Vaya, Otto! Justamente la foto que no veo es la de Samantha Fox! :furioso :lengua
Postdata: se ven todas. :agradable
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Vaya, Otto! Justamente la foto que no veo es la de Samantha Fox! :furioso :lengua
Postdata: se ven todas. :agradable
Queda el inefable sabor de que había material para que el conjunto no se resintiese por resultar algo disperso. Film muy de estudio.
Sophia Loren también guarda buen recuerdo de él durante el rodaje de "La sirena y el delfín".
Ya, es lo malo del coleccionismo, encontrar a veces....y encima si vives en una casa con quince cuartos de baño ya no digo ná :picocerrado
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Ya me dedicaré más pronto o más tarde a arrancar un ciclo denominado "cuerpos de cine", y hasta donde el foro me permita rozaré sin sobrepasar la delgada línea roja de lo mostrable y de lo que no lo es :cigarro
Me apunto a ese super-hilo de cuerpos de cine. Entonces, todo era real y no la mier....de photoshop de las influencers de cartón piedra. :fiu
Venga, segunda reseña de las cuatro que tengo que subir a este hilo:
LA FIEBRE DEL ORO ("Lust for gold"; 1949, S. Sylvain Symon/George Marshall -no acreditado-). Columbia Pictures.
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El director S. Sylvan Simon (1910-1951) con Glenn Ford (1916-2006) e Ida Lupino (1918-1995) entre tomas del film.
Otro semi western, aunque con hechuras más clásicas del género que La novia de acero, pero superior al de WB en su resultado artístico. Una pequeña joya descubierta por casualidad como inclusión en mi miniciclo dedicado a la muy talentosa y magnética Ida Lupino en su faceta de realizadora con la misión de cubrir la vacante de "Hard, fast & beautiful".
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El descubrimiento de este film no se circunscribe únicamente al placer de visionar un film del que no tenía constancia y contaba con un elenco atractivo, sino también significa adentrarme en la filmografía de un realizador (y productor) que desconocía hasta la fecha, S. Sylvan Simon. Procedente de la Metro en su fase profesional inicial, finales de los años 30', recala a finales de la siguiente década en Columbia -de todos los grandes estudios norteamericanos, tal vez, el que tuvo una adolescencia más discreta- recalando él precisamente al albor del gran amanecer del estudio. Lamentablemente no viviría para verlo en su apogeo, debido a un prematuro fallecimiento.
Por el camino dejó una filmografía "suave", sin grandes títulos de relumbrón (a mí al menos me suenan muy pocos), habiendo dirigido a Red Skelton, Abbott y Costello, Wallace Beery, la perra Lassie, y ya en Columbia, a Franchot Tone o a Lucille Ball. Además se convirtió en productor a mediados de los 40', siendo este film y el mucho más célebre "Nacida ayer" (1950, George Cukor) una muestra de su visión artística, truncada sin apenas comenzar. Puede que el cine se perdiera un nombre llamado a hacer cosas importantes.
Haciendo breves indagaciones, "La fiebre del oro" parecía ser un proyecto que en su inicio iba a dirigir George Marshall -director de uno de los vehículos al servicio de la pareja Alan ladd-Veronica Lake, "La dalia azul", o de uno de los segmentos de la superproducción "La conquista del Oeste", pero diferencias creativas hicieron que ambos no llegaran a ponerse de acuerdo y fuera el productor el que terminara por llevar las riendas personalmente del proyecto.
¿Qué es lo que hace de este film un producto curioso? Lo primero, que en su metraje discurren dos líneas temporales diferentes, una en la actualidad (1948) y otra unos 60-70 años antes, que es la que domina el relato, estando ambas interconectadas por un personaje masculino desdendiente de otro que vivió en el siglo XIX. Lo segundo, el mestizaje de géneros, muy afinado, y en el que predomina una poderosa fragancia de "cine negro" y "thriller policial", esta segunda noción de thriller aplicada al metraje ambientado en el "presente".
La película utilizará técnicas narrativas muy en boga por entonces, un largo flashback para contarnos toda la historia del tesoro o fortuna que es objeto de deseo a lo largo del film, y una voz en off que será aplicada al "presente", que parece recogida por su personaje como si estuviese grabando sus incidencias a modo de diario en una cinta.
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El film, el mcguffin, no es otra cosa que una enorme fortuna ocultada en la sucesión de montañas desérticas de las Rocosas del estado de Arizona, y toda la leyenda que el paso de los años no ha menguado a tenor del registro de gente, de curiosos que se adentraron en el terreno a probar suerte en su búsqueda y que en un giro del destino les solucionara la vida.
Como curiosidad, tengo que reseñar que parece ser que la historia de este "botín" está basado en hechos reales, por lo que tú, lector que me estás leyendo, comprendería hasta cierto minúculo punto que esta revelación pudiera interesarte una micra teniendo en cuenta lo jodidilla que es la vida :cuniao. No en vano, el film está basado en un libro publicado en 1945 llamado "Thunder Gods' Gold", aunquese variaron muy considerablemente ciertos pasajes en su adaptación. El autor del libro responde al nombre de Barry Storm, que, ostras, también es el nombre del primer humano que aparece tras los títulos de crédito del film, y que está encarnado por William Prince (Objetivo Birmania, 1945; Callejón sin salida, 1947; La trama, 1976).
Se nos cuenta que Barry es el nieto de un antiguo inmigrante alemán que vivió durante el siglo pasado en la zona y que ha venido para buscar información sobre sus orígenes. Incluso llegará a entrevistarse con alguien que llegó a conocerle, una anciana que deja bien claro que aquél hombre, Jacob 'Dutch' Walz (entonadísimo Glenn Ford), era como mínimo un hijo de perra sin escrúpulos. Un paso por la comisaría de la localidad bajo cuya jurisdicción se halla la cadena montañosa instruirá bien al recién llegado sobre todo lo que se cuece en torno a ese nombre.... y la leyenda de la fortuna tan suculenta que no pocos creen que no se trata más que de un cuento de viejas.... de no ser porque varios merodeadores que fueron vistos en las proximidades de Superstition Mt. (toma ya con el nombre!) han aparecido muertos, asesinados, incluso recientemente. Las investigaciones sobre la identidad del o de los asesino(s) han sido infructuosas. Nada, niente, cero.
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Queda clara una cosa: Barry es el nieto del último propietario de la mina de oro.
Hay más. La leyenda del filón, del oro, alcanza rivetes ya casi místicos durante la cronología popular que aborda la leyenda. A mediados del siglo XIX ese portentoso hallazgo fue motivo de una cruenta batalla entre la cuadrilla de hispanos, capitaneados por los hermanos Peralta, y los indios apache. Los primeros fueron masacrados por los segundos, y los nativos se encargaron dificultar el acceso al lugar para que nadie más soliviantase las creencias que, piensan, la montaña sagrada oculta.
Entrando ya en el auténtico meollo del relato, nos presentan a un Glenn Ford huraño, irrascible y desconfiado hasta de su propia sombra, pero con instinto de supervivencia y de la oportunidad, un observador nato, lo que le hace particularmente peligroso pues estaría dispuesto a todo por cambiar su vida de mier...
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Y ese instinto le hace fijarse en un reducido grupo de personas foráneas que hace que levante la ceja, además que hablan español de forma cauta, pero nuestro antihéroe tiene buenos oídos. La curiosidad le lleva a seguir a dicho grupo, pues recuerda que no todos los hermanos Peralta perecieron en la emboscada apache décadas atrás. ¡Bingo!, Jacob acabará encontrando la gloria ante sus ojos, previa utilización de su revólver. De vuelta a la ciudad de Phoenix, toda una muchedumbre se agolpa en torno a Jakob, que se ha traido una ínfima parte de lo atesorado en la gruta; le siguen adonde quiere que vaya pues él mismo se regodea de su éxito en público. Eso sí, maltratado como se ha sentido a lo largo de su vida, lógicamente se guarda el secreto de la localización del oro con muchísimo recelo.
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Esta muchedumbre atrae también la curiosidad de la panadera de la ciudad, Julia Thomas (otra lección de Ida Lupino), que al igual que el recién millonario, tampoco es que le apasione cómo ha ido su vida y tampoco tiene una reputación limpia entre sus conciudadanos. Ésta está casada con Pete (Gig Young), otro hombre que arrastra un pasado turbio, en lo que parece un matrimonio de "conveniencia incoveniente" más que por cariño mutuo.
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Lo cierto es que tras una noche de juerga, el personaje de Glenn Ford acabará despertando en una habitación que le es desconocida, y lo primero que saltará en su instinto será comprobar que las monedas que le dieron por el oro siguen ahí y no han aprovechado para robárselas mientras estaba durmiendo la mona. Pues no, siguen ahí.
Y hasta aquí voy a leer..... que decía Mayra Gómez Kemp.
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"Lust for gold" se estrena un año después de films mayores como son "El Tesoro de Sierra Madre" o "Cielo amarillo", y en línea con lo mostrado magistralmente en aquellos films, la codicia, la amargura, la ambición y el vender el alma al diablo por subir en el ascensor social de la época para no sentirse humillado forman el núcleo del relato. Y el amor también, que en "Cielo amarillo" se iba tornando muy lentamente superando dificultades y puliendo personalidades propias. Sin embargo, respecto al film que reseño sólo puedo decir una cosa, ¡¡que tire la primera piedra quién no esté libre de pecado en este film de una manera u otra!!
Y es que el equilibrio entre el complicado triángulo de personajes de la subtrama central pende de una soga que se va deshilachando, de un arrebato histérico que se desate. La química entre Ford, en la nómina de su estudio como uno de sus principales baluartes, y Lupino, es un placer ver a esta mujer como registra cada uno de los estados anímicos posibles, resulta hasta tierna, mientras que Gig Young realiza con convicción una composición de lo más adecuada como contrapunto a la pareja; nada mal para quien fue un gran actor secundario de la historia del cine norteamericano.
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Por comparación con "La novia de acero", el film de Ladd se muestra claramente más subdesarrollado y precipitado que el que aquí ahora comento; su desarrollo no decae, su ritmo no se estanca, el argumento estimula, los personajes se hacen querer (a su manera); incluso hay algún momento humorístico de lo más simpático que tiene como receptor a un niño.
Por pornerle una pega, la subtrama policíaca ambientada en el presente con el personaje del nieto, Barry, adolece del factor "emotivo" y todas las variantes asociadas a ese calificativo entrecomillado que lanza a la línea argumental central de la historia. No obstante, los clímax finales de ambas líneas temporales están MUY bien resueltos en mi opinión. Con energía y paciencia, con suspense y expectación, con acción y teatralidad, espectacularidad e intimidad.
En el aspecto técnico destacaré la fotografía, especialmente de exteriores, de Archie Stout (1886-1973), entre cuyo currículum destacan títulos como "Beau Geste" (1939, William A. Wellman), "Extraña confesión" (1944, Douglas Sirk), la mencionada "Hard, fast and Beautiful" (1951), "Never Fear" (1950) y "Ultraje" (1950), todas ellas dirigidas, mira por donde, por la propia Lupino, o sus asociaciones con John Ford y/o John Wayne: "Fort Apache" (1948), para ambos; "El sol siempre brilla en Kentucky" (1953), para Ford; "El gran Jim McLain" (1952), y otros ¡cinco! títulos para Wayne como actor. Fue solicitado pues tanto por Lupino como por Wayne para sus producciones.
No puedo mas que recomendar este escondido film a aquellas personas que gusten de contemplar muestras de celuloide sólidas en todos sus aspectos. Una historia absorbente construida sin prisa pero sin pausa y que garantiza unas interpretaciones generosas en su resultado final. No de la mejores de sus respectivas carreras, pero sí punzantes, con momentos vibrantes.
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Y respecto a su director principal acreditado, Sylvan Simon, perfectamente ésta podría ser una de las mejores entradas de su larga filmografía para tan breve vida.
Sobre el director S. Sylvain Simon: Lucille Ball credited him with recognizing and honing her slapstick skills (prior to I Love Lucy), when he directed Her Husband’s Affairs (1947) and produced The Fuller Brush Girl (1950). Skelton called Simon his favorite director. From 1949 to 1951, Simon was Vice-President in charge of production at Columbia, second-in-command to the famously demanding Harry Cohn. In that capacity, he produced Born Yesterday (1950), which won its star Judy Holliday an Oscar. Just before Simon's untimely death, he was assigned to produce From Here to Eternity (1953), and had author James Jones as a house guest while they conferred.
http://davidctucker.blogspot.com/201...n-in-2020.html
Sobre la admiración que se profesaron durante el rodaje Glenn Ford e Ida Lupino: Filming Lust For Gold was a grueling experience and Ida Lupino was a real trouper in the tough locale and so impressed Glenn that he told her, “The two really fine actresses I’ve worked with are you and Bette Davis.“ She in turn told a visiting reporter that Glenn Ford and Richard Widmark were her favorite costars, quite an endorsement since Ida had worked with just about everyone in the business in her 20 years of show business.
Gracias Otto+, este título lo editaron en DVD en nuestro país. Es una buena película totalmente desconocida.
Merece la pena ser descubierta.
CHILD PLAY (2019)
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Me esperaba otro remake basura del montón y me llevé tremenda sorpresa.
Si, se extraña mucho el elemento voodoo, pero aparte de eso me ha parecido una película de lo más entretenida que acierta en todo lo importante. Las actuaciones son geniales, así como las escenas de gore.
Por fin un remake que se nota hizo un esfuerzo creativo por ser una buena película y no solo colgarse de la fama de la original.
Me arrepiento mucho de no haberla visto en cine ¿Como es que solo escuché malas críticas?
Reconozco humildemente que es otra de esas películas (me refiero a la versión original, por supuesto) que jamás he visto...
:blink
... y la verdad, dudo que vaya a ver aunque últimamente le estoy cogiendo gusto al cine de terror (no gore :digno) por el que nunca, salvo los clásicos más incontestables, había tenido especial interés.
:)
Así es: una de las pocas veces que dan con el punto (asumiendo que los putos remakes son inevitables) con la reproducción de la premisa pero yendo por un lado nuevo.
Chucky es un género en si misma. Es slasher pero lo que es Chucky es... Sólo Chucky. La primera es cortita, un clásico, tiene escenas logradas y al verla se tacha un clásico ochentero que definen unos años y un género.
Luego tiene dos secuelas que siguen esa estela. A mi no... En fin, bien, pero no digo nada.
Pero desde la 4a hasta la 7a pilla el mando el creador de la saga y la cosa se dispara. Ni terror ni nada. Es puro cachondeo (bueno, la 6a es un estimable retorno al terror logrado y la 7a rollo manicomio y tal, curiosa) porque Chucky, que en las 3 primeras daba miedo, se convierte en un puto animal muy divertido. Imprescindible VO porque Brad Dourif se marca unos momentos brutales.
En serio, se les va mucho la castaña.
Del tipo.. Chucky y su pareja ahí a punto de darle al sexo cuando ella le pregunta si lleva una goma.... Y él dice que, joder, que está todo él hecho de goma :lol :lol :lol :lol :lol
Revisada anoche To Rome With Love (entiendo que su autor no le guste el título :D) de Woody Allen. Esta me gusta, con sus cuatro tramas diferenciadas, todas ellas muy Allen y casi apelando a épocas distintas sin que ninguna no sea puramente reconocible. Como en Midnight in Paris, claro, pedazo fotografía de Darius Khondji y promoción de la ciudad...
-La trama en la que sale Allen creo que, por lo menos para mí, es la inauguración de Allen actual en cuanto a presencia e interpretación (se le nota ya pues.. eso, con sus años, más lento y tal, pero clavando bien sus líneas claro), una habitual de su cine como Judy Davis y un cachondeo cojonudo, de los que Allen no es explícito sino que deja que te partas el culo tu mismo, con lo del padre de la pareja de su hija: cantando ópera en la ducha en pleno escenario :lol
-La trama de Roberto Benigni es cojonuda por lo absurda que es y tampoco hay mucho que rascar (la intención es obvia, claro).
-La de la pareja que llega a Roma mola mucho y apela bastante al Allen reciente (en A Rainy Day in NY ocurre algo similar), con ambas partes, mojigatos, conociendo la pasión. Él con una Penélope Cruz cojonuda y con un portento físico presencial que deja al resto del cast femenino anglosajón fuera de juego :D
-La de Eisenberg/Baldwin, Page y Gerwig es la más Allen ochentera/noventera, se ve venir todo, el punto imaginativo con el personaje de Baldwin no me va (por él, creo...), pero Eisenberg casa bien con el cine de Allen, Page logra el punto necesario que requiere su papel y Greta Gerwig (futura autora de Lady Bird y Little Women) está, bueno, es que a mi esta mujer me cae muy bien :)
Nueva mención a BCN:
- I'm interested in Gaudi.
+ Huh.
- Antonio Gaudi. I mean, for me, La Sagrada Familia is poetry in stone
:atope
Ah! Y sale, brevemente, Vinicio Marchioni, mítico Freddo de Romanzo Criminale.
Pues yo, que en los últimos años he pasado del niño asustadizo que huía del terror como Forrest Gump, al coleccionista afanado en tener lo mejor del terror de las distintas décadas y hasta del casposo (solo unos casos) ochentero, tengo casi toda la saga del muñeco diabólico y apuntada en el debe esta última entrega, que al final, por lo visto, no es ni mucho menos tan mala como se la calificó en sus primeros momentos.
De la original hay una buena edición, pero de distribuidora dudosa. Yo la tengo.
A mi no me van este tipo de películas, salvo los clásicos de los años 30 de la Universal, la Hammer, muchas de los años 50/60 y algunas mas reciente como "Alien, el octavo pasajero" o "La niebla" (de Frank Darabont),a mi no se me ocurre siquiera echarle un vistazo a este Chuky...:sudor :rubor :cuniao
He visto :
Sinister
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Un periodista viaja con su familia a lo largo y ancho del país para investigar terribles asesinatos que luego convierte en libros. Cuando llega a una casa donde ha tenido lugar el asesinato de una familia, encuentra una cinta que desvela horribles pistas que van más allá del esclarecimiento de la tragedia.
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Ethan Hawke se pasa toda la peli con el mismo jeto y chaqueta,no sé cómo Schrader consiguió algo de provecho del maromo (que a mí me gusta y me cae bien peero muy justito como actor eh)
Pasable peli....le falta fuerza y determinación,consigue algunos momentos atractivos...importante que vaya de menos a más,al inicio apetece quitarla porque te aburres... Por el combo total le doy un:
5.5/10
Yo es que, pese al cague ya citado, tuve ocasión en esa época de ver Poltergeist, en cine, y la saga de Pesadilla en Elm Street, que alquilaba mi hermano :sudor Es últimamente cuando disfruto ya de pelis de terror como las de Expediente Warren, It y secuela, No respires, La visita, Un lugar tranquilo, Hereditary, etc...
hanaben, puede ser que en Sinister Ethan Hawke no sea un dichado de virtudes, pero en mi opinión es un actorazo. Lo he visto en decenas de películas y siempre me complace enormemente. Obviamente, creo que Richard Linklater con la famosa trilogía o con la magnífica Boyhood, es quien mejor le ha sacado provecho.:)
Mmm amigo tomas a mí me parece flojillo,lo que sí me agrada es su modus,la carrera que lleva...en los proyectos que se involucra y vuelvo a mi familia,una de mis titas estaba in love total con él en la peli aquella de la Generación X.
A ver en la de Eggers que participa con ese fabuloso elenco y CLAES BANG este sí que me parece toda una sorpresa desde que lo vi en THE SQUARE.
Expandiendo horizontes...
FIRST REFORMED (2017, EL REVERENDO (FIRST REFORMED))
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Estreno: 30 de agosto de 2017 (Festival Internacional de Cine de Venecia); 18 de mayo de 2018 (EUA); 28 de septiembre de 2018 (España).
Dirigida y escrita por Paul Schrader.
Fotografiada por Alexander Dynan (en 1.33:1).
Musicalizada por Lustmord (Brian Williams).
Protagonizada por Ethan Hawke (Toller), Amada Seyfried (Mary), Cedric Antonio Kyles (Jeffers), Victoria Hill (Esther), Philip Ettinger (Michael), Michael Gaston (Balq).
- Nominada al Oscar al mejor guion original en 2019 -
De tanto mirar hacia atrás a uno acaba por dolerle el cuello… :viejo
Hace varios meses tuve la oportunidad de revisar la segunda película como director del siempre estimulante Paul Schrader (1946), HARDCORE (UN MUNDO OCULTO) (1978), especie de remake encubierto de CENTAUROS DEL DESIERTO (1956) de John Ford y ya entonces comenté las muchas virtudes que atesoraba la película, donde destacaba especialmente el formidable trabajo interpretativo del gran y peculiar George C. Scott (1927-1999). Y digo lo de peculiar porque en 1971 tuvo el gesto inusual de rechazar el Oscar justamente ganado por encarnar al general Patton en la película homónima de Franklin J. Schaffner.
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Schrader, que primero comenzó como guionista, con títulos tan míticos como YAKUZA (1974) de Sydney Pollack – seguramente una de sus mejores (y más subestimadas) películas – o FASCINACIÓN (1976) de Brian De Palma y que encontraría su mejor colaborador en la figura de Martin Scorsese (1942) para el que escribiría seguramente sus mejores obras, TAXI DRIVER (1976) y TORO SALVAJE (1980), ambas protagonizadas por el hoy completamente desnortado Robert De Niro (1943), pronto combinaría dicha faceta con la de director en una carrera ciertamente irregular pero no por ello menos apasionante.
PRIMERA (IGLESIA) REFORMADA, que es la traducción más correcta al castellano del título original de la película, hace referencia a la pequeña iglesia en la que oficia el reverendo Ernst Toller (un soberbio Ethan Hawke), situada en el estado de Nueva York y que está pronta a cumplir 250 años de existencia.
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Aunque la iglesia, el edificio en sí, tendrá importancia en la trama de la película, con los preparativos que sus superiores, a la cabeza de los cuales se encuentra el pastor Jeffers (Cedric Kyles), pretenden celebrar ese cuarto de milenio de existencia, los cuales serán generosamente donados por el poderoso empresario Edward Balq (Michael Gaston), la misma se centrará en la figura del solitario y autodestructivo reverendo y su relación particular con dos de sus feligreses.
Dado que es una película reciente no haré más que un breve comentario sobre la misma, aunque me gustaría indicar desde un principio que me ha parecido una cinta espléndida, con una impecable puesta en escena minimalista de Schrader, donde destaca por un lado el uso del formato 1.33:1 (por expreso deseo del director, tal y cómo se indica en un cartel al inicio de la película y que fue el imperante en el cine mudo (de 1895 a 1932)) y por otro lado el tratamiento del color hacia unas tonalidades crepusculares, muy acordes con la historia que el propio protagonista nos narra en off y a través del diario en el que se ha propuesto escribir durante todo un año y en el que plasmará sus dudas e incertidumbres.
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- No deja de ser curioso que en los últimos tiempos directores tan dispares como Robert Eggers (EL FARO (2019) o Pawel Pawlikowski (IDA (2013), COLD WAR (2018)) se hayan puesto de acuerdo a la hora de usar formatos de cine en desuso, más propios del cine mudo o de principios del sonoro (los que van del 1.19:1 al 1.33:1) o el más tradicional 1.37:1 e incluso alternar el AR de la película durante la proyección (como en el caso de GRETEL & HANSEL: UN OSCURO CUENTO DE HADAS (2020)), además de volver al blanco y negro o a un tratamiento muy cuidado del color, consiguiendo asombrosas composiciones cromáticas. -
Si como decía HARDCORE bien podría ser un remake de la obra maestra de John Ford, igualmente FIRST REFORMED (permitidme usar el título original) podría serlo de la igualmente mencionada TAXI DRIVER, sin duda el título más mítico tanto del tándem Scorsese / De Niro.
Y es que el personaje, como decía, magníficamente interpretado por Ethan Hawke acabará por asumir como propias las obsesivas ideas de Michael (Philip Ettinger), el esposo de Mary (una también excelente (y hermosa) Amanda Seyfried, embarazada en la vida real como el personaje que encarna), acerca de la imparable degradación medioambiental, hasta llevarlas hasta sus últimas consecuencias.
Una respuesta contundente a un problema acuciante como es la supervivencia del planeta y de los seres que en él habitan frente a la desidia de las autoridades y, especialmente, frente a la indiferencia de un Dios del que hasta el protagonista empezará a poner en tela de juicio.
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Schrader tomará de sus maestros, Ingmar Bergman (1918-2007), Robert Bresson (1901-1999), Carl Theodor Dreyer (1889-1968) y Yasujirô Ozu (1903-1963), elementos argumentales y/o de puesta en escena (del primero, el silencio de Dios; del segundo, la figura del sacerdote que parece extraída de JOURNAL D’UN CURÉ DE CAMPAGNE (1951); del tercero, la (im)posibilidad de un milagro; del cuarto, el ascetismo en la puesta en escena) y conseguirá, al menos para mí, sino la mejor película de su carrera, algo imposible de afirmar puesto que desconozco todavía buena parte de su filmografía, sí una de las mejores películas de los últimos años.
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Una película que empieza y termina de forma magistral (aunque un tanto ambigua, todo sea dicho, quizás de ahí su grandeza), desarrollada a partir de un magnífico guion (por cierto, por primera vez nominado a los Oscar, algo incomprensible a estas alturas…) y donde, por destacar algo dentro de un todo extraordinario, me gustaría mencionar la delicada historia (¿de amor?) que se establece entre el reverendo y la joven (y embarazada) viuda, consiguiendo alguna de las imágenes más hermosas (y subyugantes) del cine norteamericano contemporáneo.
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Aunque yo diría, como mencionaba antes, que los referentes cinematográficos de Schrader no vienen de su propio país sino de Europa y de Asia.
Una película tan asombrosamente buena que tenía pendiente de revisión y que como única excusa para la dilación de su visionado es la acumulación de títulos que hacen tambalear mis cada vez más atestadas estanterías.
Una obra compleja y abierta a múltiples interpretaciones.
En definitiva, de visionado obligado.
Y Ethan Hawke, soberbio. :digno
Feliz noche y, buena suerte.
:)
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P.D. Y la cuestión no es si Dios, caso de existir, nos perdonará...
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... sino más bien si nosotros seremos capaz de perdonarle a Él.
:digno
Me ha encantado la review.Es una gran peli.Y Schrader pasa tanto del sistema le supo mal la no nominacion de Ethan por el actor pero a él....da toda la pinta de ser un iluminao fuera del juego totalmente a lo Ferrara y alguno más
....esas conversaciones con Marty.
Respecto al codiciado premio de la industria, Schrader conversó con Vulture semanas antes de saber que su último trabajo sería elegido entre los cinco mejores del año, algo que a este artista le parece extraño: "Sabes, no puedo realmente pensar en eso. Recuerdo haberle dicho a Marty (Scorsese) en un momento, porque estaba obsesionado con el premio, y le dije: 'Si tu prioridad es obtener un Oscar, necesitas una nueva prioridad'", afirmó al medio norteamericano.
Me salto las citas a "El reverendo" porque la tengo próximamente lista de estreno en casa. Pero dudo muchísimo que no me llene. "Aflicción" ya fue contundente.
Min 0:36, joder, aaahahahahaha
https://www.youtube.com/watch?v=-DP3dwP4OZ0