Mitica Tarantula, una de las monster-movies de los 50s mas reinvidicables.
Con cameo del maestro Eastwood incluido, mejor imposible :D
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Mitica Tarantula, una de las monster-movies de los 50s mas reinvidicables.
Con cameo del maestro Eastwood incluido, mejor imposible :D
REVISANDO LOS GRANDES MELODRAMAS DE DOUGLAS SIRK (1897-1987) / PARTE IX (Y ÚLTIMA)
IMITATION OF LIFE (1959, IMITACIÓN A LA VIDA)
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Director: Douglas Sirk.
Producción y distribución: Universal-International Pictures Co., Inc.
Productor: Ross Hunter.
Guion: Eleanore Griffin y Allan Scott, basado en la novela homónima de Fannie Hurst (Nueva York, 1933). [Serializada previamente en la revista Pictorial Review desde noviembre de 1932 hasta abril de 1933 como “Sugar House”].
Dirección artística: Alexander Golitzen y Richard H. Riedel.
Decorados: Russell A. Gausman y Julia Heron.
Fotografía: Russell Metty (en Eastman Color by Pathé y formato panorámico (1.85:1)).
Música: Frank Skinner.
Montaje: Milton Carruth.
Reparto: Lana Turner (Lora Meredith), John Gavin (Steve Archer), Sandra Dee (Susie, a los 16 años), Susan Kohner (Sarah Jane, a los 18 años), Robert Alda (Allen Loomis), Dan O’Herlihy (David Edwards), Karin Dicker (Sarah Jane, a los 8 años), Terry Burnham (Susie, a los 6 años) y Juanita Moore (Annie Johnson).
Duración: 2 h 04 m 33 s.
Rodaje: desde el 5 de agosto hasta principios de octubre de 1958.
Estreno: 17 de marzo de 1959.
Recaudación: 6.400.000 dólares (Variety, 4 de enero de 1961).
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No creo que nadie a estas alturas dude de que el director de origen alemán Hans Detlef Sierck tiene en su filmografía alguno de los mejores ejemplos del melodrama de la Historia del Cine.
Y no deja de ser curioso que de los nueve grandes melodramas que rodó en los EUA el primero (OBSESIÓN (1954)) y el último (la película hoy comentada) fuesen sus mayores éxitos económicos.
En el listado de las películas más taquilleras de todos los tiempos elaborado por la prestigiosa revista Variety, en su número del 4 de enero de 1961, se recogen todos los títulos que superaron los 4 millones de dólares de recaudación en el mercado doméstico (incluyendo Canadá).
Pues bien, en dicho listado IMITACIÓN A LA VIDA ocupa un puesto privilegiado, con una recaudación de 6.400.000 dólares, mientras que OBSESIÓN alcanzó los 5.200.000. Y si seguimos bajando en el mismo nos encontremos con otro título del director, ESCRITO EN EL VIENTO, con 4.400.000.
Tengamos en cuenta que estoy hablando de las películas más taquilleras de todos los tiempos …
… hasta 1961…
Lástima que el director no tuviera similar reconocimiento por sus pares en la concesión de los Oscar pero…
IMITACIÓN A LA VIDA supuso por una parte el cuarto remake en su carrera de una película previa (tres de ellas firmadas por el (gran) director neoyorquino John M(alcolm) Stahl (1886-1950), del que espero hacer pronto una revisión de su obra sonora...) y por otra parte la cinta que supuso su despedida no sólo de Hollywood sino del cine en general.
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En IMITACIÓN A LA VIDA -otro de esos hermosos títulos con los que se bautizaron sus películas - contó con la mayor parte de los colaboradores del primer largometraje con el que inicié esta apasionante (al menos para mí) revisión.
El productor Ross Hunter.
El decorador Russell A. Gausman.
El director de fotografía Russell Metty.
El compositor Frank Skinner.
El montador Milton Carruth.
Sólo echamos de menos la presencia del apuesto Rock Hudson (1925-1985) quien dejó de colaborar - intuyo que de mutuo acuerdo – con el director después del rodaje de la magistral ÁNGELES SIN BRILLO (1957) y que tendría su relevo natural en la figura del igualmente atractivo John Gavin (1931-2018), aunque siempre he considerado a este actor como un sosias en tono menor del primero.
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Incluso ambas se rodaron en formato panorámico puesto que la Universal-International dejó de experimentar con el CinemaScope a finales de la década de los ‘50.
Muchos de esos títulos, al menos los mejores, comparten una obsesión estilística del director como es la utilización de los espejos, los escaparates o las ventanas (o los reflejos en el agua, como veíamos en TIEMPO DE AMAR, TIEMPO DE MORIR) y que aquí, igualmente, harán acto de presencia a lo largo de toda la proyección, incluido el inolvidable final de la cinta.
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Puesto que en su momento descarté la posibilidad de hacer una comparativa entre SUBLIME OBSESIÓN (1935) de Stahl y OBSESIÓN (1954) de Sirk, me permitiréis que haga lo mismo en esta entrega final del coleccionable y obvie la misma entre IMITACIÓN DE LA VIDA (1934) de Stahl e IMITACIÓN A LA VIDA (1959) de Sirk.
Ya habrá tiempo cuando repase la obra del (apasionante) cineasta norteamericano…
La intención original del productor Ross Hunter era hacer de IMITACIÓN A LA VIDA un musical (¿?) y para ello ya en 1956 había comprado los derechos de la novela y tanteado la posibilidad de que la actriz Shirley Booth, que había ganado el Oscar a mejor actriz en 1953 (por su papel en COME BACK, LITTLE SHEBA, de Daniel Mann) y Ethel Waters (sí, la misma actriz que encarnó a la abuela de la protagonista en la recientemente comentada – en el otro rincón – PINKY, de Elia Kazan) encarnaran, respectivamente, a Bea Pullman y a Delilah Cillah Johnston (las Lora Meredith y Annie Johnson de la película).
Según iba avanzando la preproducción, Pearl Bailey sustituyó a Waters y más tarde la mismísima Mahalia Jackson hizo lo propio con la primera.
Sin embargo, finalmente la cantante declinó la oferta – aunque no su participación en la película, como todos bien recordamos… - y su lugar lo ocupó final y felizmente Juanita Moore (1914-2014), sin lugar a dudas, uno de los más grandes aciertos – a nivel interpretativo – de la película.
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Pero, a todo esto, ¿cuál fue el motivo de que finalmente el protagonismo de la cinta recayera no en Shirley Booth sino en la fascinante (y bellísima) Lana Turner (1921-1995), antigua estrella de la MGM?
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Pues seguramente el hecho de que su nombre estuviera en boca de todos debido al monumental escándalo que se produjo en 1958 por el asesinato a manos de su propia hija, Cheryl Crane (1943), del amante de la actriz, el gánster Johnny Stompanato.
- Y que no deja de tener su (relativa) correspondencia con lo que acontece en la película, dada la relación entre la madre y la hija… -
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De hecho, Lana estipuló que en su contrato, aparte de su (abultado) salario, se llevaría el 5% de los beneficios en taquilla de la película.
Y no sólo eso si no que para elaborar su (suntuoso) vestuario se contrataran los servicios del prestigioso modisto Jean Louis (1907-1997) – recordemos sus creaciones para la felina Kim Novak -, para lo cual la Universal-International tuvo que pedirlo en préstamo a la Columbia, quien confeccionó una colección completa de vestidos para la actriz valorada en más de un millón de dólares (¡!), uno de los más costosos de toda la Historia del Cine.
Claro que Lana Turner ya había probado recientemente las mieles del éxito como madre de buen ver en la espléndida PEYTON PLACE (1957) de Mark Robson, que también comenté no hace tanto en este mismo rincón y que le supuso su única nominación a los Oscar a la mejor actriz en toda su larga carrera (quien debutó en la gran pantalla en la controvertida THEY WON’T FORGET (1937) de Mervyn LeRoy).
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Basada en la novela homónima de Fannie Hurst (1885-1968), con prepublicación previa – y con distinto título - en la revista femenina Pictorial Review y también, en parte, en el guion de William Hurlbult (1878-1957) – guionista, entre otras, de la mítica LA NOVIA DE FRANKENSTEIN (1935) de James Whale - para la versión de 1934 de Stahl, IMITACIÓN A LA VIDA supuso el ajuste de cuentas final entre el director alemán y el cine norteamericano de la época del que se sentía cada vez más alejado y decepcionado.
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Ese portazo final le supondría paradójicamente y como ya decía al inicio, el mayor éxito en la carrera del director, aunque es evidente que el público no entendió (aunque sí probablemente la crítica) la notable acidez que impregna toda la película.
Una visión nada idealizada del (fracasado) sueño norteamericano.
Una historia que se desarrolla a lo largo de once años, de 1947 (como se puede apreciar en ese cartel que cuelga de la barandilla en la que se apoya una angustiada Lora que ha perdido a su hija entre el gentío que se apelotona en las playas de Coney Island y que nos trae a la memoria a ese otro Mardi Gras de Nueva Orleans de 1932 que servía de marco espacio/temporal de la maravillosa ÁNGELES SIN BRILLO) hasta 1958.
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Una historia donde las mujeres son las protagonistas, más que en ninguna otra película de las nueve que forman el canon del director.
Lora y Annie, ambas viudas y con hijas pequeñas a su cargo.
La primera blanca y la segunda negra.
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Y la pequeña Sarah Jane (Karin Dicker, luego Susan Kohner) que al igual que la mencionada Pinky, trata de pasar por blanca en un mundo donde importa más el exterior (el color de la piel) que el interior (las cualidades humanas de la persona).
Y ambas son pobres.
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A pesar de la profunda amistad y cariño que se profesan Lora y Annie, la película deja claro desde un principio las diferencias de no tanto de raza sino de clase que existen entre ambas.
Y es que Annie acaba siendo, aunque sea algo asumido con alegría por ella, la criada de Lora, como Sirk nos muestra desde el momento en que aquella pisa la casa de esta y recibe una llamada de trabajo.
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Y no sólo eso sino que a pesar de vivir juntas durante diez años Annie sigue siendo una perfecta desconocida para Lora como Sirk deja bien claro en la magnífica escena (espejo incluido) en la que esta se extraña de que aquella tenga amigos.
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“No tenía ni idea de que tuvieras amigos”.
Un comentario que indica en el fondo lo poco que conoce Lora a Annie a pesar de considerarla su mejor, o tal vez, su única amiga…
Y Lora todavía se sorprenderá más cuando en su lecho de muerte sepa lo buena que Annie ha sido no sólo con ella sino con todos sus semejantes.
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En ese sentido, el personaje de Annie se aproxima (emocionalmente) al marido de Helen (Jane Wyman) en OBSESIÓN.
Dos personas que se dedican a hacer el bien anónimamente sin esperar ninguna recompensa a cambio.
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Una hermosa lección que convendría no olvidar en estos tiempos tan aciagos.
Un racismo sutilmente velado por la elegancia en la puesta en escena del director sobrevuela toda la película pues, aunque en el fondo Lora es una mujer sin prejuicios raciales obtiene de Annie mucho más de lo que esta consigue de aquella.
Sólo el personaje encarnado por John Gavin carece absolutamente de prejuicios (raciales) y trata con profundo cariño tanto a Annie como a su hija Sarah Jane.
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Sin embargo, el personaje carece del peso que un actor como Rock Hudson, incluso cuando no era primer plato, tenía en la historia, siendo Steve en el fondo un hombre con ambiciones pero que al contrario que Lorna se conforma con una vida gris y mediocre y siempre esperando pacientemente su desinteresado amor.
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Annie se convertirá no sólo en el firme baluarte en el que se refugie Lora sino también en la auténtica madre de Susie (Terry Burnham, luego Sandra Dee).
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Sirk deja claro desde un principio que sus simpatías están claramente del lado de Annie y no del de Lora, una persona que subordina toda su existencia, incluido el cuidado y la educación de su propia hija, al logro de alcanzar el estrellato, aunque sea con el pretexto de conseguir para su hija lo que ella no tuvo de niña.
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Pero igualmente los distintos hombres que mariposean a su alrededor (tanto Allen (Robert Alda), como David (Dan O’Herlihy, el Robinson Crusoe buñueliano) o el propio Steve (John Gavin)) no son más que peldaños (u obstáculos) de la escalera al éxito en la que se haya encaramada Lora.
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Sin embargo, también Annie fracasará como madre de Sarah Lee, al no comprender los verdaderos sentimientos de su hija, una negra blanca, valga la expresión, que ve en su madre el principal obstáculo para alcanzar la felicidad. O sea, ser aceptada como una más en un mundo de blancos (y para blancos).
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Es de agradecer que al menos la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas nominara a las dos auténticas protagonistas de la película, Juanita Moore y Susan Kohner, en la categoría de mejor actriz de reparto, aunque ninguna de ellas se llevara a casa la preciada estatuilla.
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Pese a todo, el fracaso de Annie se tornará en apoteósico éxito en el memorable final con el que Sirk rubricará su salida de Hollywood y su entrada en el Olimpo de los grandes directores de la Historia del Cine.
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Seguramente no sea IMITACIÓN A LA VIDA el mejor melodrama de Douglas Sirk quizás porque me interesa menos la historia de Lora/Susie que la de Annie/Sarah Jane y porque además los personajes masculinos sirven de meros comparsas.
- Por cierto, no deja de ser curioso que el actor Troy Donahue (1936-2001) que ya tuvo un pequeño papel en ÁNGELES SIN BRILLO y que aquí encarna al novio (racista) de Sarah Jane, se haría famoso por una serie de melodramas que el gran Delmer Daves dirigió al final de su carrera, siendo el primero EN UNA ISLA TRANQUILA AL SUR (1959), en el que trabajó con…
… Sandra Dee… -
De hecho y si tuviera que elegir mi favorito entre los nueve que he reseñado, cosa harto difícil, creo que me quedaría con SÓLO EL CIELO LO SABE (1955).
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Pero todos ellos, incluso un título “menor” como es INTERLUDIO DE AMOR (1957), forman parte del canon de uno de los géneros más y mejor trabajados por el cine norteamericano clásico como es el melodrama.
Con este comentario doy por finalizada la revisión de las “obras mayores” de Douglas Sirk pero que de ello no se infiera que sus películas anteriores carezcan de interés, todo lo contrario.
Ahí tenemos westerns (un género por el que el director alemán tenía auténtica veneración) como el muy atractivo RAZA DE VIOLENCIA (1954), “secuela” de la mítica FLECHA ROTA (1950) del mencionado Delmer Daves.
O pequeños clásicos del género de aventuras como ATILA, REY DE LOS HUNOS (1954) y ORGULLO DE RAZA (1955), que además fueron sus primeras incursiones en el CinemaScope.
Por no hablar de su “trilogía” con el actor George Sanders y que engloba títulos tan atractivos como son EXTRAÑA CONFESIÓN (1944), A SCANDAL IN PARIS (1945) y EL ASESINO POETA (1946).
Un placer revisar la obra de este gran cineasta y un placer mayor compartirla con vosotros.
Feliz tarde y hasta la próxima…
… revisión…
… y cuidaros, por favor.
:digno
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Revisada anoche Vicky Cristina Barcelona, la cual sólo había visto una vez y fue en su estreno en cine (por entonces ya acudí a VO porque sabía/sabíamos que iban a mezclar idiomas y era parte fundamental de la trama y creo, me suena, que en cines "normales" ofrecían la opción VO y la opción "Scarlett le dice en español a Penelope que hable en español porque no la entiende" :lol
Me ha gustado bastante más de lo que me gustó en el cine. Pero no recuerdo porque pues viéndola anoche recordaba todo. Es cierto que no se siente un film puro de Allen (igual que Match Point), y el factor territorial y cultural es la clave (idem con Match Point), ni tampoco presenta una historia de principio a fin (en este sentido Match Point sí), pero creo que su idea es precisamente esa: el verano que ambas chicas pasan en Barcelona.
Como barcelonés (y amante y nerd de la ciudad, es más, me siento mas de BCN que de cualquier otra parte; el día que aparezca un partido indepe barcelonés me apunto :lol) el film, pese a que se nota mucho que a) Allen tuvo guía total desde aquí b) Allen en si mismo no debía saber demasiado y se dejó aconsejar en el punto a, c) el film, o quienes redactaron esa guía quisieron, aprovechando el escaparate (ojo que tras JJOO '92, y tras el que supone la visita de turistas año año desde entonces, este film tal vez era el 3er gran escaparate desde que nació la BCN vanguardista a raíz de los Juegos), se decantaron por una macedonia que contuviera un poco todo.
Y acertaron. BCN es, más o menos, lo que sale en la película pese a que Allen lo viste todo por el lado pijo - bohemio - sofisticado -latino - mediterráneo, buscando el equivalente a su visión de NYC de los Upper East/West Side. ¿Es falso? Sí, y no. Igual que en NYC existe ese tipo de vida Upper East/West que Allen idealiza y a la vez expone, en BCN existe la de este film pero en ambos casos es sólo una parte y, claro, resultan más excitantes porque atinan al tópico (es brutal como muchos anglosajones ven BCN sólo de esa forma: mar, gastronomía, cultura, arquitectura y noche inacabable). Pero, claro, tampoco van a hacer un film ambientado en Nou Barris o en Sant Andreu :D
De entrada el doble trío que presenta Allen, primero el de las estadounidenses y luego el de los dos españoles y Cristina, funciona a distintos niveles con el plus de que lo que propone Juan Antonio (Juan Antonio Gonzalo... John Smith, vaya :lol) a las dos chicas, un trío, al final se produce cuando Cristina inicia relación con él y Maria Elena. El primero, que no da a lugar, se inicia con la propuesta de Oviedo, que me resulta chocante por como lo aceptan (no, no lo veo real), que él pilote la avioneta... No acierto a ver la intención ahí en todo eso que de golpe se sale de la realidad. Decía, pues, que no da a lugar, pero sí da pie a un triángulo bien montado cuando la que estaba dispuesta, Cristina, se pone enferma y Allen nos hace caer en la trampa conocida pero tan agradecida de cuando dos personajes al final congenian: Juan triunfa con Vicky.
Ah, creo que Allen vuelve a revelar lo que él (y todos, vaya) ve en Scarlett por el lado sensual:
JUAN ANTONIO (to Cristina)
You know, when I saw you across the room at the art gallery, I noticed you have beautiful lips. Very full, very sensual.
Cuando Juan Antonio entra en relación con Cristina, y más tarde Maria Elena, no sólo pasamos de un triángulo entre un tipo latino y dos yankees, a uno entre dos latinos ardientes y una yankee, sino que de repente Cristina, que era la abierta, sensual, sexy de las dos, pasa a ser la Vicky del trio: hay que joderse como Penélope Cruz, nada más entrar, hace que Scarlett parezca, pues eso, hasta recatada al lado del fulgor ibérico :D
Los 4 actores están muy notables y el contraste con cuando Juan Antonio y Maria Elena hablan español es cojonudo y de nuevo Allen se dejó, seguro, aconsejar pues es realista (apoyado por ese tono tosco pero tan español, o bueno, más castellano de Bardem y sobre todo la Cruz soltando sus líneas: como mola) y le da al film dos dimensiones. Y, perdón, pero demuestra que el doblaje a veces es aún peor salvajada autoral de lo que es ya de por si.
Gran muestrario barcelonés: Sagrada Familia, Hospital de Sant Pau (creo), zona gótico (idem), mar, Av Maria Cristina etc Y el parque de atracciones del Tibidabo, mítico. Misma montaña de la que habla Joey a Ross en Friends y gracias a la cual Rachel y Ross conciben a Emma :P
Y los extras catalanes: Joel Joan, Lloll Bertrán (escena de Johansson y Bardem en el bar). Antológico ver a la Johansson agarrando una Estrella Damm :D
Ah, en su momento conocí, en esos años de hecho, a la doble de la Johansson en este film.
El retorno de las brujas (1993)................................... 8
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Esta película de culto te hechizará la veas las veces que la veas.
Mi comentario:
Mientras esperamos un revival/reboot/remake/segunda parte, cómo se diga en estos días, de la película (que ahora nos ocupa), El retorno de las brujas (Hocus Pocus, 1993), ayer me dispuse a revisionarla tras más de una década de no haberlo hecho en formato doméstico. Y el resultado no ha podido ser más positivo. Recuerdo haber ido al cine a verla allá por octubre de 1993, y el visionado de ayer (con motivo de Halloween) me supo a antaño, como si hubiera sido la primera vez que la pude ver en una pantalla grande. Tal vez no hizo mucho ruido en su estreno original en salas, pero sinceramente y, por mérito propio, se ha convertido en una película de culto en Estados Unidos. Mucho antes de meterse con la trilogía de High School Musical y Los Descendientes para Disney Channel, el coreógrafo y también director Kenny Ortega, gracias a un interesante guión perpretado por Mick Garris y Neil Cuthbert, se metió tras la cámara para llevar a buen puerto una historia de brujas ambientada en plena noche de Halloween. Yo creo que, aunque esté ambientada a mediados de los 90, la trama vendría a ser atemporal, y es por eso que, para mí, aguanta bien el paso del tiempo, concretamente 27 años. El reparto está muy bien apañado. Tal vez los actores y actrices juveniles fueran algo desconocidos por aquel entonces, pero las actrices que interpretan a las tres brujas tenían/tienen un buen curriculum. Bette Midler, Sarah Jessica Parker y Kathy Najimy, llegan a meterse de manera genial en la piel de las tres brujas Sanderson (Winifred, Sarah y Mary, respectivamente) y consiguen sacar más de una sonrisa al espectador. La historia se va meciendo entre varios géneros: el fantástico, la comedia familiar, el juvenil y el romántico, y la verdad es que cuaja todo perfectamente. Quién no la haya visto tiene que verla, ya sea una noche de Halloween o cuando le plazca, pero la disfrutará. Además, que tiene algunos cameos que se reconocerán si se es un buen cinéfilo. Por último, y dejando de lado algunas canciones como "I Put a Spell on You" interpretada por la propia actriz Bette Midler y "Sarah's Theme" con música del fallecido James Horner e interpretada por la actriz Sarah Jessica Parker, hay que mencionar la partitura, de la que llevo tiempo buscando su formato físico, está a cargo del, en mi honesta opinión, magistral John Debney, que me resulta muy placentera y la cual casa muy bien con toda la trama. Esta película te hechizará la veas las veces que la veas. Mi nota final es de 8/10.
Precisamente estoy viendo en Netflix la serie Hollywood, que tiene como personaje a un joven Roy Scherer AKA Rock Hudson, al que se nos muestra en sus inicios en el cine y del que destapa sin pudor su orientación sexual.Cita:
Iniciado por Alcaudón
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Episodio en el que se inspiró Woody Allen para uno de sus mejores films, September.Cita:
Iniciado por Alcaudón
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A mi hermana le encanta Lana Turner. :agradable De hecho, nos hemos visto repetidas veces El cartero siempre llama dos veces, Imitación a la vida, Peyton Place (Vidas borrascosas aquí) y La mujer X.
A mi me parece Imitación a la vida un espléndido dramón, de esos que te lleva al límite de la resistencia (en esa escena que comentamos con Mahalia Jackson cantando en el funeral).
DOS VISIONES COMPLEMENTARIAS/ANTAGÓNICAS DE LA SEGUNDA GUERRA MUNDIAL:
THE BATTLE OF MIDWAY (1942, LA BATALLA DE MIDWAY)
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Director: John Ford.
Producción: United States Navy.
Productor: John Ford.
Guion: John Ford, James Kevin McGuinness y Dudley Nichols.
Narración: Donald Crisp + Jane Darwell, Henry Fonda e Irving Pichel.
Fotografía: Joseph H. August, John Ford, Jack MacKenzie y Kenneth M. Pier (se rodó en Kodachrome 16 mm y las copias se tiraron en Technicolor 35 mm).
Música: Alfred Newman.
Montaje: John Ford y Robert Parrish.
Duración: 18 minutos.
Estreno: 14 de septiembre de 1942.
- Oscar al mejor documental en 1943 -
REPORT FROM THE ALEUTIANS (1943, INFORME DESDE LAS ALEUTIANAS)
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Director: John Huston.
Producción: United States Signal Corps.
Productor: John Huston.
Guion: John Huston.
Narración: John Huston + Walter Huston.
Fotografía: Jules Buck, Freeman C. Collins, Herman Crabtree, Buzz Ellsworth y Rey Scott (se rodó en Kodachrome 16 mm y las copias se tiraron en Technicolor 35 mm).
Música: Dimitri Tiomkin.
Montaje: John Huston.
Duración: 44 minutos.
Estreno: 30 de julio de 1943.
- Nominado al Oscar al mejor documental en 1944 -
…
Entre ¡QUÉ VERDE ERA MI VALLE! (1941) y THEY WERE EXPENDABLE (1945) el cineasta John Ford (1894-1973) rodó una serie de documentales para la Marina (en la que llegó a alcanzar el grado de capitán), cuatro de los cuales (el hoy comentado, SEX HYGIENE (1942), TORPEDO SQUADRON (1942) y DECEMBER 7TH (1943)) acompañan a la espléndida edición de coleccionista que La Aventura lanzó en 2016 de la obra maestra fordiana EL JOVEN LINCOLN (1939). Y si no la pudiste conseguir en su momento, dado que fue una edición numerada (yo tengo el ejemplar n.º 636 de una tirada de 1.000), también está disponible en la plataforma Netflix (al igual que el de John Huston que comentaré a continuación).
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https://laaventuraaudiovisual.com/el-joven-lincoln/
A pesar de la veneración que los compañeros del foro saben que siento por el Gran Jefe no puedo estar más en desacuerdo con la opinión del crítico Tag Gallagher (autor, por otra parte, de uno de los mejores libros que sobre el cineasta se han escrito) que la situaba entre sus obras mayores.
En el libro que la Filmoteca Española dedicó al director (1988) Gallagher llegaba a afirmar lo siguiente:
“LA BATALLA DE MIDWAY (1942) señala la mayoría de edad de Ford, como artista y como hombre. Volviendo la vista atrás, ¡QUÉ VERDE ERA MI VALLE! (1941) puede considerarse como el afloramiento de esta madurez, el resultado de una larga carrera cinematográfica y de la experimentación estética de los años 20 y 30. Pero la carrera de Ford después de la guerra es un proceso de profundización de un estilo que debe más a LA BATALLA DE MIDWAY que a ¡QUÉ VERDE ERA MI VALLE!.”
Y no es que piense que el documental no tenga cualidades sobresalientes sino que me parece inconcebible compararlo con cintas como la Trilogía de la Caballería (FORT APACHE (1948), LA LEGIÓN INVENCIBLE (1949) y RÍO GRANDE (1950)), EL HOMBRE TRANQUILO (1952), THE SUN SHINES BRIGHT (1953), CUNA DE HÉROES (1955), CENTAUROS DEL DESIERTO (1956), ESCRITO BAJO EL SOL (1957), THE RISING OF THE MOON (1957), EL ÚLTIMO HURRA (1958), etc, etc, etc.
Por no hablar, lógicamente de sus obras anteriores a la Segunda Guerra Mundial y que abarcan desde EL CABALLO DE HIERRO (1924) hasta la citada ¡QUÉ VERDE ERA MI VALLE!.
El caso de John Huston (1906-1987) es bien distinto puesto que cuando se alistó únicamente tenía en su zurrón dos largometrajes y medio (EL HALCÓN MALTÉS (1941), COMO ELLA SOLA (1942) y ACROSS THE PACIFIC (1942) – finalizada por Vincent Sherman -) en el campo de la dirección, aunque había escrito un buen puñado de guiones para películas del calado de JEZABEL (1938) de William Wyler, JUAREZ (1939) de William Dieterle, EL ÚLTIMO REFUGIO (1941) de Raoul Walsh o EL SARGENTO YORK (1941) de Howard Hawks.
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Los documentales que Huston realizó durante la Segunda Guerra Mundial pueden verse, como antes indicaba, en la plataforma Netflix: el hoy comentado, SAN PIETRO (1945) y el polémico HÁGASE LA LUZ (1946).
Huston recuperaría el tiempo perdido con dos películas que podemos incluir fácilmente entre las mejores de su filmografía, EL TESORO DE SIERRA MADRE (1948) y CAYO LARGO (1948).
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Pero esa es otra historia y debe ser contada en otra ocasión…
… aunque espero que más pronto que tarde… :cortina
Ambos documentales tratan de la guerra en el Pacífico en 1942.
Ford opta por el sur y se centra en la famosa batalla de Midway, acontecida entre el 4 y el 7 de junio de dicho año y considerada una de las más decisivas de toda la guerra al cortar de raíz la expansión de los japoneses por dicho océano.
Huston, en cambio, se decanta por el norte, por la lejana Alaska y escenifica la menos conocida batalla de las Islas Aleutianas que tuvo lugar entre el 6 de junio de 1942 y 15 de agosto de 1943.
Rodadas ambas cámara en mano y en 16 mm, Ford se centra más en el campo de batalla mientras que Huston prefiere acercarse al día a día de los soldados que toman parte en la misma.
Y frente al tono épico y grandilocuente del primero, subrayado por las melodías típicas que gustaba de incluir siempre el director en muchas de sus películas, Huston prefiere uno más didáctico y menos enfático y con un uso mucho más comedido de la banda sonora.
Y si Ford utilizará como narrador al actor Donald Crisp (el padre de los Morgan en la mencionada ¡QUÉ VERDE ERA MI VALLE!), con aportes puntuales de Jane Darwell, Henry Fonda e Irving Pichel, Huston optará por hacer el mismo de locutor con una pequeña ayuda de su querido padre Walter.
Bien es cierto que mientras Ford únicamente contó con 18 minutos para desarrollar su narración, Huston por el contrario se alargó hasta los 44 minutos y seguramente por ello el primero prefirió ceñirse casi exclusivamente a la propia batalla, magníficamente rodada por cierto y con riesgo para la vida del propio cineasta, mientras que el segundo dedicó mucho más tiempo a los preparativos que a los combates en sí.
De todas formas, las ideologías de ambos cineastas eran completamente opuestas y por ello seguramente el tono elegido por Huston hoy nos parece más moderno que el empleado por Ford, aunque este filme alguna de las escenas de batalla más impactantes de la época.
En cualquier caso, dos documentales que cualquier amante del Séptimo Arte haría bien en revisar y que aportan una visión más completa de dos de los grandes narradores cinematográficos del siglo XX.
Feliz tarde.
:digno
Ahora que estais mirando a Elia Kazan, el director de ¨On the Waterfront¨ decía sobre ¨El tesoro...¨ que era un film maravilloso.
Y bien pensado, aunque son maneras distintas pudiera ser que ambos films tengan un tono parecido...
Borat, película film secuela (2020)....................................... 5
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Al nivel de la película original
Mi comentario:
Si esto se toma en serio, apaga y vámonos. Aunque, bien es cierto que han habido algunas secuencias en las que parece todo muy real. Al estilo de la película original, pero se pierde ya el factor sorpresa, de un personaje que era desconocido en su momento, pero que ahora lo conoce casi todo el mundo. Sacha Baron Cohen vuelve a meterse en la piel de Borat, aunque esta vez no viaja a Estados Unidos solo, sino que va acompañado de la desconocida actriz Maria Bakalova, que no lo hace nada mal, e interpreta a su hija Tutar. En estos tiempos que corren, que se haya rodado este film sin que en internet se haya comentado nada, tiene mucho mérito. Al menos, yo no he encontrado nada antes de su estreno, meses antes, excepto el tráiler. Se agradece el pequeño cameo de Tom Hanks haciendo de él mismo, dejando de lado el tema político. Se podría decir que es una pasable segunda parte del, también pasable, falso documental estrenado hace ya catorce años. Mi nota final es de 5/10.
Vista en Halloween una película perfecta para el día, Ángel de Venganza (Ms. 45) de 1981, que incluso tiene una fiesta de disfraces muy apropiada.
https://mediocrityisthenewgenius.fil...lund.jpg?w=600
Me ha parecido una cinta estimable de un director que cuenta con títulos muy interesantes (y aún por ver por mi parte) como El rey de Nueva York, Bad Lieutenant, El funeral y, la que más me interesa, The addiction contando la última con una espléndida fotografía en blanco y negro que crea una atmósfera fascinante para tal vampírica obra. Es posible que haya citado casi todo lo más destacado de la filmografía de Ferrara, he visto otros films suyos que no me han gustado en exceso.
La protagonista es Zoë Lund, estupenda dando vida a una tímida chica muda (Thana, que viene de Thanatos) que es violada en dos ocasiones en un mismo día. Aporta una perfecta imagen de fragilidad al personaje y se muestra muy creíble en su posterior transformación, con una progresiva degradación mental que la lleva a depredar todo lo masculino en la línea de otro extraordinario filme (aunque muy superior) Repulsión.
https://lh3.googleusercontent.com/pr...WAfhVvGp52pPIS
Lástima que la actriz falleciera tan joven por culpa del demonio de las drogas cuando a buen seguro habría tenido una interesante carrera como actriz (y escritora, no obstante fue co-guionista de la mencionada Bad Lieutenant).
Se percibe que la película es una producción modesta, pero lejos de suponer un problema creo que ayuda a la creación del ambiente sórdido que está presente a la largo de toda la proyección. Interesante descenso a los infiernos.
A mi me parecen dos películas rotundas, dos obras maestras, que en un programa doble son la perfección personificada. Desde luego, ambas hacen salir a la superficie lo más ruin del ser humano, la mezquindad más absoluta que, paradójicamente, nace de la necesidad de supervivencia del individuo.Cita:
Iniciado por C.Bethencourt
Esto no es exacto. La película de la que nos llega ahora una nueva versión, dirigida por Robert Zemeckis, no es esta sino "La maldición de las brujas" ("The Witches", 1990), dirigida por Nicolas Roeg y protagonizada por Anjelica Huston como bruja suprema. Aquella en la que al niño lo convertían en ratón y había una especie de convención de brujas en un hotel, y en la que el gerente del hotel era Rowan Atkinson, "Mr. Bean".Cita:
Iniciado por dawson
Yo una vez medio vi en la tele una de arañas gigantes volcánicas, que estaban hechas de lava o magma :cuniaoCita:
Iniciado por PrimeCallahan
Yo he intentado ver algunas peliculas de ese rollo hechas en Taiwan y China... ves los trailers y que les han metido pasta, y te da la sensación de que van a ser locuras divertidas o algo así. Pero no, es que se las suelen tomar muy en serio, con melodramas entre personajes muy forzados, con nulo sentido del ritmo. Lo que en manos de una productora de serie B americana habría sido un divertimento sin complejos... se convierte en una cosa plomiza sin gracia alguna.
La de las arañas volcánicas era made in USA, un telefilm de esos de A3 por la tarde.
https://www.youtube.com/watch?v=sVh0ylzhrZ4
Por cierto, hay que ver cómo cambian las fechas de los años de nacimiento de actores o directores: yo, de toda la vida tenía asimilado que Douglas Sirk nació en 1900 y no en 1897. Y lo mismo con actores como Danny Kaye (1913 en lugar de su verdadero 1911), la propia Lana Turner (1921 en lugar de 1920) o Cornel Wilde (1912 en lugar del inicialmente 1915). Eso sí, siempre para quitarse años :P, y en el caso de Lana Turner, aunque se quitara uno, me imagino que fue para llegar a la mayoría de edad un año antes por algún rodaje o condición salarial.
Noche electoral USA, si tuviera tiempo me vería Tempestad sobre Washington de Otto Preminger. Espero que el no poder verla no afecte a los resultados. En cualquier caso, dentro de 17 día, el 19, se cumple el centenario del nacimiento de Gene Tierney, y dos o tres de sus films caerán, probablemente uno de ellos será la susodicha Tempestad política.
https://stuffnobodycaresabout.com/wp...y-with-hat.jpg
Preciosa es poco; tan bella que la propia vida, envidiosa de haber parido una criatura así, parece que se rebeló contra ella y la hizo sufrir de lo lindo. Un cuento de hadas oscuro y de tintes mitológicos.
En 4K (aunque no voy a comprar el pack, ni tengo reproductor para él):
Spoiler:
Creo que al menos las tres primeras estaban bastante bien, ¿no? Luego pegó un bajón con la llegada de Jess Franco, ¿o me traicionan los recuerdos infantiles siempre con tendencia al edulcoramiento?
Indicator no ha editado nada en 4K hasta el día de hoy, y tampoco se les espera.Cita:
Iniciado por Otto+
Tengo en mi videoteca la primera, The Face of Fu Manchu, de Don Sharp, y me pareció bastante floja. Yo también tenía un recuerdo un tanto idealizado de mi infancia. Para Fu Manchu, prefiero The Mask of Fu Manchu, de Charles Brabin, con Boris Karloff como el maldito chino.Cita:
Iniciado por Otto+
Las ediciones británicas de Powerhouse son en BD, no en 4K, lo que pasa es que suelen estar escaneadas y restauradas en 2K o en 4K.
:)
Bueno, dales tiempo. También se decía lo mismo de Arrow y ya tienen algún titulo en 4k.Cita:
Iniciado por Bengualas
Vista Casa Ajena
Produccion de Netflix, que se sube al carro del black horror (nombre de genero, inventado por mi: cintas de terror protagonizadas por gente de color, con elementos raciales de por medio), pero que patina en lo que deberia ser uno de los puntos fuertes de la pelicula: el terror.
Una pareja de inmigrantes sudaneses se va a Londres para que les concedan asilo y les dan una casa donde instalarse, no cabe decir que en la casa, pasan cosas raras. Es un film que si bien cuenta con elementos dramaticos potentes (gran interpretacion de su pareja protagonista, con el tema de la inmigracion, que da lugar a una de las mejores escenas de la pelicula, que curiosamente, no es una escena de terror), pero que fracasa estrepitosamente en su elemento de terror, no produce un terror agustioso, si bien hay alguna secuencia eficaz (una escena con luces, por ejemplo), en general, funciona mas como un drama sobre la inmigracion que como pelicula de terror.
https://www.youtube.com/watch?v=CUOixtXvUrc
Si yo encantado si se animan; simplemente digo que no lo han hecho y que no tienen planes, de momento. El compañero se ha liado con lo de "máster 4K", supongo.Cita:
Iniciado por DrxStrangelove
Lo sé, lo sé. Era más por dar esperanzas de cara al futuro.Cita:
Iniciado por Bengualas
Seguramente. O a lo mejor se refería a que siendo BD parte de un master 4k.Cita:
El compañero se ha liado con lo de "máster 4K", supongo.