena y los planos cortos contribuyen a hacer más verídica la sensación de agobio que experimenta el protagonista, así como su irritante personalidad. La segunda parte de la acción tiene lugar en un ambiente colonial y blanco, y el tono de la cinta pasa a ser el de un melodrama más convencional, si bien la excelente fotografía y una cuidada puesta en escena, siguen estando vigentes hasta su escena final... una secuencia de lo más dramática que no dejará indiferente.

Ivanovna

Qué aportes especiales traes,habrá que ver algo cuando se pueda

Cierro, por el momento (todavía ha dirigido dos largos más que no tengo disponibles, además de algunos cortos), el miniciclo dedicado al cine de Jafar Panahi con el visionado de sus dos primeros largometrajes, ambos protagonizados por niñas pequeñas (que, para mayor similitud, son hermanas).

El globo blanco (Badkonake sefid, 1995)



Con guion del prestigioso Abbas Kiarostami, a partir de una idea original de Panahi y Parviz Shahbazi, la película nos cuenta un pequeño incidente, poco más que una anécdota, en la vida de una niña pequeña. Razieh (Aida Mohammadkhani) pide dinero a su madre para comprar un pez de colores. De camino a la tienda, se entretiene viendo un número callejero con una serpiente que anteriormente su madre le ha impedido ver: la curiosidad de la niña rompe con la prohibición, que parece impedir ver estos espectáculos a las mujeres. Allí uno de los encantadores de serpientes le coge el dinero, creyendo que es su contribución al espectáculo. Lo recuperará solo después de lloriquear y de alterar el orden tradicional. Pero antes de llegar a la tienda el billete cae dentro de una rejilla en la puerta de un local cerrado. El resto del film nos contará los intentos de Razieh y su hermano Ali por recuperar el dinero, para lo que piden ayuda al tendero de al lado, sin éxito, y a otras personas que pasan por la calle (entre ellos un soldado).



Al final, gracias a la ayuda de un vendedor de globos afgano, conseguirán recuperarlo y comprar el pez. El último plano nos muestra al joven vendedor con el globo blanco que da título al film.





La sencillez de la propuesta argumental obliga a preguntarse qué hay oculto detrás de una película que intuimos crítica con el sistema, pero que a nuestros ojos resulta trivial, aunque encantadora. Quizá esa curiosidad excesiva de la niña, rompiendo normas de la ultraconservadora sociedad iraní, o puede que la presencia del muchacho afgano. En todo caso, Panahi, como en muchos de sus films, despliega ante nuestros ojos un vivo catálogo de personajes extraídos de las calles de Teherán.

El espejo (Ayneh, 1997)



Y de las calles de Teherán, una populosa ciudad con un tráfico agobiante, caótico y ruidoso, trata El espejo. También para ello Panahi se sirve de una niña pequeña, interpretada por la hermana de la niña del film anterior, Mina Mohammadkhani. La anécdota argumental es simple (esta vez el guion lo firma en solitario el propio Panahi): Mina espera en la puerta del colegio que su madre la recoja, pero no aparece. Pasan los minutos y decide irse a su casa sola, a pesar de las dificultades, ya que no sabe la dirección y es incapaz de reconocer la geografía urbana, que parece engullirla con hostilidad. Se sube a motos, a coches, a autobuses, yendo de aquí para allá. Pero algo sorprendente ocurre a la mitad de la película. Lo que hasta entonces era una ficción naturalista se rompe: Mina mira a cámara, exige que la dejen de filmar, se desprende de la falsa escayola que lleve en su brazo izquierdo y decide abandonar el rodaje, bajarse del autobús y volver a casa por su cuenta y riesgo (porque lo que nos muestran las imágenes, una pequeña niña inmersa en el horrible tráfico de Teherán, parece de lo más peligroso).



La película pasa a ser a partir de ese momento un documental (¿o no?) que nos muestra los intentos de Mina por encontrar el camino a casa. Para ello se la filma a distancia, con teleobjetivo, a menudo tapada por los coches, con el solo apoyo del sonido ambiente y de sus diálogos con las personas con las que se relaciona, ya que continúa llevando el micrófono del rodaje. Evidentemente, uno se pregunta hasta qué punto lo que vemos en esta segunda parte, que elimina por completo la convención ficcional, sucede tal como se nos ofrece a la vista o es todo una puesta en escena, realmente brillante si es así. La duda se mantiene hasta el final. Esa segunda parte, quizá un poco larga y reiterativa, acaba siendo, no obstante, casi hipnótica, destacando la “interpretación”, si es tal, de Mina, tan encantadora como su hermana Aida, pero mucho más decidida y vivaracha, con un carácter que se impone al del equipo de rodaje. Un film de una gran originalidad.