Las últimas pelis que has visto en casa

Anoche, siguiendo ciclo Hitchcock, tocó revisión de Torn Curtain (1966) y en este caso la película siempre me pareció extrañamente floja para quien la firma, y anoche mantuve dichas impresiones.

Leo que el estudio impuso a Hitchcock los casting de Paul Newman y Julie Andrews (que venía de Mary Poppins y Sound of Music, toma ya). Quien sabe si sumando director, y actores, hablamos de los más famosos de Hollywood entonces. Pero no me cuadran ambos Newman-Andrews como actores para Hitchcock. Los veo fuera de lugar. Andrews todavía tiene algo pero su personaje, rozando la dama en apuros, no es propio de su cine (estética y tal sí; que para 1966 ya andaba eso un poco fuera de moda o ya era más clásico; Wilder se adaptó mejor, la Irma de MacLaine o la Pamela de Juliet Mills...); pero es que Newman está en otra órbita. Sin carisma, ni gracia (salvo la primera escena en la cama), repleto de tics y manerismos que intuyo eran de su cosecha.

Parece que Hitchcock quería a Grant y a Marie Saint. Imposiciones aparte Newman también representa otra forma de interpretación alejada de la más clásica, de presencia y carisma posicionales, macho alto y fuerte, de Grant y cia, aunque si que aporta plausibilidad como científico joven y moderno en la Estados Unidos de 1965.

Algo que tampoco me va es que toda la trama tampoco reviste demasiado interés ni ocurre gran cosa* y lo peor es algo extraño, que no termino de pillar, con Hitchcock alargando escenas de forma muy extraña. Lo entiendo en la del asesinato de Gromek pues vemos lo difícil que es acabar con la vida de una persona, pero toda la parte del autobus, o la de la oficina de correos o la final en el teatro (antes de que Michael grite fuego) son muy largas (y este film con 10-12 minutos menos saldría ganando).

El momento en el que Lindt se da cuenta de lo que está haciendo Michael tiene su punto.

La escena que me conmueve, y es un pequeño oasis, es la de Lila Kedrova como la condesa Kuchinska. Además su extraordinaria interpretación, en la que se percibe su desesperación, entra en contraste alarmante con Newman y Andrews, sobre todo el primero. Joder, ¿le pasaba algo a Newman? Pedazo ojos azules pero hoygan...

Es curioso que tanto Hitchcock como Wilder, de trayectorias parecidas en cuanto a tiempo (aunque la parte del primero como director en Inglaterra equivale a la del segundo como guionista ya en Estados Unidos), terminaran ambos su carrera con films ambientados/rodados en Europa. Aunque Wilder, ciertamente, nunca dejó de ir (real o no, a veces se rodaba todo o casi en California) (también todo él era más europeo) mientras que Hitchcock, una vez en Estados Unidos, se movió principalmente por dentro del país en cuanto a rodaje y ambientación. En el caso de este film hablamos de Copenhague, Berlin oriental y finalmente Suecia.

No es mi film favorito de Hitchcock, no :D




*de ese estilo ciudadano no-espía, metido en misión al límite en terreno comunista, con gente del lugar ayudándole aunque den su vida en ello, si no la habéis visto, Firefox de Clint Eastwood.

Cita:

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Iniciado por Synch

Anoche, siguiendo ciclo Hitchcock, tocó revisión de Torn Curtain (1966) y en este caso la película siempre me pareció extrañamente floja para quien la firma, y anoche mantuve dichas impresiones.

Leo que el estudio impuso a Hitchcock los casting de Paul Newman y Julie Andrews (que venía de Mary Poppins y Sound of Music, toma ya). Quien sabe si sumando director, y actores, hablamos de los más famosos de Hollywood entonces. Pero no me cuadran ambos Newman-Andrews como actores para Hitchcock. Los veo fuera de lugar. Andrews todavía tiene algo pero su personaje, rozando la dama en apuros, no es propio de su cine (estética y tal sí; que para 1966 ya andaba eso un poco fuera de moda o ya era más clásico; Wilder se adaptó mejor, la Irma de MacLaine o la Pamela de Juliet Mills...); pero es que Newman está en otra órbita. Sin carisma, ni gracia (salvo la primera escena en la cama), repleto de tics y manerismos que intuyo eran de su cosecha.

Parece que Hitchcock quería a Grant y a Marie Saint. Imposiciones aparte Newman también representa otra forma de interpretación alejada de la más clásica, de presencia y carisma posicionales, macho alto y fuerte, de Grant y cia, aunque si que aporta plausibilidad como científico joven y moderno en la Estados Unidos de 1965.

Algo que tampoco me va es que toda la trama tampoco reviste demasiado interés ni ocurre gran cosa* y lo peor es algo extraño, que no termino de pillar, con Hitchcock alargando escenas de forma muy extraña. Lo entiendo en la del asesinato de Gromek pues vemos lo difícil que es acabar con la vida de una persona, pero toda la parte del autobus, o la de la oficina de correos o la final en el teatro (antes de que Michael grite fuego) son muy largas (y este film con 10-12 minutos menos saldría ganando).

La escena que me conmueve, y es un pequeño oasis, es la de Lila Kedrova como la condesa Kuchinska. Además su extraordinaria interpretación, en la que se percibe su desesperación, entra en contraste alarmante con Newman y Andrews, sobre todo el primero. Joder, ¿le pasaba algo a Newman? Pedazo ojos azules pero hoygan...

No es mi film favorito de Hitchcock, no :D


*de ese estilo ciudadano no-espía, metido en misión al límite en terreno comunista, con gente del lugar ayudándole aunque den su vida en ello, si no la habéis visto, Firefox de Clint Eastwood.

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Coincido. Además aquí tuvo lugar la bronca gorda con Herrmann y el rechazo de su partitura para la película.

No puedes comprar mi amor(1987)........................... 8







https://i.imgur.com/gMvtACl.jpg











1000 dólares muy bien aprovechados
















Mi comentario:


Una buena película romántica, y de adolescentes, de finales de los ochenta. La he visto varias veces y siempre me acaba gustando. Patrick Dempsey (durante varias temporadas fue Derek Shepperd en Anatomía de Grey) y Amanda Peterson (desaparecida del mundo del cine y que nos dejó para siempre hará algunos años atrás) interpretan a dos jóvenes en el último curso del instituto, Ronald Miller y Cindy Mancini. Él es un empollón, un buenazo, que le gusta jugar al poker con sus amigos, o ir a los recreativos, pero, además de todo esto, él está enamorado en secreto de Cindy Mancini, la chica más guapa del instituto y la jefa de las animadoras. Un buen día, a la chica, no se le ocurre otra cosa que coger del armario de su madre un vestido de cuero, y así hacerse la interesante en una fiesta con sus amigos. El vestido acaba teniendo un problema, lo que hace que ella se vaya al centro comercial a intentar reparar el daño. Allí se encuentra Ronald, en la sección de telescopios, ya que quiere comprar uno que está de oferta por mil dólares. Es ahí donde se encuentra a Cindy y le hace una oferta. Si sale con él un mes, él le paga un vestido igual. Y tal que así, el resto de la historia hay que verla. Sí, vale, es una película que está llena de topicazos, pero me parece bastante entretenida y los dos protagonistas tienen buena química. La primera vez que la ví, a principios de los noventa, me quedé prendado de Amanda Peterson (es una pena que no siguiera haciendo películas). Además, los secundarios ayudan a integrarse con ellos. Un jovencito Seth Green que interpreta al hermano de Ronald (visto ya de adolescente en la serie Buffy: La Cazavampiros) o Dennis Dugan que hace de padre de Ronald (futuro director de muchas de las comedias protagonizadas por Adam Sandler). Mencionar la banda sonora de la cinta que contiene canciones como Can´t Buy Me Love de Los Beatles, One Lover At A Time de Atlantic Starr o Dancing With Myself de Billy Idol. A tener en cuenta, en 2003 se realizó un remake afroamericano de título El amor no cuesta nada (Love Don't Cost a Thing), cambiando los nombres de los protagonistas, al menos los dos principales, ya no son Ronald ni Cindy sino un tal Alvin Johnson y Paris Morgan, interpretados por Nick Cannon y Christina Milian respectivamente. Mi nota final es de 8/10.

Cita:

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Iniciado por Synch

*de ese estilo ciudadano no-espía, metido en misión al límite en terreno comunista, con gente del lugar ayudándole aunque den su vida en ello, si no la habéis visto, Firefox de Clint Eastwood.

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Torn Curtain es uno de los Hitchcock que menos me gustan, y coincido en lo que dices de Andrews y de Newman, pero de ahí a compararla con Firefox, para mí la peor película de Clint Eastwood (o casi)... :dsmayo

Synch, menos mal que con Frenzy remonta más o menos el vuelo, ¿no?.

Spoiler:

Spoiler:

Mira tu buzón de MP. Ignora todos los mensajes menos el más reciente.

:sudor:D

Cita:

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Iniciado por mad dog earle

Torn Curtain es uno de los Hitchcock que menos me gustan, y coincido en lo que dices de Andrews y de Newman, pero de ahí a compararla con Firefox, para mí la peor película de Clint Eastwood (o casi)... :dsmayo

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Ostras, a mi me encanta :D Es irregular pero la inmersión en el país comunista = a peligro para la gente de bien, con el peligro y la psicosis constante, es decir, lo que nos enseñaron fielmente en el cine yankee en los 60-90, funciona de fábula. El piloto interpreta varios papeles en Rusia, el matrimonio aquel que le ayuda y uno de ellos, ya muerta su esposa, ve al piloto a punto de robar el MiG 31 antes de morir y toda la lucha final que me va más que las flipadas de fantasía militar y volley sudoral de Top Gun.

A ver si la reviso o si está en alguna plataforma. Me han entrado ganas :D

Cita:

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Iniciado por Synch

Ostras, a mi me encanta :D Es irregular pero la inmersión en el país comunista = a peligro para la gente de bien, con el peligro y la psicosis constante, es decir, lo que nos enseñaron fielmente en el cine yankee en los 60-90, funciona de fábula. El piloto interpreta varios papeles en Rusia, el matrimonio aquel que le ayuda y uno de ellos, ya muerta su esposa, ve al piloto a punto de robar el MiG 31 antes de morir y toda la lucha final que me va más que las flipadas de fantasía militar y volley sudoral de Top Gun.

A ver si la reviso o si está en alguna plataforma. Me han entrado ganas :D

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Pero... :mparto

Hoy cumple 63 años Sharon Stone. O Charito Piedra, como se la llamaba cariñosamente en los 90.

La primera vez que la vi fue en Por encima de la ley, con el inexpresivo Steven Seagal. Sin embargo, fue creciendo en importancia en pantalla, en títulos como Desafío total, y sobre todo, Instinto básico.
Es en ese momento, en el que Sharon Stone se convierte en el mito erótico de toda una generación. El remate o la guinda fue el anuncio de Freixenet :cuniao

Más allá de varios filmes de acción (algunos mal elegidos), su momento de "seriedad" como actriz vino con Casino, donde estaba francamente bien, y que le valió una nominación a mejor actriz principal en los Oscar y un Globo de Oro a mejor actriz en película dramática.

https://d1wkg4trnrvos8.cloudfront.ne...LWAK6YK6G4GXMA

Posteriormente, ha continuado con su carrera, con mayor o menor fortuna, ha superado una terrible enfermedad, ha sido protagonista de varios anuncios televisivos y seguramente, esté dedicada, más allá de algunas intervenciones puntuales en series televisivas y algún papelito en cine, a vivir. Como todos nosotros. Y se la ve bastante bien.


https://media2.s-nbcnews.com/i/newsc...ed27f8b24c.jpg

El Gordo y el Flaco (Stan & Ollie, 2018), de Jon S. Baird

https://pics.filmaffinity.com/El_Gor...6202-large.jpg

Biopic parcial de Stan Laurel y Oliver Hardy en dos tiempos: en el primero, asistimos a sus últimos coletazos en Hollywood, en 1937 (aunque en realidad siguieron protagonizando varios films durante los siguientes años). Baird nos los presenta mediante un largo plano-secuencia en el que vemos a la pareja de cómicos recorriendo diferentes zonas de los estudios de Hal Roach (interpretado por Danny Huston). Comprobamos las divergencia entre Stan y Ollie respecto a sus contratos y a la manera de presionar al productor, lo que a la larga les llevará a la ruptura con Roach, aunque el último film con él fue Marinos a la fuerza (Saps at Sea), de 1940. Luego siguieron haciendo películas juntos en la Twenty Century Fox, pero la película de Baird no lo refleja, parece como si desde 1937 ya no hubieran hecho ningún film juntos.

La acción salta al segundo momento, en 1953, cuando la pareja ya está alejada de las pantallas: su última película había sido Robinsones atómicos (Atoll K), rodada en Francia, lejos ya de Hollywood. Se encuentran de gira teatral por el Reino Unido (primera etapa, Newcastle), actuando en teatros pequeños, con poco público y sin cobertura publicitaria, y alojándose en hoteles baratos, a la espera de que un productor londinense financie su nueva película, basada en el personaje de Robin Hood. De los asuntos contractuales y de la preparación del guion se ocupa Stan, mientras Ollie (o Babe, que es como su mujer y Stan le llaman a lo largo del film) le sigue la corriente de forma renqueante, debido a su mala salud. Poco a poco, gracias a que ceden en la petición de hacer publicidad, consiguen ganar presencia de público y llegar a Londres en olor de multitudes, pero el proyecto cinematográfico naufraga. Ya solo les quedará completar la gira en Irlanda antes de la separación definitiva, con Hardy aquejado de una grave dolencia cardíaca.

Aunque el lapso de 16 años entre una fecha y la otra deja mucha información fuera del film, la película se centra, más que ofrecernos una panorámica de toda su carrera, en darnos una imagen cercana de las dos estrellas en su etapa final, condenadas a entenderse, aunque sus relaciones no siempre fueran todo lo buenas que creía el público. En 1953 se encontraban ya en clara decadencia, física y de público, cultivando las mismas rutinas de siempre, que parecían anticuadas. No obstante, sus gags continuaban arrancando risas del público, y su presencia en los escenarios resultaba entrañable.

La película no oculta las desavenencias entre ambos cómicos, especialmente el rencor de Stan por la participación de Oliver Hardy en un film junto a Harry Langdon: Zenobia (1939), dirigida por Gordon Douglas, con producción de los Hal Roach Studios, a la cual Stan se refiere despectivamente como “la película del elefante”. Tampoco Ollie ahorra críticas a Stan, al que acusa de no tener sentimientos, de ser un hombre hueco. A pesar de todo, son capaces de superar sus diferencias y los problemas físicos y ofrecernos una despedida brillante, mediante uno de sus característicos bailes sobre el escenario.

Por encima de todo, la película es un festival interpretativo de Steve Coogan (Stan) y John C. Reilly (Ollie), que consiguen una asombrosa semejanza con los auténticos Laurel y Hardy. Solo para ver su fabulosa interpretación y recordar con cariño sus películas, ya merece la pena el visionado de la película de Baird, que lo filma todo con contención y con un evidente afecto hacia los personajes, aunque sin caer en la hagiografía. Imprescindible para aquellos que gustan del humor del Gordo y el Flaco, aunque quizá echo de menos algo del humor destructivo de sus mejores films.

Anoche empecé con la primera de las 3 estadounidenses que me faltan por ver de Hitchcock (de la etapa inglesa me queda alguna, pocas pocas eh, pero alguna, 2 ó 3 tal vez), Topaz (1969).

Pues un poco como Torn Curtain (esa era revisión pero la mente es sabia y la había semi borrado un poco tras mi última vez en 2011), tal vez algo mejor, pero se me antoja un Hitchcock falto de nervio, de ese toque que te invita a devorar el film. No sé si apuntarse a la moda imperante de los films de Guerra Fría/agentes y tal le sentó bien. Y eran dos consecutivas ya. Creo que le van mejor las historias personales (el everyman metido en algo que no entiende).

Algo que quiero decir ya porque SE que entonces era lo normal (aunque Wilder no le molaba y juraría lo dijo, o una de las veces, acerca de Ariane) pero lo de franceses o cubanos hablando entre ellos en inglés me explota en la cabeza. Y con acentos (lo cual es más absurdo aún pero supongo es para darle al tema algo de distinto al acento de un estadounidense) (absurdo también porque tienen tropomil pero ese es otro tema). También imagino que la idea, meta referencial, es que entendamos que cuando hablan entre ellos es como que sí hablan francés o español pero como es 1969, y Estados Unidos a veces hace apología de la endogamia y atrevimiento cultural, pues se hacía así.

Me mola que lo que parece la trama inicial, con el disidente soviético, realmente da pie a la trama real con Devereaux y sus acciones de espionaje en NY, luego Cuba y finalmente París (donde también todos hablan en inglés, es brutal pensarlo :D). En esto recuerda algo a North by Northwest en cuanto a que es un film que separa sus episodios según la ambientación (y rodaje salvo Cuba que parece fue Virginia): Copenhague (de nuevo, Torn Curtain ya empezaba ahí), Washington, NYC, Cuba, Washington y París.

La trama, basada en la crisis de los misiles cubanos del 62, (me) reviste poco interés y Hitchcock no (me) logra grandes momentos con los personajes. El aséptico Devereaux ayuda poco a ello. Sin embargo la trama cubana es lo mejor del film, con ese calor y logrado tono caribeño (el espía cenando ahí sin camiseta) gracias en parte a Juanita de Cordoba, una Karin Dor solvente. En general el film recupera el tono femenino habitual en Hitchcock pero en dosis muy pequeñas. Ese giro de la esposa de Devereaux mola, tiene su punto prohibitivo (no es nada pero esto es 1969 así que...) que se lie con alguien digamos menos atractivo que Devereaux. Ah.. Los caminos del morbo :D

De nuevo hay una extraña escena en exceso alargada, sin ritmo, sin que entienda el motivo de tal recurso: me refiero a buena parte de cuando el amigo de Devereaux acude al hotel donde están los cubanos para robar la maleta.

El final, apresurado, parece se debió a diversas opciones surgidas de un contratiempo del director por lo que hay varios finales, una versión con 20 mins más.. La que hay en Filmin, la corta, es en mi opinión un mal final. Abrupto no, lo siguiente.

Maurice Jarre debuta como compositor pero su tema francés es completamente inadecuado, como de comedia ligera, cuando está calzado en escenas de acción y drama.

Me quedo, eso sí, con el temazo que se saca en el momento romántico en cuba donde en Hitchcock debuta un aire latino, cálido y de romance sexual que me recordó que el tiempo pasa y esto era ya 1969 (joder que por ahí anda ya John Vernon!!). Y al igual que con Wilder y sus películas setenteras (antes no, eh, siempre fue un tipo moderno y encima innovador y atrevido), empieza a notarse que estamos en otro tiempo y, como es normal, se han quedado un poco atrás en nervio y frescura (aunque si aportan algo como Avanti o Fedora pues... Me tengo que callar).

El mencionado temazo:

https://www.youtube.com/watch?v=Pdj77xQXwj4

Completo mi conocimiento de la obra de Clint Eastwood con tres títulos que no había visto hasta ahora (y con ellos, solo me queda por ver dentro su extensa filmografía, de cerca de 40 films, The 15:17 to Paris)

El sargento de hierro (Heartbreak Ridge, 1986)

https://images-na.ssl-images-amazon....ZV1ZL._AC_.jpg

Este es el tipo de película que siempre me da una pereza enorme ver. No siento ninguna simpatía por los ambientes cuarteleros descritos, ni por el personaje encarnado por Eastwood: Highway es el típico sargento chusquero, héroe en mil batallas (cosa que demuestren las cicatrices de su cuerpo), aunque aún no ha ganado ninguna guerra (el título original hace referencia a un episodio de la guerra de Corea), de modales groseros, lenguaje soez, machista, violento, borrachuzo, constante fuente de conflictos con sus superiores (especialmente, si son militares salidos de la academia, como el mayor Powers, su némesis, interpretado por uno de los actores de Twin Peaks, Everett McGill) y con su exmujer (Marsha Mason, en un papel de mero florero), un tipo de personaje que, de una manera u otra, ha sido marca de fábrica en la carrera de Eastwood, pero aquí llevado al extremo más extremista.

Lo peor no es el recurso a todos los clichés imaginables sobre el personaje (con una intencionalidad que nada tienen que ver con la que tenía el del sargento Hartman en Full Metall Jacket), sino la apología de la invasión de la isla de Grenada que incluye en su último tercio, un segmento realmente bochornoso, especialmente si se tienen en cuenta que la película se rodó solo tres años después. La manera como se ridiculiza el conflicto, la demostración de chulería militar del ejército de los Estados Unidos ante un grupo minúsculo de soldados cubanos (en un momento dado, Highway remata a bocajarro a un soldado que parece ya muerto, y le quita un puro que tiene en el bolsillo, “habano” como se apresura a decir sonriendo), parece un intento de sacarse la espina de Vietnam en plena era Reagan, a base de matar moscas a cañonazos. Durante el film se comenta que el “malo de la función”, el mayor Powers, denomina a los militares que son como Higway 0-1-1, porque no han ganado ninguna guerra, han empatado una (Corea) y han perdido otra (Vietnam). Evidentemente, al final Highway conseguirá poner un 1 en la primera casilla, y celebrarlo a ritmo de banda militar y ondear de banderas.

La cosa, además, se pretende aleccionadora para los miembros de su patrulla, un conjunto de jóvenes inexpertos e indisciplinados que, como no podía ser de otra manera, acabarán adorando al veterano y duro sargento. Entre los soldados, un conjunto de lo más ridículo, destaca, y no en positivo, el pintoresco Jones, interpretado de forma guasona por Mario Van Peebles (que acabaría desarrollando una extensa obra como director). A anotar que la película incluye un auténtico festival de torsos desnudos de los jóvenes militares (debido al "jueguecito" de las camisetas que monta cada día Highway), aunque no creo que fuera la intención de Eastwood introducir un elemento homoerótico... o sí, quién sabe.:ceja

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Me siento incapaz de encontrarle la gracia a un film como este, más bien experimento sensaciones completamente opuestas a la satisfacción. Solo aguanté hasta el final por esa tendencia masoquista al completismo que a veces tenemos los cinéfilos. El otro día, en referencia a Firefox, decía que la consideraba la peor película de Eastwood… o casi. Pues bien, me vale el casi.

Sully (2016)

https://www.lapatria.com/sites/defau...mensionada.jpg

Con Sully, Eastwood inicia una serie de películas dedicadas a “héroes” estadounidenses, una especie de “vidas ejemplares”, donde se destaca a individuos capaces de comportarse de una manera heroica y salvar vidas humanas, en ocasiones al precio de sufrir el acoso del poder institucionalizado.

Aquí se trata del veterano piloto Chesley Sullenberger. En 2009 consiguió llevar el avión que pilotaba, que había perdido los dos motores a causa del choque con una bandada de pájaros, hasta las frías aguas del río Hudson, en Nueva York, salvando a todo el pasaje. A pesar de ser inmediatamente considerado un héroe, tuvo que pasar el mal trago de una investigación oficial, ya que se consideraba que podría haber conseguido aterrizar en alguno de los aeropuertos cercanos. Como le gusta destacar siempre a Eastwood, estamos ante el conflicto entre los intereses económicos de la compañía de aviación, que ha perdido un valioso Airbus A320, y el valor y coraje de un hombre que actúa correctamente, que sabe hacer su trabajo, no como el conjunto de chupatintas de los estamentos oficiales que someten a un riguroso escrutinio sus decisiones tomadas en momentos excepcionales.

Supongo que para los amantes de los aviones la película puede que tenga más interés que el del mero hecho de retratar una catástrofe con brillantez formal en lo que hace referencia a los efectos especiales, pero a mí personalmente me ha parecido un film tan gris como el cielo neoyorquino en el momento del accidente. Poco o nada pesan los personajes, incluido el de Sully (el de su mujer, interpretado por Laura Linney es de lo más prescindible; el del copiloto, que encarna Aaron Eckhart, no pasa de comparsa), y los entresijos técnicos de la investigación que se lleva a cabo me resultan aburridos. Solo los momentos del rescate emocionan, no tanto por la película en sí, sino porque es difícil mostrarse indiferente ante una catástrofe de estas características, en la que hubieran podido morir 155 personas. Sabiendo desde el principio que Sully conseguirá que nadie perezca en el trágico accidente, evidentemente el espectador se ha de poner de su lado. Imagino que para muchos puede ser una ayuda que el personaje esté interpretado por Tom Hanks, por el que muchos de los habituales de este foro sienten veneración. :cortina No es mi caso, es un actor que nunca me ha gustado, y su papel en Sully no es la excepción. Un film, en resumen, muy poco atractivo... al menos para mí.

Richard Jewell (2019)
https://images-na.ssl-images-amazon...._AC_SY679_.jpg

Como los dos anteriores, Richard Jewell se centra en la figura de un hombre especial, excepcional en cierto modo. Y como Sully, se basa en hechos reales. Jewell es un hombre que sueña con ser agente del orden, pero actúa con métodos que lo convierten en una persona conflictiva (algo que forma parte del ADN del cine de Eastwood, desde el ya lejano personaje de Harry Callahan). Su historial está repleto de actos en los que se excede en sus funciones, de despidos e irregularidades. Parece un buen tipo, educado y bondadoso con su madre (una excelente Kathy Bates), a la que adora, pero demasiado cuadriculado y rígido en la interpretación de las ordenanzas y con una peligrosa tendencia a extralimitarse, como se muestra al inicio del film en su manera de tratar a unos alumnos revoltosos.

Acaba como guardia de seguridad durante los Juegos Olímpicos de Atlanta. Durante un concierto, detecta una mochila sospechosa. Cuando convence a la policía de que se desaloje la zona, estalla la bomba, ocasionando dos muertos y un centenar de heridos. Al principio, será considerado un héroe gracias al cual se han evitado muchas más víctimas, pero después, debido a la intervención de uno de sus anteriores empleadores (un odioso director de escuela), a la mala praxis del FBI (encarnada en el agente Shaw, Jon Hamm, que filtra la investigación a la prensa) y a los medios de comunicación (en particular, una periodista sin escrúpulos, interpretada por Olivia Wilde), se convierte en el sospechoso número uno, pasando de santo a demonio. Afortunadamente, cuenta con la ayuda de un descarado y agresivo abogado (Sam Rockwell), que sabe plantar cara a los poderes del estado.

El tema parece ideal para Eastwood: de nuevo, el individuo frente al poder institucionalizado. Y para ello no se anda con chiquitas: los personajes son de una pieza, dibujados a brochazos, de forma efectiva, aunque un tanto maniqueísta. Tanto el agente Shaw como la periodista Kathy Scruggs son casi unas caricaturas (como la familia de Hillary Swank en Million Dollar Baby), mientras que el abogado Watson Bryant parece un Callahan pasado por la facultad de derecho. Por encima de todo, no obstante, destaca la excelente interpretación de Paul Walter Hauser como Jewell. No sé hasta qué punto el film es fiel a los hechos reales, pero lo cierto es que funciona, consigue que te pongas de lado de Jewell, a pesar de que, en el fondo, el personaje, con su adoración del orden público y su arsenal de armas, te resulte más bien antipático. Como en la citada Million Dollar Baby, Eastwood demuestra una vez más su habilidad para manipular los sentimientos de los espectadores.

Pues con The 15:17 to Paris te has dejado la peor para el final :cuniao
El sargento de hierro tiene muchísimos adeptos. Yo no soy incondicional de ella, pero me gustó bastante. La que me pareció muy notable es Richard Jewell. Me sorprendió para bien. Vale que hay maniqueismo, pero al parecer, hay bastante verdad en la película, pues realmente fue un bochorno toda esa investigación de la policía y de la prensa, que en parte, era demasiado morbosa como para preocuparse de la verdad.
La última frase de "capacidad de manipular los sentimientos de los espectadores" creo que es algo excesiva. O por extensión, aplicable a muchos directores anteriores y actuales. En todo caso, a mi me funciona, lo acepto. Y a ti te vale para zurrarle un poquito. :ceja

Cita:

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Iniciado por tomaszapa

Pues con The 15:17 to Paris te has dejado la peor para el final :cuniao

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Pues sí que me das ánimos... :sudor De todas formas, por ese prurito masoquista del cinéfilo, la veré cuando se me ponga a tiro.

Cita:

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Iniciado por tomaszapa

El sargento de hierro tiene muchísimos adeptos. Yo no soy incondicional de ella, pero me gustó bastante.

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Como ciertas opciones políticas. Miedo me da. :fiu A mí me ha parecido uno de los films más bochornosos que he visto en mi vida (excluyendo films de serie Z, y según cuales ni eso). Eastwood nunca ha sido demasiado sutil, pero aquí se le va la mano. Veo que el guionista es James Carabatsos, que luchó en Vietnam, y que firmó el guion de otro film que me pareció abominable en su día: La colina de la hamburguesa.

Cita:

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Iniciado por tomaszapa

La última frase de "capacidad de manipular los sentimientos de los espectadores" creo que es algo excesiva. O por extensión, aplicable a muchos directores anteriores y actuales. En todo caso, a mi me funciona, lo acepto. Y a ti te vale para zurrarle un poquito. :ceja

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Yo creo que no, lo que pasa es que estoy de acuerdo en que es algo extensible a muchos otros directores y films, incluso diría que la manipulación de los sentimientos (y, si lo prefieres, de las emociones) es algo consubstancial al cine. Lo que pasa es que eso se puede hacer de una forma más o menos sutil, más o menos elegante, y Eastwood en muchas ocasiones utiliza la brocha gorda. Ponía el ejemplo de Million Dollar Baby, porque me parece paradigmático. A mí me gustó mucho el film, pero no se puede negar que el director recurría a una serie de clichés y de personajes caricaturescos (la boxeadora mala; o toda la familia del personaje de Hillary Swank, orejas de Mickey Mouse incluidas) que iban directos a remover las visceras del espectador. Eso mismo pasa en cierto modo, aunque de manera menos acusada, en Richard Jewell, aunque eso no quita de que la película me ha gustado.

Lo que me sorprende es que no digas nada sobre Sully. Me esperaba una reacción tuya, porque creo que eres de los fans de Tom Hanks, ¿me equivoco?:ceja

Yo reconozco que soy uno de esos adeptos de El Sargento de Hierro, pero porque siempre la he visto desde el punto de vista de la pura comedia, recuerdo que la primera vez que la vi, en TVE1, ponían un aviso al principio por la cantidad de tacos por minuto que decían, y me mató de risa igual que años después me mató de risa Mallrats de Kevin Smith por el mismo motivo, pero vamos, ya desde bien pequeño no me pasó inadvertido el pestazo fascistoide sin dobles lecturas, pero qué le voy a hacer, es una de esas pelis que puedo citar entera casi de memoria, y está tan pasada de rosca en su patriotismo que si fuese un poco más allá ya llegaría al nivel paródico de Starship Troopers (aunque las intenciones de Verhoeven y Eastwood fuesen diametralmente opuestas), y así es como me la tomo yo :cuniao

Vista ayer la 2a de las 3 de Hitchcock (no brit y mudas) que me faltan, Frenzy (1972), y me gustó considerablemente más que las dos anteriores (Torn Curtain y Topaz; considero Marnie aún de Hitchcock prime/en forma).

De entrada: adoro Londres. Y aunque, claro, las veces que he ido la he visto ya en su fase pijo fashion cosmopolita etc (80 pero sobre todo años 90 hasta el presente) me encanta también su iteración gris, postguerra, contaminación, vivir de rentas y tal que tuvo entre los 40 y los 70. Esa primera escena frente al Thames en el que se anuncia un saneamiento de las aguas tras años de vertidos y tal (algo inaudito hoy en día pero por ejemplo en Barcelona los dos ríos, y el mar, estaban así hasta que se iniciaron las obras olímpicas; BCN de hecho apenas tenía una playa cuando ahora tiene kilómetros de ellas y muchas de nueva creación en el 92) tiene un punto guarrindongo que me mola.

De nuevo Hitchcok sale de Estados y en esta ocasión parece lo rodó por completo, exterior e interiores. Decía en mi tocho de Torn Curtain que tras años en Estados Unidos la parte final de su filmografía se parecía a la de Wilder regresando a Europa (aunque Wilder nunca dejó de hacerlo de vez en cuando en los 40, 50 y 60 y en esa parte final fue variado: UK, Italia, Grecia...) pero lo hizo de modo parcial (dos veces en Dinamarca) pero en este caso es un regreso total y además a su propio país. Se nota, mucho, que no está ambientando nada. El sabor inglés le sale solo. Esos planos de los pubs, las calles etc Además, como digo, es una London aún feilla y domina la vida pragmática de mercados, camiones, y el aire posh mezclado con el obrero (como digo la transformación estaba al caer: el West End Girls de Pet Shop Boys ya no es eso :D)

Destaco también a Bernard Cribbins al cual reconocí al momento de su PAPELAZO en Doctor Who 10o doctor. Hice cuentas y sí, veo en la wiki que tiene 92 años.

Frenzy me ha gustado, sin euforia, pero no está mal. Hitchcock se adapta mejor a 1971 en su casa que a los últimos 60 en Estados Unidos, y los personajes son de nuevo los grandes protagonistas. Dick funciona como un everyman más sucio (literal) y destartalado que el limpio y amable personaje que solía interpretar Stewart o Grant, y le da un aire incómodo curioso: te cae mal pero debes sobreponer su inocencia.

Frenzy es atrevida al cargarse Rusk (gran Barry Foster: hace que toda la película funcione en cada una de sus apariciones) a las dos mujeres que habitan en el día a día de Dick. Hitchcock de nuevo nos regala formalismos marca de la casa: ese Rusk apareciendo de golpe tras Hetty, el retroceso desde la casa de Rusk, donde está matando a Hetty, hasta la calle... También planos de terror como los rostros sin vida de las 3 chicas que vemos muertas así como ese flashback de Rusk cuando recuerda cuando perdió el alfiler.

Y se Hitchcock cómico, casi Allen, con las dos grandes escenas en casa del policía y su mujer que cocina comida frances/continental :lol

Las dos chicas de la vida de Dick tienen la apariencia habitual de las mujeres de las películas de Hitchcock desde los años 50. Curiosa esa preferencia tan precisa.

Eso sí, de nuevo, un momento demasiado alargado como es el del camión de patatas.

Finalmente apuntar que, si no me he desviado en la memoria, es el primer film de Hitchcock con tetas (varias) y algún desnudo trasero, señal de los tiempos y que, la verdad, como que pega con su cine pese a que una de las veces es un poco gratuito.

Ah... Pinta y pastel de carne en un pub a puta plena luz del día: viva Londres. Y eso que soy profundamente mediterráneo pero.. Me puede, me puede :rubor

Cita:

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Iniciado por Synch

Vista ayer la 2a de las 3 de Hitchcock (no brit y mudas) que me faltan, Frenzy (1971), y me gustó considerablemente más que las dos anteriores (Torn Curtain y Topaz; considero Marnie aún de Hitchcock prime/en forma).

De entrada: adoro Londres. Y aunque, claro, las veces que he ido la he visto ya en su fase pijo fashion cosmopolita etc (80 pero sobre todo años 90 hasta el presente) me encanta también su iteración gris, postguerra, contaminación, vivir de rentas y tal que tuvo entre los 40 y los 70. Esa primera escena frente al Thames en el que se anuncia un saneamiento de las aguas tras años de vertidos y tal (algo inaudito hoy en día pero por ejemplo en Barcelona los dos ríos, y el mar, estaban así hasta que se iniciaron las obras olímpicas; BCN de hecho apenas tenía una playa cuando ahora tiene kilometros de ellas y muchas de nueva creación en el 92) tiene un punto guarrindongo que me mola.

De nuevo Hitichcok sale de Estados y en esta ocasión parece lo rodó por completo, exterior e interiores. Decía en mi tocho de Torn Curtain que tras años en Estados Unidos la parte final de su filmografía se parecía a la de Wilder regresando a Europa (aunque Wilder nunca dejó de hacerlo de vez en cuando en los 40, 50 y 60 y en esa parte final fue variado: UK, Italia, Grecia...) pero lo hizo de modo parcial (dos veces en Dinamarca) pero en este caso es un regreso total y además a su propio país. Se nota, mucho, que no está ambientando nada. El sabor inglés le sale solo. Esos planos de los pubs, las calles etc Además, como digo, es una London aún feilla y domina la vida pragmática de mercados, camiones, y el aire posh mezclado con el obrero (como digo la transformación estaba al caer: el West End Girls de Pet Shop Boys ya no es eso :D)

Destaco también a Bernard Cribbins al cual reconocí al momento de su PAPELAZO en Doctor Who 10o doctor. Hice cuentas y sí, veo en la wiki que tiene 92 años.

Frenzy me ha gustado, sin euforia, pero no está mal. Hitchcock se adapta mejor a 1971 en su casa que a los últimos 60 en Estados Unidos, y los personajes son de nuevo los grandes protagonistas. Dick funciona como un everyman más sucio (literal) y destartalado que el limpio y amable personaje que solía interpretar Stewart o Grant, y le da un aire incómodo curioso: te cae mal pero debes sobreponer su inocencia.

Frenzy es atrevida al cargarse Rusk (gran Barry Foster: hace que toda la película funcione en cada una de sus apariciones) a las dos mujeres que habitan en el día a día de Dick. Hitchcock de nuevo nos regala formalismos marca de la casa: ese Rusk apareciendo de golpe tras Hetty, el retroceso desde la casa de Rusk, donde está matando a Hetty, hasta la calle... También planos de terror como los rostros sin vida de las 3 chicas que vemos muertas así como ese flashback de Rusk cuando recuerda cuando perdió el alfiler.

Y se Hitchcock cómico, casi Allen, con las dos grandes escenas en casa del policía y su mujer que cocina comida frances/continental :lol

Eso sí, de nuevo, un momento demasiado alargado como es el del camión de patatas.

Ah... Pinta y pastel de carne en un pub a puta plena luz del día: viva Londres. Y eso que soy profundamente mediterráneo pero.. Me puede, me puede :rubor

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:atope :D

Cita:

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Iniciado por Nabocho

Yo reconozco que soy uno de esos adeptos de El Sargento de Hierro, pero porque siempre la he visto desde el punto de vista de la pura comedia, recuerdo que la primera vez que la vi, en TVE1, ponían un aviso al principio por la cantidad de tacos por minuto que decían, y me mató de risa igual que años después me mató de risa Mallrats de Kevin Smith por el mismo motivo, pero vamos, ya desde bien pequeño no me pasó inadvertido el pestazo fascistoide sin dobles lecturas, pero qué le voy a hacer, es una de esas pelis que puedo citar entera casi de memoria, y está tan pasada de rosca en su patriotismo que si fuese un poco más allá ya llegaría al nivel paródico de Starship Troopers (aunque las intenciones de Verhoeven y Eastwood fuesen diametralmente opuestas), y así es como me la tomo yo :cuniao

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El problema es que, como bien dices, aquí no veo por ninguna parte el nivel paródico que sí tiene, de forma evidente, Starship Troopers (y a pesar de ello, le llovieron críticas por parafascista), aunque es obvio que todo el tratamiento del personaje y de las situaciones es extremo, poco realista y bastante inverosímil. Pero yo, sinceramente, la de Eastwood no puedo tomármela a broma, quizá porque se rueda en un determinado contexto histórico, y porque se convierte en una apología de cosas que detesto. Pero, evidentemente, tendrá su público,aunque para mí es completamente prescindible. Hace unos días hablábamos no sé si en este hilo o en otro de películas a las que se puede llegar a tener tirria. Pues bien, esta es para mí un buen ejemplo.

Synch, ¿cual es la que te queda de Hitch?. Family plot (con score de Williams)?

PD:

Spoiler:

Spoiler:

Mira tu buzón de MP otra vez. (la última vez ya, te lo juro :rubor).

Cita:

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Iniciado por mad dog earle

Pues sí que me das ánimos... :sudor De todas formas, por ese prurito masoquista del cinéfilo, la veré cuando se me ponga a tiro.






Yo creo que no, lo que pasa es que estoy de acuerdo en que es algo extensible a muchos otros directores y films, incluso diría que la manipulación de los sentimientos (y, si lo prefieres, de las emociones) es algo consubstancial al cine. Lo que pasa es que eso se puede hacer de una forma más o menos sutil, más o menos elegante, y Eastwood en muchas ocasiones utiliza la brocha gorda. Ponía el ejemplo de Million Dollar Baby, porque me parece paradigmático. A mí me gustó mucho el film, pero no se puede negar que el director recurría a una serie de clichés y de personajes caricaturescos (la boxeadora mala; o toda la familia del personaje de Hillary Swank, orejas de Mickey Mouse incluidas) que iban directos a remover las visceras del espectador. Eso mismo pasa en cierto modo, aunque de manera menos acusada, en Richard Jewell, aunque eso no quita de que la película me ha gustado.

Lo que me sorprende es que no digas nada sobre Sully. Me esperaba una reacción tuya, porque creo que eres de los fans de Tom Hanks, ¿me equivoco?:ceja

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Cuando veas la de Paris, con actores no profesionales, o sea, con los mismos que participaron en esos eventos, verás que la realidad no siempre es mejor que la ficción. Malilla, siendo generosos.
En lo otro, sí llego ya a entenderte. Antes tenía la intuición ya de que te referías a Million dollar baby. Lo de la mala malísima, la familia de la boxeadora prota, y la figura paternal de Eastwood. pero es que Eastwood es así.
De Sully no te puedo decir mucho. Me gustó, pero no me apasionó. Hay otras películas de Eastwood como las últimas La mula o Richard Jewell, que me gustaron bastante más, y otras de Hanks, del que soy fan, como Un amigo extraordinario o Capitán Phillips, que también me gustaron mucho más que aquí.

Revisión de ¨El hilo invisible¨ de PTA.

Me reitero en mi primera opinión. Es un film que deja a deber. Hay alguna hazaña en la fotografía, del propio Anderson,.Ciertamente, en los planos de interior, planos detalles PTA, se mueve de maravilla...Ahí un director va a tiro hecho. Pero se nota la falta de un buen ¨cinematographer¨ en los exteriores...Ays, cuando el plano pide abrirse a Gran Primer Plano..Ays...El canguelo....el canguelito...Cuando ni siquiera tienes el limitante en el diseño de producción.

Las músicas extradiégiticas insistentes de PTA, que sí que por la novedad y que de alguna manera funcionan en ¨Pozos de ambición¨, vuelven a ser un incordio como en ¨The Master¨ y la de ¨Vicio puro¨...Y además empiezan a ser un muletilla demasiado facilona para no currarse la parte de la narración visual con elecciones de cinematografía ( y de puesta en escena), sino imaginativas y narrativamente funcionales, que sí que aporten a nivel de Mood en el film...Como sí que hace Fincher (la parte de Reznor-Ross, vale...Pero yo también tengo que poner de mi parte). Invita más a perderse por ese espacio cinematográfico, por preguntarse sobre esos personajes, ¨Gone girl que esta ¨El hilo invisible¨...Apremiando el film de Fincher con una trama externa que avanza...

La historia, que está emparentada con ¨El resplandor¨ de Kubrick, no llega a definirse en género concreto...PTA prefiere quedarse en la Architrama...A mí gusto, se vuelve demasiado repetitivo todo...Lo que Kubrick resuelve con un ¨Cuando oigas la máquina de escribir...¨..Aquí se estira, y se estira...Las escenas van pasando como anecdotas, por no fijar, detallar, o ampliar a los personajes que tanto parece que se molesta PTA en retratarnos.

Y es que el final, por explicativo, por falto de emoción ni talento...es una resolución, que nos quita el momento de la tortilla como una oportunidad para terminar de portazo, de forma coherente, en ese jueguillo Hegeliano de doctor enfermo-enfermera devota que ha tardado PTA más de una hora y media en tratar de explicarnos, y volver a reiterar, una y otra vez...Cosa innecesaria: Si eres listo, ya lo sabes desde hace mucho tiempo...¿De qué va ¨El resplandor¨?..Si eres promedio, tiempo has tenido...Y si eres lo suficientemente tonto para necesitar ese final...No estás viendo esto...No has llegado...Cambiaste a Netflix y estás viendo una de Dwayne Johnson...

Atención al trabajo de la chica..una tal Kruppers....El montaje de la mayoría de diálogos se centra en ella...Gran trabajo.

De aquí somo todos fanáticos admiradores de Pozos de ambición (incluso mad dog, que la adereza con el mejor de los aceites). Y recuerdo que Alcaudón es admirador rendido de El hilo invisible. Yo tengo que admitir que pese a comprarla de salida, aún no la he catado. Es un debe que tengo, pero es que a veces, uno no da para más.

Cita:

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Iniciado por tomaszapa

De aquí somo todos fanáticos admiradores de Pozos de ambición (incluso mad dog, que la adereza con el mejor de los aceites). Y recuerdo que Alcaudón es admirador rendido de El hilo invisible. Yo tengo que admitir que pese a comprarla de salida, aún no la he catado. Es un debe que tengo, pero es que a veces, uno no da para más.

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Yo también soy muy de ¨Pozos de ambición¨. Hombre, mirate, que mala no es...Pero es verdad que los acabados no están bien hechos, parece deslumbrante, pero si miras bien, algunas cosas se han hecho al tun tún...Entra Lorenzo Caprile por ahí...

Lo de ¨Gone girl¨ es una locura...Qué película!..Lo que cuenta, lo que invita a preguntarse, a investigar por el espacio cinematografico que crea...Siendo, al final un thriller...un thriller a fuego lento, pero un thriller al fin y al cabo.

No tengo más remedio que volver a defender a Eastwood :cuniao, un director con una carrera admirable.
Lo primero que tengo que decir, es que asociar Eastwood y cine fascista me parece del pasado, y de un reduccionismo bastante injusto.
Es Michael Cimino un cineasta fascista por guiones como Harry el fuerte? Y un izquierdista por films como La puerta del cielo? Yo creo que ni lo uno ni lo otro.
Eastwood es él mismo, ni más ni menos. Otra cosa bien distinta es que tras el filtro que supone para todos nuestras propias ideas y convicciones, no seamos capaces de salir a respirar fuera de nuestra zona de confort, y darnos cuenta de que también hay oxígeno.
El Sargento de hierro no es, para mi, cine fascista, ni mucho menos. Otra cosa es que Eastwood juegue con elementos que puedan molestar, pero en ese caso, estarían de acuerdo con el Ejército de los EE.UU., que pidió a Eastwood, tras el pase de la película, que retirara de los créditos cualquier relación del mismo con la producción. Tendría yo que llegar a la conclusión de que los detractores del film fueran pro-militaristas por estar de acuerdo con el ejército? No se me ocurriría.
La película la he visto varias veces, y aunque hace tiempo que no lo hago y no puedo hacer referencias con la precisión que me gustaría, sí está repleta de detalles interesantes que la distinguen de una película bélica corriente. Aunque Eastwood utilice en ocasiones la brocha gorda como dice el compañero mag dog (y que puedo compartir, en esta y otras suyas), eso también forma parte de su obra, de su particular forma de ver el cine y la vida, de las contradicciones a las que nos vemos sometidos, y en definitiva, a nuestra propia incoherencia e imperfección como seres humanos.
Hay que revisar su obra completa para descubrir lo compleja y admirable que es la aportación de este autor al Cine, porque creo que hablar de anti-comunismo, fascismo, etc... es no traspasar la corteza.

Saludos

Cita:

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Iniciado por sunshine

No tengo más remedio que volver a defender a Eastwood :cuniao, un director con una carrera admirable.
Lo primero que tengo que decir, es que asociar Eastwood y cine fascista me parece del pasado, y de un reduccionismo bastante injusto.
Es Michael Cimino un cineasta fascista por guiones como Harry el fuerte? Y un izquierdista por films como La puerta del cielo? Yo creo que ni lo uno ni lo otro.

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En mi caso creo no haber dicho que Eastwood sea un cineasta fascista (procuro no utilizar ese ominoso término con tanta frivolidad). De hecho, no sabría a quién aplicar ese término tan resbaladizo, probablemente no seria adecuado ni siquiera para la mayoría de directores activos en la Alemania de Hitler o la Italia de Mussolini (o la España de Franco). Su obra es muy extensa, con cosas muy buenas y algunas, como esta del sargento, en mi opinión, francamente malas, aunque supongo que eficaces para cierto tipo de público. Recuerdo perfectamente que en los muy politizados años 70, y también en los 80 (precisamente su siguiente film, Bird, marcó sin duda un punto de inflexión en el reconocimiento de su cine) eran muchos los que consideraban sus películas parafascistas, incluido su personaje de Harry Callahan (al que tampoco denominaría nunca "fascista", aunque el hecho de que lo sea un personaje no quiere decir que lo sea un film). En mi caso, simplemente, no me sentí interesado por su cine en aquellos años.

Pero creo que el estatus adquirido por Eastwood con el tiempo, considero que con toda justicia, tampoco ha de ser una especie de escudo contra todas las críticas. Para mí El sargento de hierro es una película que pone en imágenes muchas de las cosas que más aborrezco, y además lo hace con una frivolidad (esa que yo procuro no utilizar para tildar a su cine de fascista), un mal gusto y una total ausencia de sutileza, que me produce una mezcla de rechazo instintivo y de sonrojo. Lo de la escena del puro habano es de juzgado de guardia; el discurso del 0-1-1, por otra parte ingenioso, rematado con una invasión de opereta en Grenada que eleva a 1 el primer marcador, me parece toda una declaración de principios políticos (en plena era Reagan), así como el final a base de trompeteo y ondear de banderas. La aclamación final al duro sargento por parte de esos soldados inicialmente pintados como idiotas, es una especie de exaltación al líder que me resulta molesta. Se ha de tener en cuenta el contexto en el que se hace el film, que es el que retrata perfectamente este póster (que tengo colgado al lado del escritorio desde donde escribo :ceja):

https://lh3.googleusercontent.com/pr...NjdpptZuJuwvdF

Aquí podemos apreciar la distinción entre Cuba ("theirs") y Grenada ("ours"). Las películas, aunque el tiempo lo borre, son hijas de una época, y lo que ahora podemos ver con distanciamiento, en su día quizá éramos incapaces de hacerlo.

Existe la tendencia a alabar todos y cada uno de los films de un director que admiramos, a pesar de las evidencias. Se puede a menudo acabar defendiendo cualquier cosa, el papel lo aguanta todo, pero digamos que el estómago, no. Y en ese sentido no veo manera de salvar esta película, y que conste que me gustaría, no me alegro de poner un borrón a la estimable carrera de Eastwood como director (aunque deduzco que no soy tan admirador de su cine como tú :cortina).

No creo que defender obras menores sea poner un escudo contra las críticas :)
Creo sinceramente que Eastwood es el mismo antes y ahora. No ha cambiado, pero sí evolucionado, como cineasta y como persona. Con lo que choca muchas veces nuestra apreciación de una obra es con nuestras propias ideas, y con nuestra propia evolución.
Una cosa es, como podemos ver en la ilustración que pones, la caricatura, y otra distinta, la verdad.
No voy a descubrir yo aquí que Eastwood lleva toda su vida intercalando obras personales con otras alimenticias, equilibrio clave para haberse mantenido tantos años y haber hecho tantas películas. A pesar de ello, hay rasgos que distinguen su personalidad detrás de las cámaras, y creo que su "cine de autor", como se menciona muy a menudo, no comenzó con Bird. El aventurero de medianoche, por poner un ejemplo, es de 1982.
Volviendo al sargento de hierro, si tan hija es de su tiempo, por qué la administración usa renunció a ella? Por qué pidieron retirar su nombre de la producción en la que habían colaborado? Yo creo que es un detalle a tener en cuenta. Eastwood es él mismo, no es el predicador de turno de una postura política. Tendrá sus ideas, como todos, pero no hace cine político. A él le interesa otra cosa, sus inquietudes como ser humano, son de otro tipo. No hace cine pensando en que lo apreciara mejor una determinada postura política.
Él maneja sus películas con la misma sensación de inseguridad que algunos de sus personajes, y no siempre acierta, pero hay una sinceridad palpable que transmite, y para mi es la de lo vulnerables y frágiles que podemos llegar a ser.

No siempre pensamos lo mismo que nuestros hijos o nuestros padres, y no por ello nos parecen personas menos nobles o cariñosas. Siguen siendo personas valiosas e importantes de nuestra vida.

Saludos