Las últimas pelis que has visto en casa

Hace unos días vi The Last of Sheila, película whodounit de 1973, con guión co-firmado por Stephen Sondheim, y que el compañero (y asesor musical) (late saturday night consulting producer) (a what?) Branagh/Doyle me recomendó hace unas semanas.

Vaya por delante que Sondheim aparte a mi el whodounit suele gustarme mucho. De hecho cualquier película con gente metida en un mismo sitio durante horas o pocos días, con mierda del pasado salpicando, y tal me mola. Pero si es whodounit, más.

Un productor de cine reúne a varios amigos a bordo de un barco, en un crucero por el Mediterráneo, para proponerles un juego de rumores en el aniversario del atropello y muerte de su esposa. Clinton, el productor, reparte unas tarjetas con un rumor que corresponde a cada uno de los invitados y cada noche, en una parada del barco, deben descubrir a quien pertenece. En una de esas paradas muere alguien y, claro, deben resolver el asunto.

De entrada decir que siendo de 1973 y con productores, guionistas y demás gente del mundo del cine, el film tiene un aire concreto, casi adelantando esos personajes de profusión cultural concreta y pijerio recurrente de los films de Woody Allen a partir de su colosal Interiors hasta la actualidad. Los personajes de Sheila destilan cierto aire superficial pero ese trasunto no es la chicha de los mismos sino la excusa para concentrarnos en lo que nos interesa: el juego y el asesino. Herbert Ross, director y productor, atina bien en ello, igual que Allen.

El guión, necesitado de mucho diálogo que logre anticiparse a las resoluciones del espectador (yo pillé al asesino/a pero, joder, creo que tampoco era difícil por la exposición del personaje) es rico en intercambios y sobre todo atina bien en la personalidad de cada uno. Pero esto se remata en las interpretaciones en las que destaco a James Coburn y sobre todo a Dyan Cannon, que clava su papel de descuidada-vivalavida.

El final, eso sí, me ha roto el esquema pero me mola que sea así. Atrevido.

Ah, esto a modo teatro... Ignoro si Sondheim incorporó lenguaje más apto para la escenografía clásica, o le salió solo, o se me va la pinza más de lo habitual (que ya es decir, me cago en todo).

PD: viva el puto mediterráneo.

Un hombre para la eternidad (A Man for All Seasons, 1966)

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Después de un film, en mi opinión fallido, como Behold a Pale Horse (que ya comenté anteriormente), parece como si Zinnemann hubiera querido “ir sobre seguro”, en una película en la que asumió las labores de productor, además de director. A Man for All Seasons adapta la obra del mismo título de Richard Bolt, autor también del guion. Originalmente creada para la BBC Radio, en 1954, pasó posteriormente a la televisión y a los escenarios (estrenada en Londres en 1960). O sea, se trata de un texto muy rodado cuando se convierte en película, lo que se nota en la solidez de las escenas, los diálogos y las interpretaciones.

Nos cuenta, una vez más, un conocido episodio de la historia del reinado de Henry VIII, uno de los reyes y una de las épocas más llevados a la pantalla de toda la historia mundial: el conflicto mantenido con Sir Thomas More, ese “hombre para todas las estaciones” del título original (no “para la eternidad”, como reza el título en castellano), o sea, un hombre que se mantiene firme en sus convicciones por muchas presiones que reciba. ¿Y cuál es el origen del conflicto? El deseo del rey de separarse de la reina Catalina de Aragón, su primera esposa, y viuda de su hermano, Arthur, príncipe de Gales. Como Catalina no le ha dado ningún hijo (perdió hasta tres hijos varones; sí, en cambio, sobrevivió una hija, la famosa “Bloody Mary”), Henry VIII argumenta la necesidad de un nuevo matrimonio, con su amante Anne Boleyn. Pero para conseguirlo debe pedir autorización al Papa. Como el Papa no se muestra dispuesto a anular el matrimonio con Catalina (más por razones políticas que por razones religiosas), Henry decide que el Parlamento lo nombre cabeza de la iglesia de Inglaterra, acto fundacional de la confesión anglicana, liberándose así de la dependencia religiosa de Roma.

A todo ello se niega a dar su apoyo Thomas More, a pesar de su amistad con el rey, incluso cuando es nombrado canciller, después de la muerte del cardenal Wolsey. Su argumento es que no se puede, mediante una ley, modificar aquello que estableció Jesús en la Tierra. El problema de More será cómo mantenerse firme en su negativa sin formular abiertamente cuál es su objeción, ya que, de hacerlo, sabe que le comportaría la condena y ejecución por alta traición.

En ese juego dialéctico entre la Corte (representada por Thomas Cromwell, que busca sin descanso motivos para poder acusar a More con la intención que se acabe doblegando) y el hábil teólogo y jurista, autor de “Utopía”, radical defensor de la superioridad jerárquica de la Iglesia romana, se mueve la tensión del film. Como es de esperar, visto los orígenes del proyecto, más allá de los aspectos visuales, que se presentan con un trabajo de cámara bastante funcional (Ted Moore fue el director de fotografía, responsable de todos los primeros films de la saga James Bond), el interés del film radica fundamentalmente en las interpretaciones de un reparto formado casi exclusivamente por actores británicos (con la salvedad de Orson Welles, como Wolsey, personaje que solo aparece en un par de secuencias al inicio del film), muchos de los cuales ya habían defendido sus papeles sobre el escenario.

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Por encima de todos, hay que señalar a Paul Scofield como More, al que ya había encarnado sobre las tablas tanto en Londres como en Broadway. Scofield, que acumulaba una breve experiencia previa en el cine, “es” More, sin duda, su interpretación es brillante, nos consigue transmitir toda la complejidad del personaje (aunque la película deja de lado la parte más oscura y controvertida de More: la dura represión desplegada contra los herejes durante su época de canciller).

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Junto a él, destaca Leo McKern, como Cromwell, intrigante y taimado político que busca satisfacer los deseos del rey a toda costa, para así acrecentar su poder dentro de la Corte.

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El monarca es Robert Shaw, cuya presencia en el film es bastante reducida. Shaw nos muestra un rey caprichoso, irritable, un tanto infantil, de trato rudo y franco, que aprecia a More, pero que no mueve un dedo para protegerlo.

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El personaje clave para que triunfe la acusación contra More, será Richard Rich (un joven John Hurt). Vemos al inicio del film como Rich pide a More, insistentemente, que le consiga un puesto en la Corte, pero no obtiene más que una reiterada negativa, por la evidente desconfianza de More. Así, será Rich, a cambio de un puesto en Gales, otorgado gracias a Cromwell, el que, mediante un falso testimonio, provocará la condena de More, que será decapitado. Si Cromwell simboliza la voluntad de poder, la falta de escrúpulos para obtener unos objetivos políticos, Rich se nos muestra directamente como un vendido, un traidor, un persona miserable y ruin.

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Completan el reparto, entre otros actores, Wendy Hiller, como la esposa de More; Susannah York, como su hija; Nigel Davenport, como el duque de Norfolk; y una joven Vanessa Redgrave, en una breve aparición como Anne Boleyn (el mismo año en que participó en el film londinense de Antonioni, Blow-up).

Vale la pena hacer notar que para un espectador que desconozca los intríngulis de este episodio de la historia de la corona de Inglaterra, puede resultar algo dificultoso seguir la trama, puesto que el guion está repleto de elipsis temporales, y no trata con detalle, por razones obvias de duración del film, los distintos personajes que participan en el conflicto (por ejemplo, Wolsey sale de escena muy pronto; no sabemos casi nada de la época de More como canciller; la reina Catalina no aparece en ningún momento, etc.). Con todo, hay multitud de películas y de series televisivas que han tratado el reinado de Henry VIII, como, por ejemplo, ya en este siglo, The Tudors, con Jonatha Rhys Meyers como el rey (en una sorprendente elección de casting), y Jeremy Northam como More.

Cierro el comentario con una especulación sobre el interés de Bolt (y de Zinnemann) por el tema. Bolt fue, según podemos leer en la Wikipedia, miembro del Partido Comunista de la Gran Bretaña, abandonándolo después de la invasión de Checoslovaquia por parte de la URSS, en 1968. O sea que, si hacemos caso a este dato, cuando escribió la obra e incluso cuando participó en el film como guionista, militaba en las filas del Partido. Lo comento porque ya hemos visto en más de una ocasión cómo en el cine de Zinnemann se puede rastrear la presencia, en forma alegórica si se quiere, de ciertas referencias al mccarthismo. Lo señalamos en relación con el tratamiento de la delación en Act of Violence, y así se suele interpretar también la soledad del marshal Kane en High Noon. Pues bien, la insistencia para que More jure la ley que convierte al rey en cabeza de la Iglesia, o que exponga cuáles son los motivos de no hacerlo, lo que equivale a una autoconfesión de traición, y su persistente negativa a hacerlo, me trae el recuerdo de las audiencias de la HUAC y la actitud de varios de los encausados a acogerse a la Quinta Enmienda y no declarar.

Con A Man for All Seasons termino la revisión de la filmografía de Zinnemann. Han quedado pendientes de comentario cuatro films: Eyes in the Night (1942), Little Mister Jim (1946), My Brother Talks to Horses (1947) y Teresa (1951). Si tengo ocasión de hacerme con alguna copia en condiciones de estos films, incluiré aquí los comentarios pertinentes. Quizá hubiera sido conveniente abrir un hilo específico dedicado a Zinnemann, pero cuando empecé esta revisión (fue un “pronto cinéfilo”, después de la lectura del dosier sobre el director austrohúngaro de la revista Dirigido Por) no tenía claro que acabase siendo tan completa, sobre todo vista la consideración que tenía hasta ahora de su obra, interés que, aunque se ha acrecentado, sigue estando bastante por debajo del que siento por otros directores de su generación.

Precisamente, hablando de compañeros de generación, cerraré la revisión próximamente con un comentario sobre el primer film en que aparece acreditado, aunque no como director: Menschen am Sonntag, de Robert Siodmak y Edgar G. Ulmer.

El elenco de Un hombre para la eternidad es exquisito. Compara uno los supuestos elencos magníficos de hoy en día con el de esta obra y palidecen de manera extrema. Juntaban a veteranos enormes con jóvenes con mucho futuro.
Fred Zinnemann, aunque no lo he disfrutado en su justa medida, sí creo (como comenté un día) que está entre los selectos directores, entre los importantes de Hollywood.

Vista ¨Dune¨2020 (o 2021).

Me ha parecido un film que no llega a altas cotas. Veo que es un film serio, bienintencionado, muy respetuoso con la obra. En los aspectos técnicos está muy bien, es un trabajo muy profesional, pero no hay nada fruto de la inspiración, incluso en los mejores apartados, no hay un pincelazo de genialidad, es todo un ejercicio de CONCEPT ART tasado en ¨Flujos de trabajo¨.

La dirección de Villeneuve tampoco me ha convencido. Además de corroborar que ¨Villeneuve no sabe dirigir las escenas de acción¨, me parece que el problema es más acuciante. Creo que no sabe dirigir ¨la acción¨, la acción como la fuerza de la escena, no sabe posicionarse para mirar. Esto lo apreciamos ya en el final de la segunda parte de Blade runner, con esa escena del coche tan campechana.

Es un film que raspa el 7..Cuando las intenciones eran ofrecer un buen ¨producto¨.


Comento más en el hilo.

Cita:

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Iniciado por C.Bethencourt

Es un film que raspa el 7..Cuando las intenciones eran ofrecer un buen ¨producto¨.

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Que conste que no la he visto (ni me atrae demasiado, sinceramente, si la pienso ver en algún momento es más por Villeneuve, de quien admiro Enemy y Prisoners, que por el tema). Pero un 7, aunque raspado, a mí me parece una buena nota. :D Será porque cada vez soy más reacio a "poner" excelentes o matrículas de honor a las películas.

Cita:

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Iniciado por mad dog earle

Que conste que no la he visto (ni me atrae demasiado, sinceramente, si la pienso ver en algún momento es más por Villeneuve, de quien admiro Enemy y Prisoners, que por el tema). Pero un 7, aunque raspado, a mí me parece una buena nota. :D Será porque cada vez soy más reacio a "poner" excelentes o matrículas de honor a las películas.

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Es un 7 por todo lo demás...Es un film como digo, muy ¨serio¨..Y eso se agradece..Pero no tiene ningún detalle de genialidad, ningún camino nuevo, el Concept Art, es el de siempre. No hay algo nuevo como el mundo Giger en Alien. El propio Cronenberg con su Body Horror. O sea, unas Ideas, Texturas, mundos ARTICULADOS. Ese, CREAR ALGO NUEVO...No lo tiene...

De Villeneuve, me gusta esas dos que has dicho, y también Sicario...Que está bastante bien, y adapta estupendamente un mundo tan contrario como el del guionista Taylor Sheridan....

Hay de hecho una escena muy parecida a Enemy...Con algo en las esquinas del techo de una habitación...Y no se ve nada...Lo sombrío e incluso lo oscuro, se tiene que ver...Como hace Vittorio Storaro...No un borrón, pequeño en el plano, que no está contrastado con el escenario, y si me apuras...En algunas escenas, no hay ni foco en planos generales..

Los planos generales, además de tener que tener una buena composición de escenario, los personajes, tienen que estar también bien colocaitos en la escena...Aquí te ponen el plano del desierto, y luego los personajes se mueven así...a lo campechano...Repito, Villeneuve no entiende ni donde está la fuerza de la escena...ni muchas veces la fuerza en el plano.

Esto es una explicaicón de por qué no es un film notabílisimo...Que debería serlo para mí, por una serie de motivos..Alguno de ellos subjetivo.

Cita:

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Iniciado por Synch

Hace unos días vi The Last of Sheila, película whodounit de 1973, con guión co-firmado por Stephen Sondheim, y que el compañero (y asesor musical) (late saturday night consulting producer) (a what?) Branagh/Doyle me recomendó hace unas semanas.

Vaya por delante que Sondheim aparte a mi el whodounit suele gustarme mucho. De hecho cualquier película con gente metida en un mismo sitio durante horas o pocos días, con mierda del pasado salpicando, y tal me mola. Pero si es whodounit, más.

Un productor de cine reúne a varios amigos a bordo de un barco, en un crucero por el Mediterráneo, para proponerles un juego de rumores en el aniversario del atropello y muerte de su esposa. Clinton, el productor, reparte unas tarjetas con un rumor que corresponde a cada uno de los invitados y cada noche, en una parada del barco, deben descubrir a quien pertenece. En una de esas paradas muere alguien y, claro, deben resolver el asunto.

De entrada decir que siendo de 1973 y con productores, guionistas y demás gente del mundo del cine, el film tiene un aire concreto, casi adelantando esos personajes de profusión cultural concreta y pijerio recurrente de los films de Woody Allen a partir de su colosal Interiors hasta la actualidad. Los personajes de Sheila destilan cierto aire superficial pero ese trasunto no es la chicha de los mismos sino la excusa para concentrarnos en lo que nos interesa: el juego y el asesino. Herbert Ross, director y productor, atina bien en ello, igual que Allen.

El guión, necesitado de mucho diálogo que logre anticiparse a las resoluciones del espectador (yo pillé al asesino/a pero, joder, creo que tampoco era difícil por la exposición del personaje) es rico en intercambios y sobre todo atina bien en la personalidad de cada uno. Pero esto se remata en las interpretaciones en las que destaco a James Coburn y sobre todo a Dyan Cannon, que clava su papel de descuidada-vivalavida.

El final, eso sí, me ha roto el esquema pero me mola que sea así. Atrevido.

Ah, esto a modo teatro... Ignoro si Sondheim incorporó lenguaje más apto para la escenografía clásica, o le salió solo, o se me va la pinza más de lo habitual (que ya es decir, me cago en todo).

PD: viva el puto mediterráneo.

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Muchas gracias, Synch. La dirección y el montaje son un poco irregulares, pero obviamente el plato fuerte es el guión, que me parece una pequeña delicia. Hay diálogos que son muy Sondheim, pero bueno, esto ya lo irás notando más cuando vayas viendo más musicales suyos.


Ignoro si Sondheim incorporó lenguaje más apto para la escenografía clásica, o le salió solo, o se me va la pinza más de lo habitual (que ya es decir, me cago en todo).


No se te va la cabeza, no. Yo creo que le salió solo.


late saturday night consulting producer

:lol

Esto no tiene nada que ver pero me ha venido a la cabeza tras leerte esto. ¿Sabías que Howard Shore fue el director musical del Saturday Night Live entre 1975 y 1980, y fue entre otras cosas responsable de que los Blues Brothers (el dúo cómico musical formado por John Belushi y Dan Aykroyd) se llamasen así?.

:abrazo


Gracias de nuevo. Como entrante no ha estado nada mal. Los platos fuertes ya irán llegando. :P

Cita:

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Iniciado por C.Bethencourt

Una cónica...Se cogen dos conos y se unen en la punta...Y a esa figura se le hacer un corte oblicuo...Esa sección, es una hiperbola...O sea, ese dibujito.

No confundir con una hipérbole...Eso es otra cosa.

https://www.youtube.com/watch?v=jVgu3ieUXFU

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I knew it. I knew it. :cafe

Cita:

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Iniciado por Alcaudón

I knew it. I knew it. :cafe

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Sabía que lo sabías...
:cigarro

Sabía que tu sabías que yo lo sabía... :ceja

Cita:

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Iniciado por tomaszapa

El elenco de Un hombre para la eternidad es exquisito. Compara uno los supuestos elencos magníficos de hoy en día con el de esta obra y palidecen de manera extrema. Juntaban a veteranos enormes con jóvenes con mucho futuro.
Fred Zinnemann, aunque no lo he disfrutado en su justa medida, sí creo (como comenté un día) que está entre los selectos directores, entre los importantes de Hollywood.

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El mismo Paul Scofield fue un intérprete en perpetuo estado de gracia, desde su nazi en "El tren" de Frankenheimer hasta "Quiz show" o el "The crucible" milleriano. Intimidante como intérprete.

Cita:

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Iniciado por Otto+

El mismo Paul Scofield fue un intérprete en perpetuo estado de gracia, desde su nazi en "El tren" de Frankenheimer hasta "Quiz show" o el "The crucible" milleriano. Intimidante como intérprete.

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Quiz show es una película que me gusta mucho. Desde que vi el pase por el plus hace la tira de años (todavía tenía la llavecita y solo había un canal), me encantó el repartazo tan bueno. Esta es una de las que me gustaría tener en BD. Y bastante olvidada por mucha gente, por cierto.

Cita:

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Iniciado por tomaszapa

Quiz show es una película que me gusta mucho. Desde que vi el pase por el plus hace la tira de años (todavía tenía la llavecita y solo había un canal), me encantó el repartazo tan bueno. Esta es una de las que me gustaría tener en BD. Y bastante olvidada por mucha gente, por cierto.

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Y eso que el director fue Robert Redford. :cortina En su día me gustó (la vi de estreno), sobre todo la interpretación de Ralph Fiennes, pero tendría que volverla a ver.

Ralph Fiennes dirigió una película que a mí me gustó mucho y que vi primero en el cine y luego me compré en DVD, THE INVISIBLE WOMAN (2013), con una exquisita Felicity Jones.

https://m.media-amazon.com/images/I/...QL._SL600_.jpg

Y no deja de ser curioso que Kristin Scott Thomas hiciera de madre de la anterior.

The Curse of the Cat People


Peli denostada en su momento y lanzada como una secuela!! de La mujer pantera de J Tourneur.

Val Lewton se opuso a venderla como continuación...no entiendo porque se obró de esa manera.
https://64.media.tumblr.com/ebbba1a2...cc8644e08.gifv
https://64.media.tumblr.com/abca726b...02294b882.gifv

Dirigida por Robert Wise es una historia plagada de magia,belleza y con un mensaje hacia esa infancia de amigos invisibles con la que más de uno se sentirá identificado.La fotografía es fascinante...pululan entre otros que aparecian en la peli de Tourneur y nada más que eso...el Oliver tan lelo como de costumbre eso sí y Simone Simon maravillosa amiga de Amy cómo Lewton quería títular la peli

https://64.media.tumblr.com/3b8d4041...eaaebcdc1.gifv
https://www.youtube.com/watch?v=udK_WZ2f1ks

En fin...

Combo total:

8/10

Cita:

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Iniciado por mad dog earle

Y eso que el director fue Robert Redford. :cortina En su día me gustó (la vi de estreno), sobre todo la interpretación de Ralph Fiennes, pero tendría que volverla a ver.

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Es una gran película. A mi Gente corriente me pilló pequeñito (en esa edad estaba más por Parchís), pero estas dos seguidas que dirigió Redford, El río de la vida y Quiz Show, me subieron el hype de manera considerable :lengua La pena es que después vinieron pelis del tenor de El hombre que susurraba a los caballos. Nada que ver.

THE CURSE OF THE CAT PEOPLE siempre ha arrastrado la, para mi modesta opinión, injusta fama de ser uno de los títulos más flojos del ciclo Val Lewton. Y es una lástima porque es un título francamente interesante en el que repiten todos los protagonistas incluida la mujer pantera original, la ciertamente felina Simone Simon.

https://i.pinimg.com/564x/97/ca/23/9...d4f04d9977.jpg

Cita:

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Iniciado por tomaszapa

Quiz show es una película que me gusta mucho. Desde que vi el pase por el plus hace la tira de años (todavía tenía la llavecita y solo había un canal), me encantó el repartazo tan bueno. Esta es una de las que me gustaría tener en BD. Y bastante olvidada por mucha gente, por cierto.

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Y con cameo de Martin Scorsese :cortina

Hoy he visto una pendiente aprovechando que sigo tirando de FlixOle: El crack Dos

Casi que me ha gustado tanto como la primera. Es un casi de, pongamos, medio punto de diferencia pero vaya me ha dado la misma ración del combinado que tanto me gusta de la primera. Ese noir urbano, con esa melodía a piano (y saxo más tarde) que se va repitiendo pero que es tan letal, tan de suceder donde suceden ambos Crack: en el Madrid de 1981-1983, parece que siempre en meses de otoño-invierno, siempre en el bullicio inacabable de la ciudad (que Madrid sea urbanísticamente más desordenada que BCN creo que favorece esa sensación de jungla urbana en películas así, aunque BCN ha pegado bien para ese género también, esa Barcelona Sur de 1981).

Además Garci se regala en planos de la ciudad, a pie de calle, altos, casi siempre de noche, esos bares y cafeterías, aún muy lejos de los tiempos de modernizarlo todo y clonarlo a otras ciudades europeas (algo que ya empezaba a ser notable, claro, en los mismos 80 y sobre todo 90, y ya del todo 00s). Y, como siempre, perspectiva: Areta parece no disfrutar con lo que hace, ni donde vive, ni como vive ahora la gente etc Con su amigo hablan de boxeo de hace eones. Los tiempos modernos son una castaña. Bien pues eso es 1983, Movida a tope, ahora nostalgia total de la década o de esos años/ciudad, pero como siempre me gusta, en cada época es lo mismo: antes todo molaba, ahora ya no.

También me fascina como se recrea en imágenes del día a día, cocinas, salas de estar, cenas, comidas, bebidas, TV, radio... En este caso me afecta un poco porque soy del '77 por lo que mis primeros recuerdos son más o menos de esos años (pero lo fuerte me llegó en la 2a mitad de los 80, claro) y aunque soy de BCN, el tema urbano es muy similar. Aún así también me mola reconocer ese Madrid. Me acojona pensar que la 1a vez que fui (1997) y sobre todo cuando empece a ir MUY a menudo (2001) queda más cerca del Crack 2 (18 años) que de ahora (20...). La leche.

Para remate esta rodada y ambientada durante las Navidades. Y curiosamente potencia la sensacion alienada de Areta y todo se antoja triste y nostalgico.

El caso no afecta tanto en lo personal a Areta pero se le ve ya harto, pese a que vive con la madre de la niña que fallece, y lo que acontece es ya lo que necesita para abandonar. Atrevido Garci al dar el caso principal a una pareja homosexual.Y que Areta, que cuadraría con coñas y demás, no suelta ni una.

Estaría HORAS escuchando esta BSO de Jesús Glück:

https://www.youtube.com/watch?v=8OVwlktBryI

Cita:

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Iniciado por Alcaudón

THE CURSE OF THE CAT PEOPLE siempre ha arrastrado la, para mi modesta opinión, injusta fama de ser uno de los títulos más flojos del ciclo Val Lewton. Y es una lástima porque es un título francamente interesante en el que repiten todos los protagonistas incluida la mujer pantera original, la ciertamente felina Simone Simon.

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A la que tendremos ocasión de ver en el ciclo dedicado a Renoir. :cortina

Menschen am Sonntag (1930), de Robert Siodmak y Edgar G. Ulmer

https://pics.filmaffinity.com/Gente_...48423-mmed.jpg

Cierro la serie de comentarios sobre Fred Zinnemann volviendo al principio, a Alemania, para hablar de un film en el que el director austrohúngaro no aparece en los títulos de crédito, figurando como directores Robert Siodmak y Edgar G. Ulmer (ambos no tardaron a viajar a Hollywood). Junto a ellos, completando la nómina de futuros exiliados, Billy Wilder firma el guion, a partir de un reportaje de Kurt Siodmak (aquí con K), mientras que Eugen Schüftan se ocupa de la fotografía. El papel de Zinnemann, según algunas fuentes, fue el de ayudante de Schüftan, aunque suele ser habitual considerarlo también codirector no acreditado (como, según imdb, también lo fue Curt Siodmak y Rochus Gliese, el único que no recaló en Hollywood, aunque participó en algún film estadounidense, incluida una presencia no acreditada como director artístico en Sunrise, de Murnau).

La película, producida por Moriz Seeler (que aparece en los créditos como responsable de la “Leitung”) y al parecer Seymour Nebenzal para la productora Filmstudio 1929, fundada por Seeler, se rodó durante el verano de 1929 en Berlín, estrenándose en febrero de 1930. Un rótulo nos lo presenta como el primer ensayo o experimento (“Versuch”) de la productora y como un film sin actores (“Filmstudio 1929 zeigt seinen ersten Versuch. Menschen am Sonntag, ein film ohne Schauspieler”).

Ciertamente, los protagonistas de la leve trama argumental son cinco jóvenes (dos hombres y tres mujeres), identificados con sus nombres reales, sin experiencia previa como actores, lo cual le da a la película un cierto carácter de film amateur, unido al hecho de que era el debut en el cine (o casi) de la mayoría de los participantes en el rodaje (aunque alguien como Schüftan ya hubiera brillado en los efectos visuales de grandes títulos, como las languianas Die Nibelungen o Metropolis, Variété de Dupont o Napoléon de Abel Gance).

Esos cinco jóvenes son: un taxista (Erwin); la vendedora de una tienda de discos (Brigitte); el polifacético Wolfgang, que se nos informa que ha sido “oficial, granjero, anticuario, bailarín” y “actualmente viajante de vinos”; Christl, extra en una película; y Annie, una modelo. Se nos presentan durante un sábado, en el cual Wolfgang conoce casualmente a Christl y la invita a una excursión dominical, a la cual se sumará su amigo Erwin y la amiga de Christl, Brigitte, mientras que Annie, que vive con el taxista (¿es su mujer, o son pareja sin vínculo matrimonial?) se quedará todo el día en la cama.

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Llega el domingo y los cuatro, dos chicos y dos chicas, se desplazarán a Nikolassee, y desde allí al Wannsee (de triste recuerdo, porque fue en su orilla donde el régimen hitleriano tomó la decisión de aplicar la “solución final” a los judíos), una zona lacustre berlinesa, en donde se concentra un gran número de “domingueros”: familias, jóvenes, deportistas… en busca de diversión y aire puro, lejos del ajetreo de la gran capital.

Durante la jornada dominical, que como el resto del film tiene un marcado carácter documental, los cuatro jóvenes se bañarán, tomarán el sol, escucharán discos, comerán y tontearán, especialmente Wolfgang que, sin escrúpulos, probará primero de seducir a Christl y, ante el rechazo de la chica (que le da un tortazo cuando intenta besarla), se concentrará con más éxito en Brigitte.

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Toda la película tiene un aire ligero, luminoso, estival, aunque con un poso un tanto triste o melancólico, especialmente por lo evanescente de ese amorío de fin de semana y los celos que despierta la actitud complaciente de Brigitte en su “mejor amiga” Christl.

De vez en cuando, la película amplia el foco y nos muestra imágenes, decididamente documentales, de indudable interés histórico y sociológico, sobre las diversas formas de pasar el domingo de los berlineses. Imagino que para un berlinés este film será un tesoro para recordar (algo difícil ya, por motivos de edad) o descubrir el pasado de la gran capital, más si uno tiene presente el estado de Berlín después de la II Guerra Mundial (que estos días he evocado con la serie Los vencidos/Shadowplay). Hay una clara vocación de experimentar con la cámara, en la línea de films como Berlin - Die Sinfonie der Großstadt, de Walter Ruttmann. Por ejemplo, mediante un carrusel de primeros planos de personas que están siendo fotografiadas por un fotógrafo callejero, series que acaban siempre con una foto congelada del modelo.

La relación entre Wolfgang y Brigitte se anima durante un paseo entre los árboles, cayendo uno en brazos del otro, besándose.

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La cámara empieza a moverse encuadrando los alrededores (en los cuales hay una acumulación de suciedad que contrasta) y volviendo a la pareja, con lo que se elude hasta dónde han llevado la relación, un brillante off visual (se puede jugar a pensar que ha sido imaginado por Wilder, siguiendo la estela del gran Lubitsch). El día se completa con un paseo por el lago con un bote a patines y la vuelta a Berlín, con la promesa de Wolfgang a Brigitte de volverse a ver el domingo siguiente… pero Erwin le comentará a su amigo que el próximo domingo tienen previsto ir al fútbol. Una ironía final que desvanece el tono romántico, de inicio de una relación amorosa, que parecía presagiar la jornada.

La película, finalmente, se cierra con imágenes del lunes, de la vuelta al trabajo, a la cotidianidad. Un rótulo nos advierte: “4 Millionen warten auf den nächsten Sonntag”, o sea esperan el próximo domingo. El ciclo vital se reproduce mecánicamente semana tras semana.

Hay un detalle divertido para cinéfilos: Erwin y Annie tienen la habitación donde viven decorada con numerosas fotos de actores y actrices. Durante una discusión, Erwin ensucia de crema de afeitar una foto de Willy Fritsch, protagonista de la languiana Spione, que hemos comentado recientemente en el hilo del vienés. Como represalia, Annie corta la foto de Greta Garbo.

https://image.tmdb.org/t/p/w780/tXMV...umuvLysGBp.jpg
https://filmoteca.cat/web/sites/defa...&itok=4N6eseE7
http://filmoteca.cat/web/sites/defau...&itok=4N6eseE7
http://filmoteca.cat/web/sites/defau...&itok=4N6eseE7

Por último, hay que destacar que no se ha conservado la totalidad del metraje. Según se nos advierte, la longitud original era de 2.014 metros. Se encontró una copia en los Países Bajos (el negativo se da por perdido) de 1.615 metros, que se han completado hasta los 1.839 con fragmentos de distintas procedencias. Quizá en ese 10% que nos falta se justifica que Wolfgang aparezca a partir de un determinado momento con la camisa rota, justo después de su aparte con Brigitte. Por otro lado, la película, muda, se presenta con una banda sonora orquestal elaborada en 2000 por Elena Kaets-Chernin, bastante acertada, aunque quizá demasiado ampulosa en algunos momentos (hay incluso fragmentos cantados por una voz femenina).

Y, a todo esto, ¿dónde queda Zinnemann? Pues, lo cierto es que no lo sé. En todo caso, su participación en este film nos puede dar una pista del interés sobre lo documental que mostró a lo largo de toda su carrera. Recordemos que su primer largometraje fue Redes, rodada en México, con un fuerte componente documental, y que antes de desarrollar su carrera en Hollywood como director de películas de larga duración se dedicó durante años al cortometraje documental o didáctico. Quizá, en definitiva, y en resumen, podríamos señalar a Zinnemann como uno de los directores clásicos que más reflejó en su obra una originaria querencia por lo documental, desde la cual se puede revisar su filmografía.

Cita:

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Iniciado por Otto+

Y con cameo de Martin Scorsese :cortina

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Cierto. Era el alto ejecutivo de Geritol, la patrocinadora del concurso y la que tenía la sartén por el mango. Contaba Robert REdford que lo eligió para el cameo a Scorsese por su forma de hablar rápida, que le pusiera su puntito de personaje amenazador, pero que esa dureza estuviera combinada con clase.

Y una breve coda final sobre la revisión de la obra de Zinnemann. Es posible que, de forma inadvertida, la mayoría tengamos en nuestra videoteca uno de los cortos que el director austrohúngaro filmó antes de empezar su carrera como director de largometrajes en Hollywood.

Se trata de The Old South, un breve documental que, recurriendo a la representación ficcionada, nos habla de la historia del oro blanco del Sur de los Estados Unidos: el algodón, generador de gran riqueza que justificó el traslado de mano de obra esclava de las costas africanas a Norteamérica. Se trata de un corto que acompañaba la proyección de Gone with the Wind, y que ahora suele encontrarse en los extras de las ediciones de la película. Lo cierto es que el mensaje divulgativo del corto no creo que pase los estándares actuales sobre la cuestión, con una escena de una familia negra separando las semillas de la fibra de algodón que no puede resultar más tópica (comentario sobre las sandías incluido), de cierto aroma racista. Todo ello para, a continuación, mostrarnos al "héroe", blanco por supuesto, Eli Whitney, el inventor de la desmotadora, que permitió un crecimiento exponencial en la producción de algodón... lo cual requirió de más esclavos. Y eso que se trata de un corto dirigido por Zinnemann, un director de origen judío al que podemos situar, creo que sin duda, dentro del ala progresista de Hollywood.

https://encrypted-tbn0.gstatic.com/i...I0grg&usqp=CAU

Cita:

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Iniciado por tomaszapa

Cierto. Era el alto ejecutivo de Geritol, la patrocinadora del concurso y la que tenía la sartén por el mango. Contaba Robert REdford que lo eligió para el cameo a Scorsese por su forma de hablar rápida, que le pusiera su puntito de personaje amenazador, pero que esa dureza estuviera combinada con clase.

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Hablando de cameos y de Scorsese, ayer revisé la tercera parte de The Godfather, con el nuevo montaje de Coppola, y aprecié la presencia de la madre de Martin, Catherine, en una breve secuencia en un café. Mamá Scorsese fue un poco como la madre de Almodóvar, una presencia habitual en las películas de su hijo (o, como en este caso, de su amigo Coppola).

Había visto muchas veces enumerado ese extra en la edición de Lo que el viento se llevó (tengo varias en todos los formatos), pero no sabía de su autor. Me lo apunto, mad dog. :agradable